PremiumBeat habló con la cineasta brasileña Carolina Costa sobre su camino hacia el éxito, su enfoque del trabajo y su dirección creativa.
Ser nombrada una de las estrellas en ascenso de American Cinematographer de 2018 es solo uno de los muchos logros que la directora de fotografía brasileña Carolina Costa ha logrado el año pasado. Costa filmó recientemente la historia sobre la mayoría de edad Hala del director Minhal Baig y la productora ejecutiva Jada Pinkett Smith. , que se estrenó en Sundance antes de ser recogido por Apple.
PremiumBeat habló con Costa sobre su camino hacia el éxito, su enfoque del trabajo y su dirección creativa.
PremiumBeat: Hay tantas personas que desean dar el salto de operador, asistente o agarre a DP. Obviamente no es una línea recta, pero ¿cómo lograste hacer la transición? ¿Habilidad? ¿Relaciones? ¿Determinación?
Carolina Costa: Definitivamente no es una línea recta. Cuando empecé, todo el mundo decía que sería imposible ser director de fotografía antes de pasar por todos los rangos del departamento de cámaras. Empecé como aprendiz y luego pasé a badajo/cargador. Trabajé en el departamento de cámaras durante muchos años y siempre intenté filmar pequeñas cosas al margen. Tuve mucha suerte de trabajar para directores de fotografía que fueron generosos y mantuvieron el trabajo interesante, porque ayudar a la cámara puede volverse tedioso y no necesariamente aprendes las habilidades para ser un director de fotografía.
Los directores de fotografía para los que trabajé me daban tareas a veces, por ejemplo, cómo iluminaría esta escena si fuera el director de fotografía. Al día siguiente, lo discutía con ellos, y siempre me permitían hablar con los gaffers, hacerles preguntas técnicas. También tuve la suerte de conocer a un grupo muy talentoso de gaffers y electricistas al comienzo de mi carrera, y aprendí a iluminar con ellos.
Cuando decidí dejar de ayudar y quise ser el jefe del departamento, estuve sin trabajo durante meses. Nadie me llamó. Luego, los trabajos de aire acondicionado dejaron de aparecer y pensé en rendirme muchas veces, pero me mantuve firme en mi determinación de hacer la transición. Seguí adelante. Solicitaría cualquier cosa que viera en Internet. Me acerqué a todos mis amigos con bandas o actores. Seguí disparando. Luego, la gente comenzó a darme un respiro y comencé mi carrera, principalmente en cortometrajes, documentales y muchos videos corporativos. Eventualmente, me di cuenta de que nadie me iba a dar una gran oportunidad para filmar un largometraje, y ahí es donde mis ojos siempre estaban puestos:filmar la narrativa.
Fue entonces cuando me di cuenta de que necesitaba mejorar mis herramientas, así que solicité AFI. Fue solo cuando dejé AFI que me vi a mí mismo como director de fotografía. Estaba listo. Rodé un corto con compañeros de AFI, y ese corto viajó, y me consiguió mi primer largometraje. Me alegro de que Las Elegidas/ The Chosen Ones fue mi primera característica. Realmente esperaba algo especial y valió la pena.
PB: Eres increíblemente versátil, ya que filmaste documentales, cortometrajes, televisión y largometrajes. ¿En qué se diferencia el papel del director de fotografía según el medio?
CC :Trato de verlo como lo mismo. Cada trabajo tendrá sus propias especificidades, independientemente del medio, y trato a cada uno con el mismo respeto y reglas. Entonces, tengo que adaptarme a ese director y ese proyecto.
PB: ¿Cuál es su proceso preferido cuando trabaja con un nuevo director? ¿Cuáles son sus discusiones iniciales? ¿Cuáles cree que son las mejores condiciones de trabajo y resultados?
CC :Siempre me gusta partir de un gran desglose psicológico del guión, señalando de qué trata cada escena desde un punto de vista emocional. Me gusta entender quiénes son los personajes y por qué tomaron estas decisiones. Entonces, supongo que siempre comienza con el texto y el guión.
Después de eso, me gusta sumergirme en la mente del director:cuáles son sus referencias, qué películas le gustan, de dónde vienen. A partir de ahí, comienza la colaboración. Me gusta que los directores con los que trabajo sepan que siempre estaré ahí, en cada paso del camino. La mayoría de los directores con los que trabajo son generosos y grandes colaboradores, por lo que me siento parte de todo el proceso creativo, pero de forma independiente tengo que adaptarme a sus métodos.
Me gusta pensar que soy su apoyo a lo largo de su proceso. Algunas personas son más comunicativas y verbales sobre sus pensamientos y procesos, y otras no. Realmente depende de mí descubrirlo y moldearme a él.
PB :Minhal Baig tomó recientemente Hala a Sundance, que filmaste. Este fue un proyecto que evolucionó a partir de un cortometraje. A menudo, los artistas no quieren verse influenciados por el material original. ¿Viste el corto y tuvo algún impacto en el trabajo?
