1. Elegir la imagen correcta:
* sujeto: Un sujeto con una fuerte estructura ósea (pómulos altos, la mandíbula definida) a menudo funciona bien, ya que acentúa la luz y la sombra.
* Configuración de iluminación (escenario ideal):
* Fuente de luz única: Esto es crucial. Imagine una ventana a un lado y ligeramente frente al sujeto.
* luz suave: Si bien los retratos de Rembrandt tienen un fuerte contraste, la luz en sí suele ser suave, como la luz solar filtrada. Usar un gran softbox, paraguas o luz de rebote de una superficie blanca grande ayudará.
* ligeramente en ángulo hacia abajo: La fuente de luz debe colocarse ligeramente más alta que el sujeto y en ángulo hacia abajo para crear sombras debajo de la ceja y la nariz.
* Calidad de imagen: Dispara en formato en bruto para obtener la máxima flexibilidad en el procesamiento posterior.
2. Ajustes de Lightroom (Módulo de desarrollo):
* Panel básico:
* Exposición: Báñalo considerablemente. La iluminación Rembrandt es conocida por su oscuridad. Apunte a la subexposición en lugar de la sobreexposición. Experimente, pero comience soltándolo -1 a -2 paradas o más.
* Contrast: Aumente esto para mejorar el rango tonal y crear separación entre los reflejos y las sombras. Comience con +20 a +40 y ajuste al gusto.
* destacados: Tire de estos * camino * hacia abajo. Recuperar lo más destacados y agregar a la sensación de mal humor. Pruebe -60 a -100.
* sombras: Lleva las sombras *ligeramente *, lo suficiente para revelar algunos detalles sin perder el estado de ánimo. Comience alrededor de +10 a +30.
* blancos: Ajuste estos *cuidadosamente *. Quieres algunos puntos brillantes, pero no muchos. Experimento basado en su imagen.
* NEGROS: Baje estos para profundizar las sombras. Esto refuerza la estética oscura y malhumorada. -20 a -50 podría ser apropiado.
* Claridad: Esto puede agregar un poco de "golpe" a la imagen, pero úsela con moderación. +5 a +15 podría ser suficiente. Demasiado se verá artificial.
* Dehaze: Evite usar demasiado deshaze, ya que puede hacer que la imagen parezca demasiado nítida y pierda la sensación de pintores. Use sutilmente, si es que sea (+5 a +10 como máximo).
* Vibrancia/saturación: Reduzca la saturación * ligeramente * para una sensación más atemporal. Las pinturas de Rembrandt no estaban demasiado saturadas. Ajuste la vibrancia al gusto (una ligera protuberancia puede ayudar a los tonos de piel).
* Curva de tono:
* Curva de punto: Use la curva puntual (también conocida como "S curva")) para refinar aún más el contraste. Una curva S sutil aumentará el contraste. Experimente con una curva suave. La clave es sutileza.
* Curvas de canal (rojo, verde, azul): Puede usarlos para ajustar el balance de color. Los ajustes sutiles aquí pueden marcar una gran diferencia. Experimento. Agregar una pequeña protuberancia al blues en las sombras puede ser un buen punto de partida para agregar un ambiente más malhumorado.
* HSL/Panel de color:
* tono: Los ajustes sutiles del tono pueden mejorar los tonos de piel.
* saturación: Reduzca ligeramente la saturación de amarillos y naranjas. Los tonos de piel en pinturas Rembrandt rara vez son demasiado vibrantes.
* Luminance: Ajuste la luminancia de colores específicos para controlar el brillo. Puede oscurecer ligeramente la luminancia de los amarillos y naranjas para enfocar la luz.
* Panel de detalles:
* afilado: Aplique una cantidad moderada de afilado, centrándose en los ojos y las características faciales clave. Use el enmascaramiento para evitar afilar el fondo y las áreas con ruido.
* Reducción de ruido: Si es necesario, reduzca el ruido, especialmente en las sombras. Demasiada reducción de ruido puede suavizar demasiado la imagen.
* Correcciones de lentes:
* Habilite las correcciones de perfil para eliminar cualquier distorsión de lente o aberración cromática.
