i. Planificación y conceptualización previa al tiroteo (la Fundación)
Este es posiblemente el paso más crucial. No solo recoja su cámara y espere lo mejor. Piensa en lo que quieres lograr.
1. Defina su visión/concepto:
* ¿Cuál es la historia? ¿Qué mensaje estás tratando de transmitir? ¿Se trata de fuerza, vulnerabilidad, alegría, melancolía, misterio, empoderamiento, etc.? Un concepto claro guiará sus decisiones.
* Estado de ánimo y atmósfera: ¿Cómo quieres que se sienta el retrato? Soñador, vanguardista, íntimo, cinematográfico, surrealista? Considere adjetivos como:*etéreo, arenoso, romántico, audaz, juguetón, sombrío, dramático *.
* Inspiración: Mire a otros fotógrafos, pintores, películas, revistas de moda, naturaleza, etc. No copie, pero úselo como trampolín para sus propias ideas. Cree un tablero de ánimo en Pinterest, guarde las imágenes en una carpeta o esboze las ideas.
2. Selección y colaboración del modelo:
* Ajuste el concepto: Elija un modelo cuyo aspecto y personalidad se alineen con su visión. Una modelo que se ve delicada y etérea no sería ideal para una sesión arenosa de temática industrial.
* Comunica tu visión: Explique claramente su concepto, tablero de ánimo y posturas deseadas para su modelo * antes de * la sesión. La comunicación abierta es clave.
* Lanzamiento del modelo: Siempre tenga un formulario de lanzamiento de modelo firmado, especialmente si planea usar las imágenes comercialmente o enviarlas para su publicación.
* Considere modelos no profesionales: No se limite a las modelos profesionales. A veces, un amigo o alguien con un aspecto único puede traer algo especial a la sesión.
* colaborate: ¡Obtenga su opinión! Pueden tener ideas que mejoren su visión.
3. Scoutación de ubicación (o planificación de estudio):
* Scout de antemano: Si dispara al aire libre, visite la ubicación a la hora del día que planea disparar para evaluar la iluminación y los posibles desafíos. Considere el fondo, las texturas, los colores y la luz disponible.
* Consideraciones interiores: Si se dispara en un estudio, asegúrese de tener espacio adecuado, fondos, equipos de iluminación y enchufes. Planifique su configuración de iluminación por adelantado.
* Piense en los antecedentes: El fondo es parte de la historia. ¿Será borroso, una escena ocupada o un telón de fondo minimalista? Considere cómo complementa el modelo y el concepto.
4. Armario, cabello y maquillaje:
* Integral al concepto: La ropa, el peinado y el maquillaje deben funcionar juntos para mejorar el estado de ánimo y la historia generales.
* Plan de antemano: Decide el armario mucho antes del rodaje. Coordinar colores, texturas y estilos.
* Artista de maquillaje: Considere contratar a un maquillador profesional si el concepto lo requiere. Incluso el maquillaje natural puede marcar una gran diferencia.
* estilista: Similar al maquillaje, un estilista puede dar vida a su visión.
* Proporcionar inspiración: Comparta su tablero de ánimo con los equipos de vestuario, cabello y maquillaje.
5. Plan de iluminación:
* Luz natural vs. luz artificial: Decida qué tipo de luz usará. La luz natural es hermosa pero menos controlable. La luz artificial ofrece más control pero requiere equipo.
* luz de llave, luz de relleno, luz de fondo: Comprender los principios básicos de la iluminación. ¿Dónde se colocará su luz clave? ¿Usará una luz de relleno para suavizar las sombras? ¿Usará una luz de fondo para separar el modelo del fondo?
* Modificadores: Experimente con modificadores como softboxes, paraguas, reflectores y geles para dar forma y controlar la luz.
* Color: Considere cómo la temperatura de color (cálida o fría) afectará el estado de ánimo de la imagen.
* Práctica: Practique su configuración de iluminación antes de que llegue el modelo.
6. Props y accesorios:
* Adiciones decididas: No solo agregue accesorios en aras de agregarlos. Deben contribuir a la historia o mejorar el interés visual.
* Simbolismo: Los accesorios se pueden usar para agregar significado simbólico al retrato.
