i. Comprender la iluminación Rembrandt
* Característica clave:el parche Rembrandt. El sello distintivo de este estilo es un pequeño triángulo o diamante de luz en la mejilla frente a la fuente de luz principal. Este reflector es crucial.
* Fuente de luz: Por lo general, se usa una sola fuente de luz enfocada. Esto puede ser luz natural (como una ventana) o luz artificial (como un softbox o plato de belleza).
* sombras: Las sombras extensas son un elemento crítico. Crean profundidad y estado de ánimo.
* estado de ánimo: La iluminación de Rembrandt está asociada con drama, introspección y una sensación clásica y pintoresca.
ii. Antes de comenzar:la fotografía ideal
* La imagen de origen ideal: Si bien puede trabajar con la mayoría de las fotos, es mejor comenzar con una imagen que ya tiene una iluminación direccional y un fondo relativamente oscuro.
* Buenos puntos de partida: Fotos tomadas en interiores cerca de una ventana (con el sujeto frente a la ventana en ángulo), o fotos tomadas con un solo flash fuera de la cámara.
* menos ideal: Las imágenes rotundamente iluminadas (como las tomadas con flash en la cámara directamente en el tema) requerirán mucho más trabajo.
* pose: La cara del sujeto debe alejarse parcialmente de la fuente de luz para permitir el patrón de iluminación de Rembrandt característico.
iii. Ajustes de Lightroom:una guía paso a paso
Esto supone que estás trabajando en Lightroom Classic o Lightroom CC. Los nombres y posiciones de los controles deslizantes pueden variar ligeramente entre versiones.
1. Ajustes básicos del panel:
* Exposición: Comience reduciendo la exposición en general. Estamos apuntando a una sensación más oscura y más dramática. Baje pero no pierdas demasiado detalles. Apunte a -0.5 a -1.5, dependiendo de su imagen.
* Contrast: Aumente el contraste significativamente para crear más separación entre los reflejos y las sombras. Pruebe +20 a +50.
* destacados: Baje los aspectos más destacados para recuperar detalles en las áreas más brillantes. Esto puede evitar áreas de volar en la cara. -30 a -70 podría ser necesaria.
* sombras: Esto es crucial. Baje las sombras drásticamente para profundizarlas. Esto se sumará al efecto malhumorado. -60 a -100 es un buen punto de partida.
* blancos: Ajuste los blancos para establecer el punto más brillante en la imagen. Experimente para encontrar lo que funciona mejor:a veces aumentarlos un poco puede ayudar a crear un brillo sutil, otras veces disminuir es mejor.
* NEGROS: Bajar a los negros profundizará aún más las áreas oscuras. -30 a -70 es un buen punto de partida. No triture a los negros por completo; Deja algunos detalles.
* Claridad: Aumente la claridad sutilmente. Esto puede mejorar la textura y los detalles en la cara. +5 a +20. Exagerarlo hará que la imagen se vea dura.
* Dehaze: Use esto con moderación, puede agregar al drama, pero demasiado puede parecer artificial. +5 a +15
2. Ajustes de la curva de tono:
* Crear una curva S: Esta es una técnica clásica para aumentar el contraste. Tire hacia abajo en la parte inferior izquierda de la curva para oscurecer las sombras y tire de la parte superior derecha para iluminar los reflejos. Haga que la curva sea relativamente sutil al principio. Esto refina el contraste creado por los controles deslizantes básicos.
* Curvas de canal (opcional): Para obtener más control sobre los tonos de color, puede ajustar las curvas rojo, verde y azul individualmente. Por ejemplo, agregar una ligera curva S al canal azul puede agregar un tono frío sutil a las sombras.
3. HSL/Ajustes de color:
* Luminance: Concéntrese en los controles deslizantes de luminancia.
* naranja/amarillo: Ajuste la luminancia de los tonos naranja y amarillos (que generalmente afectan los tonos de la piel) para refinar el brillo de la cara. Bajar la luminancia naranja puede profundizar los tonos de piel. Aumentarlo podría crear un brillo sutil.
* Otros colores: Baje la luminancia de otros colores (especialmente los azules y los verdes en el fondo) para oscurecer aún más la imagen y llamar la atención sobre la cara.
