Los eventos en Bomb City necesitaba una sensación más grande que la vida y una realidad arenosa. Hablamos con el director de fotografía Jake Wilganowski sobre cómo lo logró.
Imagen superior a través de Ericka Estrella Photography.
El 12 de diciembre de 1997, Brian Deneke, nativo de Amarillo, TX y punk rockero, fue asesinado en un ataque deliberado de atropello y fuga. Los eventos antes y después de este ataque están llenos de controversia y virulencia, y la noticia del asesinato y la controversia asociada se extendieron rápidamente por todo el estado de Texas, así como por los grupos punk/skater de todo el país.
La película Ciudad bomba , dirigida por Jameson Brooks (quien también coescribió la película con el compositor Sheldon Chick), cuenta la historia de este asesinato y las cuestionables acciones del sistema de justicia para reprenderlo.
La película ahora se proyecta en cines selectos y está disponible en Video On Demand.
Tráiler a través de Gravitas Ventures.
La película, que retrata algunos momentos viscerales y descarnados de Amarillo de finales de los 90 (también conocida como Bomb City, el título de la película, debido a su planta de desmontaje de bombas nucleares), incluye una cinematografía impresionante de Jake Wilganowski.
Con el uso de luces sucias, prácticas coloridas, lentes anamórficos, un trabajo de cámara estelar y ubicaciones auténticas (incluidos algunos de los lugares donde realmente ocurrieron los eventos), Wilganowski creó una hermosa realidad arenosa.
Echa un vistazo a este vídeo para ver el detrás de escena.
Jake tuvo la generosidad de responder algunas preguntas sobre su trabajo en la película y algunas de las técnicas y herramientas que usó para lograr el look.
PremiumBeat: ¿Me darías un poco de historia sobre ti y tu trabajo anterior? ¿Es este tu mayor proyecto narrativo hasta el momento?
Jake Wilganowski: Definitivamente el mayor proyecto narrativo que he fotografiado. Hice un largometraje narrativo antes de este. Y un documental de largometraje. Aparte de eso, ha habido cortos, videos musicales y comerciales.
PB: ¿Cuál fue la génesis de su participación en esta película? ¿Era la historia algo de lo que sabías mucho de antemano? ¿Habías trabajado antes con este director?
JW: Tenía 17 años y vivía en un pueblo de 50.000 habitantes en Texas cuando ocurrieron los hechos en 1997. Recuerdo haberlo oído porque tuvo bastante cobertura en las noticias. Yo era entonces, y todavía lo soy, un patinador, y en ese momento en una pequeña comunidad de Texas, estábamos en las afueras de la normalidad. No éramos deportistas ni preparadores ni pateadores (occidentales). Es por eso que esta historia me llegó a casa cuando Jameson y Sheldon (director/escritor y escritor/compositor) me hablaron sobre la película, y recordé la historia.
Dave Davis como Brian Deneke. (Imagen a través de Gravitas Ventures).
Habíamos trabajado juntos en algunos proyectos comerciales, y recuerdo que me mencionaron este proyecto cuando nos conocimos, pero cuando la gente comienza a hablar sobre proyectos que están en desarrollo, tomas todo con pinzas porque es un proceso largo para realmente hacer algo, y la mayoría de la gente renuncia en algún momento del proceso. Así que pasaron un par de años (creo) y trabajamos juntos periódicamente en proyectos comerciales, cuando un día Jameson llamó y dijo que estaba sucediendo si quería hacerlo.
MaeMae Renfrow como Jade. (Imagen a través de Gravitas Ventures).
PB: La película tiene un tono visual muy pronunciado que funciona muy bien con la historia. ¿Cómo se te ocurrió este enfoque? ¿Hubo algo en particular en lo que te inspiraste?
JW: Todo el estilo y la apariencia comenzaron con un look-book que el director elaboró. A los dos nos encanta la misma estética, por lo que fue fácil estar en la misma longitud de onda. Necesitábamos un naturalismo estilizado en la iluminación. No sé si eso es una cosa o no, pero me describe el aspecto de iluminación en pocas palabras.
Usamos el movimiento de la cámara para apoyar el sentimiento de los personajes y las escenas. Todas las escenas de la corte y de los atletas son movimientos fluidos:jib, dolly, etc. Las escenas punk y de lucha son en su mayoría de mano. Jameson siempre decía "Hazlo bonito". Decir ah. Queríamos que la apariencia fuera cruda y realista, pero hermosa e interesante a la vista, realzada estilísticamente un poco de la realidad sin dejar de sentirse conectado a tierra.
