Nos conversamos con Meena Singh, la directora de fotografía de la serie documental de Netflix "The Confessions Tapes" para obtener información sobre cómo filmó este programa único.
PremiumBeat: ¿Podrías contarnos sobre tus antecedentes y cómo eso te llevó a trabajar en The Confession Tapes? ?
Meena Singh: Fui a Columbia College en Chicago y luego al American Film Institute para mi MFA. Siempre he estado en la pista de cinematografía. Así que definitivamente maximizó la experiencia de la escuela de cine. Luego me metí en los largometrajes narrativos y en los proyectos narrativos mayoritariamente. Tuve la suerte de estudiar con un par de DP:Amy Vincent y Ken Seng. Ambos están haciendo proyectos bastante grandes, y pude ser un aprendiz de ellos cuando recién salía de la escuela.
Siempre tuve una formación cinematográfica muy narrativa, hasta hace unos años cuando me involucré en una futura película documental Little Stones , que está en el circuito de festivales de cine en este momento. Me involucré trabajando con Kelly Loudonberg en algunos pequeños proyectos documentales para Nat Geo, y sentí que los documentales me hacían sentir bien en el alma. Realmente me cumplieron de una manera diferente. Luego, cuando Kelly se me acercó antes de que empezáramos a filmar The Confession Tapes , me mostró el paquete de presentación del proyecto. Había creado un adelanto realmente pequeño que se basaba en el caso del último episodio del programa. Las imágenes que obtuvo de la confesión fueron tan horribles, y pensé que era una historia muy importante que contar, así que salté al proyecto.
PB: Entonces, estoy interesado en el aspecto de tutoría del que hablaste. ¿Cómo se desarrollaron inicialmente esas relaciones?
MS: La primera fue con Ken Seng, que era director de fotografía en Chicago, y yo empecé en Chicago en el Columbia College Chicago. También trabajé en una pequeña casa de cámaras y él estaba buscando un pasante en una pequeña película que se llamaba The Poker House. Era como una función de menos de un millón de dólares, y creo que recién estaba comenzando a mudarme a Los Ángeles o preparándome para dar ese salto a AFI. Así que hice una breve pasantía con él y aprendí mucho. Solo pienso en tener un mentor y poder ver cómo hacen el trabajo que quieres hacer. Puedes ser una especie de mosca en la pared y verlos tomar las decisiones correctas o cometer errores y simplemente ver cómo se asienta el polvo. Es muy útil ver eso antes de que seas tú quien tenga que tomar esas decisiones difíciles. Así que es un amigo, y siempre he podido ir con él. De hecho, tengo un problema en este momento sobre el que le estoy pidiendo consejo. Así que simplemente continúa.
Y luego Amy Vincent. Tuve la suerte de tener su clase que impartió durante un año en el American Film Institute. Siento que su estilo visual es algo con lo que realmente disfruto. Nos llevábamos muy bien y, tan pronto como me gradué, me pidió que fuera a Iowa y la ayudara en una película llamada The Experiment. . Esa fue otra situación inesperada en la que simplemente vi cómo trabaja con el director y cómo lidia con las situaciones políticas con su equipo, los productores y el estudio. Entonces, este documental fue un mundo totalmente diferente para mí que fue algo en lo que me quedé ciego.
PB: Dijiste antes que el trabajo documental te llena el alma. ¿Por qué?
MS: Sientes que estás contando una historia que necesita ser contada, y creo que para The Confession Tapes , Sentí que el director quiere sacar a la luz las historias de estas personas, las personas que son expulsadas por la sociedad. Simplemente creo que hay otro lado de cada historia, y creo que me encantan las películas narrativas que pueden capturar eso, pero creo que en un documental es mucho más importante porque se trata de personas reales. Estás viendo que le sucede a personas reales.
PB: ¿Cómo evolucionó la dirección inicial de la cinematografía desde tu mente hasta tus primeras conversaciones con el director?