* Considere la escala: Piense en el tamaño y la escala de sus accesorios en relación con el modelo.
ii. El brote (poniendo el plan en acción)
1. Configuración de la cámara:
* Aperture: Elija su apertura en función de la profundidad de campo deseada. Una abertura amplia (por ejemplo, f/1.8, f/2.8) creará una profundidad de campo poco profunda y desdibuirá el fondo. Una apertura más pequeña (por ejemplo, f/8, f/11) creará una mayor profundidad de campo y mantendrá más de la escena enfocada.
* Velocidad de obturación: Elija una velocidad de obturación que sea lo suficientemente rápida como para evitar el desenfoque de movimiento. Un buen punto de partida es 1/distancia focal (por ejemplo, si está usando una lente de 50 mm, pruebe 1/50 de segundo). Ajustar según sea necesario.
* ISO: Mantenga su ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido. Solo aumente si es necesario para lograr una exposición adecuada.
* Formato sin procesar: Dispara en formato sin procesar para preservar la mayor cantidad de datos de imágenes como sea posible para el postprocesamiento.
* Balance de blancos: Establezca su balance de blancos en función de las condiciones de iluminación. Use un balance de blancos personalizado si es posible.
2. Composición y posando:
* Regla de los tercios: Coloque el sujeto a lo largo de las líneas o en las intersecciones de la regla de la cuadrícula de tercios para una composición más visualmente atractiva.
* Líneas principales: Use líneas para guiar el ojo del espectador al tema.
* Espacio negativo: Use espacio negativo para crear una sensación de equilibrio y para enfatizar el tema.
* ángulos: Experimentar con diferentes ángulos. Disparar desde un ángulo bajo puede hacer que el sujeto parezca poderoso, mientras que disparar desde un ángulo alto puede hacer que parezcan vulnerables.
* Presentar orientación: No solo le diga al modelo que "se quede allí". Proporcione instrucciones específicas sobre cómo posar. Piense en las líneas del cuerpo y en cómo crean formas. Usa tus manos para demostrar la pose.
* La comunicación es clave: Dé comentarios constantes al modelo. Dígales lo que le gusta y lo que quiere que cambien. Anímelos a probar diferentes expresiones y poses.
* Conexión: Anime al modelo a conectarse con la cámara. El contacto visual es poderoso.
* Rompe las reglas: Una vez que comprenda las reglas de composición, no tenga miedo de romperlas. A veces, las imágenes más interesantes son las que desafían la convención.
3. Consideraciones técnicas:
* Enfoque: Asegúrese de que su enfoque sea nítido en los ojos. Use el modo de enfoque automático de un solo punto para un control preciso.
* Exposición: Use el histograma de su cámara para asegurarse de que su exposición sea correcta. Evite recortar los reflejos o las sombras.
* Iluminación: Presta atención a la iluminación y cómo afecta el estado de ánimo de la imagen. Ajuste su iluminación según sea necesario.
4. Experimentación:
* No tengas miedo de probar cosas nuevas: Experimente con diferentes ángulos, poses, técnicas de iluminación y configuraciones de cámara.
* Tome riesgos: No tengas miedo de correr riesgos. Algunas de las mejores imágenes provienen de arriesgarse.
* ¡Diviértete! Si no te estás divirtiendo, se mostrará en tu trabajo.
iii. Técnicas e ideas creativas (agregando la "creativa")
Aquí es donde inyectas tu personalidad y visión.
1. Técnicas de iluminación:
* Iluminación de borde: Crea un efecto de halo alrededor del tema.
* Iluminación dura: Crea sombras dramáticas.
* iluminación suave: Crea una luz halagadora, incluso.
* Geles de colores: Agregue color a la luz para un efecto surrealista o dramático.
* Pintura de luz: Use una fuente de luz para "pintar" sobre el sujeto durante una larga exposición.
* bokeh: Cree un fondo borrosa utilizando una apertura amplia.
* silueta: Exponga para el fondo y deje que el sujeto sea silueta.
* Luz proyectada: Proyecto de patrones o imágenes en el sujeto utilizando un proyector.
* Usando sombras creativamente: Piense en la forma y la textura de las sombras.
2. Composición única:
* Enmarcado: Use elementos en primer plano para enmarcar el tema.
* Simetría: Crear una composición simétrica.
* asimetría: Crear una composición asimétrica.
* Primer plano: Concéntrese en un detalle específico, como los ojos o las manos.
* disparos anchos: Capturar el sujeto en un entorno más grande.
