Fase 1:Conceptualización y planificación (el "por qué" y "qué")
Esta es posiblemente la fase más importante. Un concepto fuerte guiará sus elecciones técnicas y elevará su imagen.
1. Defina su visión:la idea central
* ¿Qué historia quieres contar? ¿Estás mostrando fuerza, vulnerabilidad, misterio, alegría o algo más? Piense más allá de solo "una imagen bonita".
* ¿Qué estado de ánimo quieres evocar? Feliz, melancólico, enérgico, sereno, etc. Esto dicta iluminación, colores y posar.
* ¿Qué mensaje estás tratando de transmitir? ¿Hay una emoción, idea o experiencia en particular que desea comunicar al espectador?
* Inspiración: Mira a otros fotógrafos, pinturas, películas, moda, arte. No copie, pero úselos como trampolín para sus propias ideas. Pinterest e Instagram son excelentes puntos de partida.
2. Sujeto y casting:
* Considere su modelo: ¿Hacen encarnado las cualidades que desea retratar? Su personalidad, características físicas y nivel de comodidad son cruciales.
* Casting de la calle: No subestimes el poder de acercarse a alguien que te llama la atención. Sea respetuoso y explique su visión claramente.
* Modelo profesional: Un profesional generalmente se sentirá más cómodo con la dirección y la postura. Considere su experiencia y libro en función de su presupuesto.
* Construir una relación: ¡Conozca a su modelo! Comprender sus antecedentes y personalidad puede ayudarlo a capturar momentos auténticos.
3. Ubicación Scouting:
* Piense en el entorno: ¿Interior o al aire libre? Urbano o natural? ¿Qué elementos de la ubicación respaldan su concepto?
* Considere la luz: ¿Cómo cae la luz en diferentes momentos del día? La hora dorada (poco después del amanecer y antes del atardecer) suele ser halagador. Busque sombras y reflejos interesantes.
* Scout de antemano: Visite ubicaciones potenciales de antemano. Tome tomas de prueba con su teléfono o cámara para ver cómo se ve la luz y el fondo.
* Permisos: Compruebe si necesita permisos para disparar en una ubicación en particular, especialmente los espacios públicos.
4. Armario y estilo:
* Elija ropa que respalde su concepto: Los colores, las texturas y los estilos pueden contribuir al estado de ánimo.
* Coordinar con la ubicación: Evite el enfrentamiento de colores o patrones que distraen del sujeto.
* Considere el maquillaje y el cabello: ¿Simple, natural o audaz y dramático? Nuevamente, esto debería alinearse con su visión general.
* Props: Use accesorios para agregar capas de significado o interés visual. Tenga cuidado de no superar el tiro.
5. Bocetos y guiones gráficos:
* Visualización de la toma: Dibuje posturas, composiciones e ideas de iluminación. Esto lo ayuda a aclarar su visión y comunicarla a su modelo y tripulación.
* Storyboarding: Si está planeando una serie de tomas, un guión gráfico puede ayudarlo a garantizar la consistencia visual y contar una historia cohesiva.
Fase 2:Aspectos técnicos (el "cómo")
1. Configuración de la cámara:
* Aperture:
* Apertura ancha (por ejemplo, f/1.8, f/2.8): Crea una profundidad de campo poco profunda, difuminando el fondo y aislando el tema. Bueno para centrar la atención en los ojos.
* apertura estrecha (por ejemplo, f/8, f/11): Mantiene más de la escena en foco. Útil para retratos ambientales donde desea que el fondo sea agudo.
* Velocidad de obturación:
* Velocidad de obturación más rápida (por ejemplo, 1/200th, 1/500th): Congele el movimiento. Útil para capturar acción o disparar con luz brillante.
* Velocidad de obturación más lenta (por ejemplo, 1/60, 1/30): Crea un movimiento de movimiento (intencional o involuntariamente si no eres estable). Use un trípode para velocidades de obturación lentas.
* ISO:
* ISO bajo (por ejemplo, 100, 200): Minimiza el ruido (grano). Úselo en buenas condiciones de iluminación.
