i. Comprender la iluminación Rembrandt:
* Características clave:
* contraste dramático: Alto contraste entre la luz y la sombra.
* Fuente de luz única: A menudo se origina desde un ángulo alto y ligeramente al lado del sujeto.
* Rembrandt's Patch/Triangle of Light: The Hallmark:un pequeño triángulo de luz invertido que aparece en la mejilla más alejado de la fuente de luz principal. Esto requiere un posicionamiento cuidadoso de la luz y el sujeto.
* Sombras profundas: Una porción significativa de la cara y el fondo están en la sombra.
* Estado de ánimo introspectivo: La iluminación a menudo se presta a una sensación de misterio, drama y profundidad de carácter.
ii. Preparación y disparo:
* Configuración de iluminación (crucial):
* Fuente de luz única: Use un modificador de softbox o paraguas para suavizar la luz. Alternativamente, puede usar un reflector para rebotar la luz, pero esto será menos direccional.
* Posicionamiento: Coloque la fuente de luz alta y ligeramente hacia el costado y el frente del sujeto (alrededor de 45 grados es un buen punto de partida). Experimente con el movimiento de la luz hacia adelante, hacia atrás, hacia arriba y hacia abajo hasta lograr el parche Rembrandt.
* Flags/Blockers (opcional pero recomendado): Use banderas negras (núcleo de espuma, tela negra, etc.) para controlar el derrame de luz y profundizar las sombras. Colóquelos en el lado opuesto del sujeto de la fuente de luz para evitar que la luz regrese a las sombras.
* Distancia: La distancia entre la luz y el sujeto influirá en la suavidad y la intensidad de la luz. Experimente para encontrar lo que funciona mejor.
* sujeto y antecedentes:
* fondo oscuro/neutro: Use un fondo oscuro o de color neutro (negro, gris oscuro, marrón) que no reflejará demasiada luz. Esto ayuda a mantener el estado de ánimo.
* pose: Guíe al sujeto para desviar su cabeza ligeramente de la fuente de luz. Esto es esencial para crear el parche Rembrandt.
* Ropa: La ropa oscura o apagada ayuda a mantener la sensación general oscura y malhumorada.
* Configuración de la cámara:
* Dispara en Raw: Esto le brinda la mayor flexibilidad en el postprocesamiento.
* Aperture: Use una apertura moderadamente amplia (f/2.8 - f/5.6) para lograr una profundidad de campo poco profunda y aislar aún más el sujeto.
* ISO: Mantenga el ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido.
* Velocidad de obturación: Ajuste la velocidad del obturador para exponer adecuadamente la escena. Use su medidor de luz e histograma como guía. Es posible que se sorprenda por la cantidad de menor exposición que debe compararse con su tiroteo habitual.
* Balance de blancos: Apunte a un equilibrio de blancos neutros. Puede ajustar esto en la publicación si es necesario.
iii. Pasos de edición de Lightroom:
1. Importación y ajustes iniciales:
* Importa tu imagen en bruto a Lightroom.
* Corrección de perfil: Vaya al panel de correcciones de lente y habilite "eliminar la aberración cromática" y "habilite las correcciones de perfil". Esto corrige las distorsiones de la lente.
2. Ajustes básicos del panel:
* Exposición: Comience ligeramente subexente la imagen. La iluminación de Rembrandt se trata de sombra, así que abraza la oscuridad. A menudo, un buen punto de partida es de -0.5 a -1 paradas.
* Contrast: Aumente el contraste para mejorar el efecto dramático. Experimentar con el control deslizante, a menudo +20 a +50 funciona bien.
* destacados: Tire de los reflejos hacia abajo *significativamente *. Esto recupera los detalles en las áreas brillantes y se suma al estado de ánimo. A menudo, -60 a -100.
* sombras: Levanta las sombras * ligeramente * para revelar algunos detalles en las áreas más oscuras, pero no se excedan. +10 a +30 es un buen punto de partida. El objetivo no es eliminar las sombras, sino agregar un toque de detalle.
* blancos: Reduzca ligeramente las blancos para evitar el recorte.
* NEGROS: Empuja a los negros hacia abajo para profundizar las sombras y crear un aspecto más rico y dramático. -20 a -50 es un buen punto de partida.