PB: ¿Qué tipo de preproducción hiciste? ¿Trabajaste a partir de guiones gráficos o fue más un proceso orgánico?
JW: El director y el equipo de redacción y producción prácticamente vivieron en la oficina de producción durante un mes antes del rodaje real. Iría de visita para hablar de cosas. Planificábamos las cosas en general o hablábamos de diferentes ideas de tomas. Pero en los días de rodaje reales, bastante orgánico.
Definitivamente teníamos ideas y notas para cada escena, por supuesto, pero generalmente iluminaba áreas en lugar de tomas para que pudiéramos descubrir cómo queríamos cubrirlas mientras ensayábamos. Tendríamos reuniones rápidas comenzando cada día para repasar todo, hablar sobre ciertas tomas o puntos de la historia, y luego participar.
PB: ¿Puedes darnos un resumen rápido del equipo que usaste para crear el aspecto de la película? (cámara/objetivos/luces, etc.)
JW: Dos armas ROJAS que usan el sensor 6k Dragon. Grabé todo a 1280 ISO en su mayor parte. Lentes anamórficas Kowa 2x:40,50,75,100. Para la iluminación en el lado más grande, usamos algunas HMI de 6k, una HMI de 12k y una luz de globo HMI de 4k. No llevamos estas luces más grandes con nosotros a todos los lugares, solo para escenas específicas.
Probablemente teníamos un paquete de agarre de 3-5 toneladas y pedíamos cosas adicionales como elevadores o soportes más grandes cuando fuera necesario. También usamos lámparas tradicionales de películas más pequeñas, bromistas, kinos y luces de tungsteno, y todo tipo de lámparas de tipo "encontrado" en el espacio del almacén punk, por ejemplo.
PB: ¿Cómo/por qué te decidiste por las lentes anamórficas que usaste?
JW: Los de Kowa son, con mucho, los anamórficos 2x más pequeños fabricados, por lo que fue un factor importante. Me gusta mantenerlo ligero y ajustado. Además, en mi opinión, dan el aspecto más interesante y uno de los más pesados. Muy vivo y atmosférico. Las lentes modernas son bastante aburridas. Esta historia necesitaba lentes con algo de determinación y alma. Jameson y yo somos grandes fans anamórficos, y parecía tener sentido estéticamente. Queríamos que fuera estilizado y orgánico al mismo tiempo.
PB: La iluminación en la película tiene una sensación muy natural, prácticamente iluminada, pero hay mucho color y estilo en toda la iluminación. ¿Cómo abordaste la iluminación en la película?
JW: Mucho de mi trabajo no fue hasta que estábamos caminando por los escenarios y sintiendo realmente los espacios. Revisaré algunas configuraciones:
Tuvimos un par de días para preiluminar el almacén punk en particular, donde ocurrió la primera semana de rodaje. Lo divertido de ese espacio era que muchas de las escenas tenían lugar de noche, por lo que usamos iluminación de bricolaje como lo harían los niños en un almacén en la vida real. Una lámpara vieja o un letrero de neón, una bombilla cruda en un microondas viejo, por ejemplo, luego complementaríamos con luces de cine ocultas. La escena cuando caminan afuera después del espectáculo punk, por ejemplo, está iluminada por un HMI m18 en un ultra rebote superior para un brillo ambiental azul suave, luego algunas luces de trabajo cálidas de Home Depot en el marco y un par de otras luces pequeñas de película que crean un poco de verde. . Queríamos que las temperaturas de color fueran inconsistentes. Era parte de hacerlo sentir vivo y real.
Los puntos de acceso en el marco son otra cosa que me gusta, por lo que ver todos estos accesorios en el marco es genial:crea vida en la imagen. Para las escenas de la sala de audiencias, queríamos que fueran brillantes y soleadas, pero aún contrastantes y estilizadas. Creo que aseguramos esa ubicación justo antes de filmar allí, por lo que no pudimos hacer mucho pre-profesional, pero logramos que funcionara y gracias a Dios que el clima cooperó.