* ISO alto (por ejemplo, 800, 1600, 3200+): Aumenta la sensibilidad a la luz, lo que le permite disparar en entornos más oscuros. Pero también aumenta el ruido. Intenta mantenerlo lo más bajo posible.
* Modo de disparo:
* Prioridad de apertura (AV o A): Establece la apertura y la cámara elige la velocidad del obturador. Bueno para controlar la profundidad de campo.
* manual (m): Controlas tanto la apertura como la velocidad del obturador. Ofrece el control más creativo pero requiere más conocimiento.
* Prioridad de obturación (TV o S): Configura la velocidad de obturación y la cámara elige la apertura. Bueno para el movimiento.
* Balance de blancos: Establezca el equilibrio de blancos adecuadamente para las condiciones de iluminación (por ejemplo, luz del día, nublado, tungsteno). También puede ajustarlo en el procesamiento posterior.
* Modo de enfoque:
* AF de un solo punto: Centrarse precisamente en un punto específico (como el ojo).
* AF continuo: Rastrea sujetos en movimiento.
* Modo de medición:
* Medición evaluativa/matriz: La cámara evalúa toda la escena e intenta encontrar la mejor exposición.
* Medición de manchas: Mide la luz en un área pequeña. Use esto para garantizar que la cara del sujeto esté expuesta correctamente.
2. Iluminación:
* Luz natural:
* Hora dorada: La hora después del amanecer y antes del atardecer produce luz cálida y suave.
* Sombra abierta: Disparar a la sombra evita sombras duras.
* luz solar difundida: Disparar en un día nublado proporciona iluminación suave y uniforme.
* Luz artificial:
* Speedlights (flashes): Portátil y versátil. Se puede usar en la cámara o fuera de la cámara.
* estroboscópicos (flashes de estudio): Más potente que los luces rápidas. A menudo se usa en configuraciones de estudio.
* Luces continuas (LED): Permitirle ver la luz en tiempo real.
* Modificadores de iluminación:
* reflectores: Bounce Light para llenar las sombras.
* difusores: Suavizar la luz dura.
* Softboxes: Crea luz suave, uniforme.
* Umbrellas: Similar a los softboxes pero más portátiles.
* geles: Cambia el color de la luz.
* Configuraciones de iluminación comunes:
* Configuración de una luz: Simple y efectivo.
* Configuración de dos luces: Luz de llave y llena de luz.
* Rim Lighting (retroiluminación): Separa el sujeto del fondo.
3. Composición:
* Regla de los tercios: Divida el marco en nueve partes iguales y coloque elementos clave a lo largo de las líneas o en las intersecciones.
* Líneas principales: Use líneas para guiar el ojo del espectador a través de la imagen.
* Espacio negativo: Deje espacio vacío alrededor del sujeto para crear una sensación de equilibrio y enfoque.
* Simetría y patrones: Use elementos simétricos o patrones de repetición para crear una composición visualmente atractiva.
* Enmarcado: Use elementos en el entorno para enmarcar el sujeto.
* Ángulo de visión:
* Level de los ojos: Crea un sentido de conexión.
* Ángulo bajo: Hace que el sujeto se vea poderoso.
* Ángulo alto: Hace que el sujeto parezca vulnerable.
* Curting: El cultivo puede alterar significativamente el impacto de una fotografía. Experimente con diferentes cultivos en el procesamiento posterior.
4. Posando:
* comunicarse claramente: Dé a su modelo instrucciones específicas.
* Comience simple: Comience con poses básicas y agregue gradualmente la complejidad.
* Presta atención a los detalles: La posición de las manos, los pies y la cabeza puede marcar una gran diferencia.
* Crear movimiento: Pídale a su modelo que se mueva ligeramente entre las tomas para crear variaciones naturales.
* Fomentar expresiones naturales: Hable con su modelo, dígale chistes o toque música para crear un ambiente relajado.
* Evite la rigidez: Dígale a su modelo que relaje los hombros y la mandíbula.
* poses halagadoras: En general, girar el cuerpo ligeramente hacia un lado es más halagador que enfrentar la cámara de frente.