* Claridad: Reduzca la claridad * ligeramente * para suavizar la piel y crear un aspecto más pictórico. -5 a -15. Exagerar esto puede hacer que la imagen se vea borrosa.
* Vibrancia/saturación: Ajustelos al gusto. Es posible que desee desaturar la imagen * ligeramente * para una sensación más clásica y apagada. ¡Experimento!
3. Ajustes de la curva de tono (esencial):
* Curva de punto: Aquí es donde ajustarás el contraste.
* s curva: Una ligera curva S mejorará el contraste, haciendo que los reflejos más brillantes y las sombras sean más oscuros. Tenga cuidado de no hacer que la curva S sea demasiado agresiva, ya que esto puede conducir a la dureza.
* Curvas de canal individuales (rojo, verde, azul): Estos son útiles para la calificación sutil de color. Por ejemplo, agregar un toque de azul en las sombras puede crear una sensación más fresca y melancólica.
4. HSL/Panel de color:
* Hue, saturación y luminancia (HSL):
* tono: Los ajustes sutiles al tono pueden mejorar los tonos de piel.
* saturación: Desaturar ciertos colores (especialmente rojos y naranjas) ligeramente para crear una paleta más apagada. Tenga cuidado de no desaturar demasiado los tonos de piel.
* Luminance: Ajuste la luminancia de los colores individuales para controlar el brillo. Por ejemplo, reducir la luminancia de la naranja puede oscurecer ligeramente los tonos de piel.
5. Panel de detalles:
* afilado: Aplique una pequeña cantidad de afilado para mejorar los detalles. Use el control deslizante de enmascaramiento para evitar el afilado en el fondo.
* Reducción de ruido: Si es necesario, aplique la reducción de ruido para reducir la granidad, especialmente si tenía que usar un ISO más alto.
6. Panel de efectos:
* viñeta: Agregue una viñeta sutil para oscurecer aún más los bordes de la imagen y dibujar el ojo del espectador al tema. Experimente con la cantidad, el punto medio, la pluma y los controles deslizantes de redondez.
iv. Consideraciones y consejos importantes:
* Experimentación: No tengas miedo de experimentar con los controles deslizantes. La configuración exacta dependerá de la imagen específica.
* sutileza: La iluminación de Rembrandt se trata de matices. Evite exagerar los ajustes, lo que puede conducir a un aspecto antinatural.
* Tono de piel: Presta mucha atención a los tonos de piel. Asegúrese de que se vean naturales y saludables.
* recorte destacado: Evite el recorte destacado excesivo. Use la advertencia destacada en Lightroom para identificar y corregir áreas recortadas.
* Recorte de sombras: Un pequeño recorte de sombras puede estar bien, pero demasiado dará como resultado una pérdida de detalle.
* Práctica: La práctica es clave para dominar la iluminación de Rembrandt y el postprocesamiento. Dispara y edite regularmente para desarrollar tus habilidades.
* Presets: Si bien puede usar presets como punto de partida, es importante comprender los principios subyacentes y personalizar los ajustes para adaptarse a su imagen específica. Mire los presets de Lightroom de estilo Rembrandt para comprender la configuración, pero * siempre * adaptarlos.
* Ajustes locales (filtro graduado, filtro radial, pincel de ajuste): Use estas herramientas para ajustar selectivamente áreas específicas de la imagen. Por ejemplo, puede usar un filtro radial para oscurecer el fondo o un cepillo de ajuste para iluminar los ojos.
Configuración de ejemplo (punto de partida):
* Exposición:-0.7
* Contraste:+40
* Lo más destacado:-80
* Sombras:+20
* Blancos:-10
* NEGROS:-30
* Claridad:-10
* Curva de tono:ligera curva S
* Afilamiento:cantidad 40, Radius 1.0, detalle 25, enmascaramiento 40
* Vignette:cantidad -15, punto medio 50, Feather 75
Recuerde, estos son solo puntos de partida. Ajustarlos en función de su imagen específica y visión creativa. Lo más importante es comprender los principios de la iluminación de Rembrandt y aplicarlos de una manera que mejore el estado de ánimo y el drama de su retrato. ¡Buena suerte!