* saturación: Reduzca la saturación de colores que distraen o demasiado vibrantes. Los azules y los verdes desaturantes es común. Una reducción general de 5-10 saturación puede ayudar a crear una sensación más apagada y atemporal.
* tono: Se pueden hacer ajustes sutiles al tono para equilibrar los tonos de piel.
4. Panel de detalles (afilado y reducción de ruido):
* afilado: Aumente el afilado moderadamente para mejorar los detalles. Use el control deslizante de enmascaramiento para evitar el afilado en áreas como el fondo.
* Reducción de ruido: Si es necesario, reduzca el ruido (especialmente en las sombras) sin sacrificar demasiados detalles.
5. Panel de efectos:
* Vignetting: Agregue una viñeta oscura sutil para dibujar aún más el ojo al centro de la imagen. Use un valor negativo (por ejemplo, -10 a -30). Ajuste el punto medio y la pluma para controlar el efecto.
* grano: Agregar un toque de grano puede mejorar la calidad fílmica y pictórica de la imagen. Use una pequeña cantidad (por ejemplo, 5-15).
6. Panel de calibración (calibración de la cámara):
* Esta es una configuración avanzada, pero cambiar el perfil de la cámara de 'Adobe Color' a 'Camera Neutral' o 'Camera Standard' puede dar colores más naturales que pueden ser un buen punto de partida.
7. Ajustes locales (enmascaramiento):
* Filtro radial/filtro graduado/Pincel de ajuste: Estas son herramientas poderosas para ajustar áreas específicas.
* esquivando y quemando: Use el pincel de ajuste para esquivar sutilmente (alegrar) áreas como los ojos, el parche de luz de Rembrandt en la mejilla y los labios. Quemar (oscurecer) áreas que son demasiado brillantes o que distraen.
* Características de aislamiento: Use el pincel para oscurecer las áreas alrededor de la cara para centrar la atención allí.
* Refine Mask: Use la opción de máscara de refine después de usar la herramienta Brush para ajustar los bordes. Esto es especialmente útil al enmascarar alrededor del cabello.
iv. Consejos y consideraciones clave:
* Preserve detalles: Evite aplastar a los negros o soplar los reflejos por completo. Siempre deje algunos detalles en las sombras y reflejos.
* tonos de piel: Presta mucha atención a los tonos de piel. Evite hacer que se vean antinaturales o demasiado naranjas. Use los controles deslizantes HSL para ajustarlos.
* sutileza: No exagere los ajustes. Los mejores retratos de estilo Rembrandt tienen una sensación natural y pictórica, no un aspecto demasiado procesado.
* Experimento: Estas son solo pautas. La configuración específica variará según su imagen. No tengas miedo de experimentar y encontrar lo que funciona mejor.
* Imágenes de referencia: Estudie pinturas reales de Rembrandt y fotografías de estilo Rembrandt. Presta atención a los patrones de iluminación, las sombras y el estado de ánimo.
* Práctica: Crear este estilo requiere práctica. No se desanime si sus primeros intentos no son perfectos. Sigue experimentando y mejorarás con el tiempo.
* use presets como base: También hay muchos preajustes que puede descargar, lo que creará la iluminación Rembrandt oscura y malhumorada automáticamente. Estos pueden ser un buen punto de partida, pero es posible que deba ajustarlos de acuerdo con las necesidades de su imagen.
Resumen de flujo de trabajo de ejemplo:
1. Panel básico: Exposición -0.8, contraste +35, resaltados -50, sombras -80, blancos +5, negros -40, claridad +10, deshaze +8
2. Curva de tono: Curva S sutil
3. hsl/color: Luminancia naranja -10, saturación azul -15, saturación verde -20
4. Detalle: Afilado (cantidad 60, radio 1.0, detalle 25, enmascaramiento 40), reducción de ruido (luminancia 10)
5. Efectos: Vignetting -20, punto medio 50, Feather 70
6. Ajustes locales: Dodge Eyes y Rembrandt Patch, quemar las áreas circundantes
Siguiendo estos pasos y practicando regularmente, puede crear retratos impresionantes y evocadores de estilo Rembrandt en Lightroom. ¡Buena suerte!