Creamos el haz de luz solar principal con un HMI de 12k, si mal no recuerdo. La sala del tribunal estaba en el segundo o tercer piso, por lo que las luces tenían que estar en los ascensores fuera de las ventanas. También había un HMI de 6k o 4k en el exterior, y en el interior había otro HMI más pequeño rebotado en un rebote ultra de 8x, y luego un relleno negativo que flotaba dependiendo de la toma. Toda la sala del tribunal fue filmada con un foque de cabeza remoto, en su mayor parte.
Key Grip Richard Porter preparando un HMI para la escena del tribunal. (Imagen vía Jake Wilganowski.)
En la escena de la hoguera teníamos un globo de luz HMI de 4k con una red doble colgado de un ascensor. Luego, algunos accesorios de tungsteno rebotaron y se atenuaron para crear el brillo del fuego. El equipo de iluminación también instaló todas las luces rojas debajo y en el interior de la camioneta de Ricky usando paneles LED y luces de cinta. Para la escena principal de la pelea, teníamos tres HMI de 6k que se encargaban de la mayor parte de la iluminación. Estaban estacionados en ascensores o soportes hidráulicos a una buena distancia de la acción para simular las luces del estacionamiento.
PB: ¿Hubo desafíos o limitaciones importantes que encontró durante la producción?
JW: La producción es dura en general. La falta de sueño es probablemente el mayor desafío para cualquier producción a largo plazo, especialmente con tantas noches de rodaje. Pero cuando estás haciendo cosas geniales como DP, es tan estimulante que simplemente entras en modo robot de trabajo y consume tu vida. Esa es la parte más difícil:la rutina, el cambio de días a noches y viceversa. Mantenerse al día con el mundo real en el período de producción es difícil. Pero sabes que valdrá la pena.
PB: ¿Cómo era tu tripulación? ¿Generalmente mantuviste las cosas bastante pequeñas o las tomaste día a día?
JW: Para la iluminación, subía y bajaba un poco dependiendo de los días y las ubicaciones, pero teníamos 3-4 muchachos en electricidad y 3-4 en agarre, más el gaffer y la llave. El equipo de cámara éramos yo y otro operador, un primer AC para cada uno de nosotros, un segundo AC y una cámara PA. Parecía que había un millón de otras personas siempre alrededor entre diseño de producción, vestuario, peluquería, actores, coreógrafos de lucha, extras, gente de seguridad, asistentes personales, etc. ), Jameson (director) y yo.
La escena en la que está patinando y se para muy cerca de un tren éramos solo Dave, Jameson y yo, que nos conducía de noche en Amarillo. Dave acaba de hacer esto, yo lo filmé y eso fue todo. Eso es parte de lo bueno de esta película. Hay momentos que son pequeños y muy documentales.
Estábamos haciendo exactamente lo que Brian estaba haciendo en algún momento, estoy seguro:patinar, esperar a que pasara un tren por la noche en el centro de Amarillo. Surrealista.
PB: El tema de la película es muy personal y emotivo. ¿Fue difícil o intimidante contar una historia tan pesada como esta?
JW: Definitivamente había un peso involucrado. Lo mejor de este proyecto fue cómo todos los involucrados fueron muy respetuosos con el proyecto y con Brian como persona real. Literalmente, desde el primer día de rodaje, hubo una gran moral y energía. Todos sentimos que esto no era una película independiente de mierda. Había algo especial aquí.
Sé que todos los directores, escritores y productores estuvieron muy involucrados con la familia durante mucho tiempo antes y durante la producción, por lo que sintieron un peso especial para hacerle justicia a Brian y brindarle a más personas la oportunidad de conocer esta historia. Estaba allí en un grupo muy, muy pequeño con la familia de Brian cuando vieron la película por primera vez en un cine cerrado. Eso fue bastante pesado.
PB: ¿Dónde se rodó la película? ¿Hiciste alguna escena en la que sucedieran los eventos representados en la película?
JW: Se filmó en Dallas, Amarillo, Fort Worth, Denton, Rockwall y algunos otros lugares que estoy seguro de que se me olvidan. Amarillo fue para mucho el patinaje y los exteriores, ya que ahí es donde se desarrolla la historia. Y sí, muchos lugares en los que probablemente caminábamos justo donde Brian caminó, patinó, se paró o lo que sea. Solo 20 años después.