CC :Vi el corto cuando salió por primera vez, que fue un par de años antes de que filmáramos el largometraje. Como no era el director de fotografía del cortometraje y realmente respetaba el trabajo de otro colega director de fotografía, no quería dejarme influenciar por su trabajo. Sentí que sería como hacer trampa o copiar el enfoque de alguien. Así que no, realmente no afectó mi trabajo en la versión principal.
PB: Está mejorando, pero las mujeres están lamentablemente subrepresentadas en nuestra industria. ¿El género juega un papel en la forma en que trabaja, es respetado o escuchado? Habiendo trabajado con directores masculinos y femeninos, ¿en qué se diferencian las dinámicas? ¿O sus interacciones han sido quizás con un equipo predominantemente masculino?
CC :Definitivamente está mejorando. Puedo ver grandes cambios en los 15 años que tengo en nuestra industria, pero todavía tenemos mucho camino por recorrer. Es divertido responder esta pregunta hoy porque hace solo dos semanas, estaba asesorando a una mujer joven y mencioné que mi género era un problema mucho más importante al comienzo de mi carrera de lo que es ahora. Corte a dos días después, en la película que estoy filmando en este momento, y un equipo técnico que vino con una grúa me estaba explicando cómo funcionaba una grúa; estaba desconcertado. Y esto era para excusar por qué no podían ejecutar con precisión el tiro que les había pedido.
Unos días después, estaba entrevistando a operadores de MOVI para el mismo trabajo, y no puedo quitarme de la cabeza la cara de disgusto que puso este tipo cuando se dio cuenta de que iba a ser su jefe. Dicho esto, tanto mi productor como mi director, que son hombres, también estaban conmocionados por la situación.
No siento que mi género juegue un papel en mis métodos de trabajo, para ser honesto. No me considero una directora de fotografía cuando estoy iluminando, solo me veo como una directora de fotografía, y punto. Y espero que la industria realmente cambie y que esta distinción se olvide, que se sienta como la persona adecuada para el trabajo adecuado.
Cuando comencé, siempre era la única mujer en el departamento de cámaras y la gente me trataba de manera diferente, pero a medida que avanzaba en mi carrera y me hacía un nombre, eso se sintió como algo en el pasado por un tiempo. Y ha habido un gran cambio, obviamente, pero cuando me enfrento a estas circunstancias, recuerdo que hemos dado pequeños pasos.
PB: Si el presupuesto no fuera una preocupación, ¿cuál sería su cámara, lente y equipo ideal para tener a su disposición? Del mismo modo, mientras trabaja con un presupuesto ajustado, ¿dónde gastaría el dinero para obtener el aspecto que desea, o cualquiera de los escenarios realmente depende del guión y la visión del director?
CC :Esa es una pregunta difícil de responder. Siento que las herramientas elegidas para un proyecto provienen de lo que trata el proyecto y cómo abordaremos el lenguaje visual para él. Obviamente, el presupuesto dictará lo que se puede hacer o no.
PB: ¿Cuál es su relación con el funcionamiento y la iluminación? ¿Qué determina su enfoque?
CC :El lenguaje visual creado para cada película es único para cada proyecto. Aunque actúo por instinto y mi propia experiencia, me gusta sentir que empiezo de nuevo en cada proyecto, sin vicios del anterior. La mayoría de las veces no manejo la cámara; preferiblemente, tendría un operador. Me gusta tener a ese colaborador en el set, y me da mucha más libertad y tiempo para la iluminación. Dicho esto, a veces me puedo operar, y puede ser por muchas razones:una vez fue porque no hablaba el idioma de ese país; otra vez fue porque era una historia íntima y un espacio minúsculo, etc.
De la misma manera que involucro a mis operadores en el lenguaje que estamos creando para una película, lo hago con mis gaffers. Me gusta que la gente tenga opiniones, ideas y que esté interesada en todo momento. La colaboración con mis gaffers siempre es especial para mí, ¡me encanta!
En cuanto al estilo de una película, siento que tanto la cámara como la iluminación tienen que ser honestos con esa historia y, en general, no me gusta que vayan por los mismos caminos. Si la cámara adoptará un enfoque más estilizado per se, entonces creo que la iluminación debería caer en un enfoque más naturalista.
PB: Finalmente, ¿hay algo que te mueras por probar en el set? ¿Alguna tecnología nueva y de vanguardia? ¿O tal vez algún truco con toda la iluminación natural?
CC :No creo que tenga ningún juguete en particular que quiera probar, pero, en cambio, me encantaría experimentar con géneros. En este momento, estoy filmando mi primera película de terror. A finales de este año rodaré una pieza de época y ahora estoy buscando guiones de ciencia ficción para el próximo año. No quiero que me encasillen, quiero poder filmar cualquier género de película.