Fase 3:disparo y ejecución (la "acción")
1. Configurar: Prepare su ubicación, iluminación y configuración de cámara * antes de * El modelo llega (si es posible). Esto muestra profesionalismo y respeta su tiempo.
2. La comunicación es clave: Comuníquese continuamente con su modelo. Dar comentarios, ofrecer aliento y hacer que se sientan cómodos.
3. Imágenes de revisión: Revise regularmente sus imágenes en la pantalla LCD de la cámara. Esto le permite hacer ajustes a su configuración, iluminación o posar según sea necesario.
4. Experimento!: No tengas miedo de probar cosas nuevas. Experimente con diferentes ángulos, poses y configuraciones de iluminación. Aquí es donde descubres perspectivas únicas.
5. Variaciones de captura: Dispara una variedad de poses, expresiones y composiciones. Esto le dará más opciones para elegir en el procesamiento posterior.
Fase 4:postprocesamiento (el "refinamiento")
1. Software: Adobe Lightroom y Adobe Photoshop son los estándares de la industria. Capture One es otra opción popular.
2. Ajustes básicos:
* Exposición: Ajuste el brillo general de la imagen.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre los reflejos y las sombras.
* Respalos y sombras: Recupere los detalles en los reflejos y las sombras.
* Blancos y negros: Establezca los puntos blancos y negros para maximizar el rango dinámico.
* Claridad y Dehaze: Agregue o elimine la claridad y la neblina. Úselos con moderación.
* Vibrancia y saturación: Ajuste la intensidad de los colores.
3. Corrección de color:
* Balance de blancos: Ajuste el equilibrio de blancos para garantizar colores precisos.
* Calificación de color: Cree un estado de ánimo o estilo específico ajustando los colores en la imagen.
4. retoque:
* suavizado de la piel: Reduzca imperfecciones y arrugas (¡sea sutil!).
* Dodge &Burn: Aligere y oscurece áreas específicas para mejorar la forma y la dimensión.
* Separación de frecuencia: Una técnica más avanzada para el retoque de la piel.
* Mejora ocular: Afilar y alegrar los ojos (nuevamente, sutilmente).
5. afilado: Afilar la imagen para mejorar los detalles. Tenga cuidado de no excesivamente.
6. Reducción de ruido: Reduzca el ruido en la imagen, especialmente si filmó un ISO alto.
7. Curting: Ajuste la composición.
8. Configuración de exportación: Elija el formato de archivo apropiado (JPEG para Web, TIFF para la impresión) y la resolución para su uso previsto.
Técnicas creativas para elevar sus retratos:
* Doble exposición: Combine dos o más imágenes en una.
* Exposición larga: Use una velocidad de obturación lenta para crear un desenfoque de movimiento o capturar senderos de luz.
* Fotografía infrarroja: Captura la luz que es invisible para el ojo humano, creando imágenes surrealistas y etéreas.
* Iluminación creativa: Experimente con geles de colores, fuentes de luz inusuales o pintura de luz.
* Composición abstracta: Concéntrese en formas, texturas y patrones en lugar de una representación literal.
* Ubicaciones no convencionales: Dispara en lugares inesperados o abandonados.
* Props con significado: Elija accesorios que tengan un significado simbólico o personal.
* Distorsión: Use lentes o filtros para distorsionar la imagen.
* disparos temáticos: Elija un tema específico (por ejemplo, vintage, futurista, fantasía) y cree todos los aspectos de la sesión a su alrededor.
Takeaways de teclas:
* Practica regularmente: Cuanto más dispares, mejor te volverás.
* Estudie el trabajo de otros: Analice el trabajo de los fotógrafos que admira e intenta comprender sus técnicas.
* Sea paciente: Crear grandes retratos requiere tiempo y esfuerzo.
* Estar abierto a la retroalimentación: Solicite críticas constructivas de otros fotógrafos.
* Desarrolle su propio estilo: No tengas miedo de experimentar y encontrar tu propia voz única. Esta es la clave para destacarse.
* ¡Diviértete! La fotografía debe ser un proceso agradable.
¡Buena suerte y diviértete creando! Recuerde, romper las reglas intencionalmente puede ser tan efectiva como seguirlas, pero comprender las reglas primero es esencial.