* Perspectivas inusuales: Dispara desde un ángulo muy alto o muy bajo.
* ángulo holandés: Incline la cámara para crear una sensación de inquietud o desorientación.
3. Props y narración de cuentos:
* objetos simbólicos: Use accesorios para representar conceptos abstractos.
* elementos contrastantes: Yuxtapone elementos contrastantes para crear interés visual.
* surrealismo: Incorporar elementos surrealistas para crear una calidad de ensueño.
* Texturas inusuales: Incorporar texturas en el fondo o primer plano.
* Incorporar la naturaleza: Use elementos naturales como flores, hojas o agua.
4. Efectos en la cámara:
* Doble exposición: Combine dos imágenes en una.
* Motion Motion: Use una velocidad de obturación lenta para crear un desenfoque de movimiento.
* zoom explosión: Acercar o salir mientras toma una larga exposición.
* Lente Flare: Creación intencionalmente de la lente.
* Fotografía de prisma: Use un prisma para refractar la luz y crear efectos interesantes.
* Vaseline/Filter Hacks: Cree un efecto soñador uniendo vaselina en el borde de un filtro transparente (¡use con moderación y con cuidado!).
5. Técnicas de postprocesamiento (el toque final)
1. Software: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One son estándares de la industria. GIMP es una alternativa gratuita de código abierto.
2. Ajustes básicos:
* Exposición: Ajuste el brillo general de la imagen.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre los reflejos y las sombras.
* destacados/sombras: Recupere los detalles en los reflejos y las sombras.
* blancos/negros: Establezca los puntos blancos y negros.
* Claridad/textura: Agregar o reducir la claridad y la textura.
* Vibrancia/saturación: Ajuste la intensidad del color.
* Balance de blancos: Atrae el balance de blancos.
3. retoque (use con escasez y éticamente):
* suavizado de la piel: Reduzca las imperfecciones y las arrugas (¡pero no se excedan!).
* Separación de frecuencia: Retoque la piel mientras preserva la textura (técnica avanzada).
* esquivar y quemar: Aligere y oscurece áreas específicas para mejorar la forma y la dimensión.
* Mejora ocular: Afila los ojos y agregue un reflector.
* blanqueador de dientes: Blanquear los dientes (¡sutilmente!).
4. Efectos creativos:
* Calificación de color: Ajuste los colores para crear un estado de ánimo o estilo específico. Use tonificación dividida para agregar diferentes colores a los reflejos y las sombras.
* Color selectivo: Aislar y mejorar los colores específicos.
* Conversión en blanco y negro: Convierta la imagen en blanco y negro. Experimente con diferentes presets en blanco y negro.
* Agregar grano: Agregue grano para crear un aspecto vintage o similar al cine.
* Vignetting: Agregue una viñeta para oscurecer los bordes de la imagen y llamar la atención sobre el centro.
* Agregar texturas/superposiciones: Se superponen texturas o imágenes para crear un efecto único.
* Manipulación de Photoshop: (Avanzado) Use Photoshop para crear retratos surrealistas o basados en fantasía. Esto puede implicar competar múltiples imágenes, agregar efectos especiales y manipular formas y colores.
iv. Práctica y retroalimentación
* Práctica, práctica, práctica: Cuanto más dispares, mejor te volverás.
* Busque comentarios: Comparta su trabajo con otros fotógrafos y solicite críticas constructivas. Esté abierto a comentarios y úselo para mejorar sus habilidades.
* Aprenda de sus errores: Analice sus imágenes e identifique lo que podría haber hecho mejor.
Takeaways para la fotografía creativa de retratos:
* El concepto es el rey: Un concepto fuerte es la base de un retrato creativo.
* La colaboración es esencial: Trabaje en estrecha colaboración con su modelo, estilista y otros miembros del equipo.
* Experimente y tome riesgos: No tengas miedo de probar cosas nuevas y superar tus límites.
* Cuente una historia: Use sus retratos para contar una historia o transmitir un mensaje.
* Desarrolle su propio estilo: Encuentra tu propia voz y perspectiva únicas.
* ¡Diviértete! Disfruta del proceso y deja que tu creatividad fluya.
Siguiendo estos pasos y practicando y aprendiendo continuamente, estará en camino de crear una fotografía de retratos impresionante y creativa. ¡Buena suerte y diviértete!