El exterior del juzgado que ves en la película está en el centro de Amarillo y es el real. Lo extraño es que estábamos filmando escenas en Amarillo y se nos acercaban personas que eran amigas de él en ese entonces. Una chica es propietaria de una tienda de tatuajes ahora que estábamos grabando B-roll frente a una noche, y salió y habló con nosotros. Esto sucedió algunas veces. Este crimen fue una noticia nacional a finales de los 90:Oprah , 20/20 , todo.
La gente allí definitivamente todavía lo recuerda.
Una imagen vía Gravitas Ventures.
PB: ¿Cómo fue la postproducción? ¿Cómo colaboraste con el colorista? ¿Se utilizaron LUT durante la producción que se transfirieron a la publicación?
JW: Usé un LUT personalizado que construí para la producción, diría que el 80 por ciento del aspecto final es lo que vimos en el set. No pude asistir a la sesión de color, pero en su mayoría usaron el look y lo arreglaron un poco. El director editó toda la película él mismo y pasó por un montón de revisiones en el transcurso de un año. Probablemente haya una hora sólida de metraje editado recortado de la película final.
PB: ¿Cómo ha sido ver la respuesta a la película hasta ahora?
JW: Ver cómo las personas se ven afectadas después de verlo es bastante sorprendente. Realmente funciona. Es difícil obtener una respuesta emocional genuina de las personas, y esta película lo hace varias veces de diferentes maneras, desde el estremecimiento hasta las lágrimas. Simplemente me recuerda el poder de la película:cómo puede hacer que las personas piensen las cosas de manera diferente. Cuando puedes afectar las emociones de alguien y apelar a su intelecto, eso es algo muy poderoso.
PB: ¿Algún consejo para alguien que se encuentra principalmente en el espacio documental/comercial de bajo presupuesto tratando de incursionar en el cine narrativo?
JW: Es una forma de pensar muy diferente, y el mejor consejo que puedo darte es intentar hacer algunas cosas como puedas. Incluso si se trata de un presupuesto muy bajo o con amigos, siempre que todos se tomen en serio el intento de hacer algo bueno. Hay un cambio que ocurre en mi cerebro cuando me acerco a algo narrativo frente a un comercial. La narrativa de formato largo es completamente diferente a un comercial en casi todos los sentidos. Estás mucho más interesado en servir a la actuación y a los actores que en un comercial. Más respetuosa de la actuación y del momento. Estás pensando en el ritmo, las secuencias, el estado de ánimo y la emoción del actor mucho más que en un comercial.
Cuando se desarrolla una escena íntima o muy emotiva entre dos personajes durante unos minutos, y tú estás justo al lado de ellos experimentándolo también, eso es algo diferente. Ahí es donde quieres que todas tus luces y equipos se quiten del camino, y puedes crear arte en el momento y estar allí con los actores. Eso realmente no sucede en los comerciales. Pero básicamente, si quieres que la gente empiece a pedirte que filmes un trabajo narrativo, entonces tienes que filmar un trabajo narrativo. O al menos un trabajo de estilo narrativo. Muchos de los videos musicales en los que trabajé anteriormente se basaban en la narrativa en lugar de la interpretación, y esos fueron los que más disfruté. Creo que cada persona tendrá un camino diferente en cuanto a cómo filmar su primer proyecto narrativo legítimo, pero en realidad se trata de que la gente confíe en ti para hacer un buen trabajo. Tienes que hacerte amigo de los aspirantes a directores como un aspirante a director de fotografía narrativo.
PB: ¿Cuál es su principal conclusión de la experiencia de ayudar a contar esta historia?
JW: me ha estropeado. Rechacé un par de otras funciones porque para mí, una función es muy difícil:tienes que ser un apasionado de la historia. Y el director y el equipo de producción. Si esas tres cosas no están ahí, no lo haré. Creo que esta película siempre tendrá un lugar especial en mi corazón porque es nostálgica para mí. Yo tenía 17 años cuando esto sucedió, y Brian tenía 19. Ambos patinamos y vivíamos en pequeños pueblos conservadores de Texas. Puedo relacionarme con él, sus amigos, su estilo de vida.
Lo que pasó esa noche en Amarillo es una tragedia, y lo que pasó después en la sala del tribunal es una injusticia. Esta película es tan relevante en este momento, es asombrosa. ¡Bombardear la ciudad de por vida!
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