* Panel de efectos:
* Vignetting: Agregue una viñeta negativa sutil para oscurecer los bordes de la imagen y llamar la atención sobre el tema. Experimente con la cantidad y el punto medio. Una ligera viñeta a menudo es muy efectiva.
* grano: Un grano muy sutil a veces puede agregar una calidad de película, pero esto es opcional y debe usarse con moderación.
* Calibración:
* Experimente con los tonos y saturaciones primarios rojos, verdes y azules para refinar aún más la paleta de colores.
3. Emulación de iluminación Rembrandt (técnicas específicas):
* El parche Rembrandt: La característica definitoria de la iluminación Rembrandt es el pequeño triángulo de luz en la mejilla frente a la fuente de luz. Presta atención a lograr esto. Si su imagen no la tiene naturalmente, puede * muy sutilmente * usar el pincel de ajuste en Lightroom para pintar un área pequeña de mayor exposición en la mejilla. ¡Hazlo creíble!
* Enmascaramiento selectivo (pincel de ajuste o filtro radial):
* esquivar y quemar: Use el cepillo de ajuste para esquivar sutilmente (aligerar) los reflejos y quemar (oscurecer) las sombras para esculpir la cara y mejorar la iluminación. Concéntrese en los ojos, los pómulos y los labios.
* Filtro radial para el enfoque: Coloque un filtro radial alrededor de la cara del sujeto y aumente ligeramente la exposición, el contraste y la claridad dentro del filtro para llamar la atención sobre ellos. Cupa los bordes para mezclar sin problemas.
* Amarca de fondo: Use un filtro radial para oscurecer aún más el fondo, haciendo que el sujeto se destaque.
* Filtro graduado: Use un filtro graduado para oscurecer sutilmente la parte superior de la imagen, imitando la caída de la luz en una configuración de estudio.
4. Iteración y refinamiento:
* retrocede: Tome descansos y mire la imagen con ojos frescos.
* Compare: Compare su imagen con las pinturas Rembrandt reales. Presta atención al tono general, el contraste y la paleta de colores.
* Ajuste gradualmente: Haga ajustes pequeños e incrementales para evitar el sobreprocesamiento.
Consejos clave para el éxito:
* la sutileza es clave: Evite el sobreprocesamiento. El objetivo es crear un retrato artístico de aspecto natural.
* Centrarse en la iluminación: Las pinturas de Rembrandt tienen que ver con la luz. Obtenga la iluminación directamente en la imagen original, o emújala cuidadosamente en el procesamiento posterior.
* Estudia el trabajo de Rembrandt: Analice la iluminación, la composición y la paleta de colores de sus retratos.
* Práctica: Cuanto más practiques, mejor serás para lograr el aspecto de Rembrandt.
* Use una tableta Wacom (o similar) para el control más fino Un bolígrafo y una tableta hacen que el cepillo de ajuste y las aplicaciones de filtro graduada sean más fáciles y precisas.
* No se destaque. Los retratos de Rembrandt no se tratan de detalles extremos.
Resumen de flujo de trabajo de ejemplo:
1. Selección de imagen: Elija un retrato adecuado con buena iluminación o potencial para ello.
2. Ajustes globales:
* Mayor exposición, aumente el contraste
* Ajuste los reflejos y las sombras al gusto.
* Oscurece blancos y negros.
* Claridad sutil y ajustes de Dehaze.
3. Curva de tono: Crea una curva S sutil.
4. Ajustes HSL: Desaturar los amarillos y las naranjas ligeramente. Ajuste la luminancia para los tonos de piel.
5. Panel de detalles: Afrasión moderada y reducción de ruido (si es necesario).
6. Panel de efectos: Viñeta sutil.
7. Ajustes locales (cepillo de ajuste/filtros radiales):
* Cree el "parche Rembrandt" si es necesario.
* Dodga y quemado para esculpir la cara.
* DIMINAR el fondo.
8. Refinamientos finales: Haga pequeños ajustes al tono general y al equilibrio de color.
Recuerde, esta es una guía. Cada imagen es diferente, por lo que deberá adaptar estas técnicas para satisfacer sus necesidades específicas y visión artística. ¡Buena suerte!