MS: El último documental que hice Little Stones fue mi primera experiencia, y creo que lo que aprendí en ese proyecto es que no puedes planear nada en un documental. Puedes tener un estilo, pero no puedes. Tienes que estar allí y estar listo para el momento en que llegue y saber cómo capturar ese momento cuando suceda. Y eso era algo que estaba aprendiendo en ese proyecto. Luego por The Confession Tapes , Kelly tenía un estilo específico muy limpio que quería golpear. Así que hablamos un poco sobre ese estilo, y luego solo fue cuestión de mantenerlo todo el tiempo.
Me mostró su libro de estilo, y eran todas estas imágenes antiguas de los años 80 y 90 de los casos reales cuando ocurrieron:toda la cobertura de TV y medios fue en una relación de aspecto de TV de 4 × 3. Así que pensamos que sería genial que nuestras entrevistas tuvieran ese mismo sentido de un marco dentro de un marco. Estaríamos poniendo a los entrevistados en este tipo de mundos 4×3. Muchas de las imágenes son como una especie de plano. Por lo general, están planos contra el espacio en lugar de tener mucha profundidad.
PB: Mientras tenía el talento contra los espacios, ¿cuál fue su enfoque para crear una separación entre el talento y el fondo?
MS: Sí, creo que se convirtió en un desafío así. Eso es todo. Ese documental trata de poder entrar en una habitación al azar y encontrar ese lugar hermoso. Creo que probablemente hice 150 entrevistas o algo así. Me acostumbré tanto a encontrar la mejor ubicación. Creo que usar el cristal de Canon, el zoom de cine 30-105 abierto a 2.8, y dispararlo completamente abierto mientras el entrevistado estaba bastante cerca de la cámara fue el truco. Otra cosa es que a Kelly le gusta el extremo más ancho de la lente y poder ver el mundo que la rodea. Entonces, dejé que se acercaran bastante a la cámara y disparé con lentes más anchos de lo que normalmente haría. Creo que ayuda a retener el fondo, pero esos lentes son tan hermosos y tienen una caída suave tan hermosa que el fondo siempre funciona para mí.
PB: ¿Qué tan ancho era ancho?
MS: Los planos generales eran a veces a 24 mm. Diría que en cualquier lugar, desde 24 mm a 35 mm. A veces, la tendencia con el documental es filmar con una lente larga porque es la forma más fácil de hacer que se vea bonito, pero también queríamos capturar el mundo en el que se encuentran.
PB: ¿Con qué cámara filmaste y cómo utilizaste esa herramienta en tu arsenal?
MS: Utilizamos la Canon C300 Mark II. Lo he usado desde siempre, y es solo un caballo de batalla. Me encanta Canon sobre Sony, Black Magic y RED.
PB: ¿Por qué?
MS: Siento que tiene una suavidad, una calidad, que no se siente como un video. He fotografiado varias cámaras una al lado de la otra y siempre me ha atraído más el espacio de color de Canon. Creo que realmente hicieron algo bien con la latitud que ofrecen con el Mark II. Pudimos filmarlo realmente sobre la marcha y aun así hacer que todo pareciera muy cinemático y controlar mis reflejos y sombras y poder reducirlos en la publicación. Queríamos una apariencia de bajo contraste y pudimos lograrlo con la cámara.
PB: ¿Me puede hablar sobre su paquete de iluminación?
MS: Tenía dos Litepanel Astra. Tienen los de menor potencia, pero estos eran los de mayor potencia. Luego tuve dos Quimeras, y eso fue todo. Era un estuche, y luego un estuche de soportes que se atascaron en el estuche de mi trípode, y lo empacamos bastante liviano.
PB: ¿Qué tan grande era el equipo en el set?
MS: Así que éramos el productor/director, un AC y yo, todas damas. Viajábamos por todos lados y conseguíamos una persona de audio local. Luego, si fuera un gran día, también tendríamos un PA para ayudarnos con la logística. Por lo general, la persona de sonido se reunía con nosotros para una entrevista, y luego nos separamos, volvíamos a la habitación del hotel y descubríamos cómo filmar algunos B-roll para un episodio anterior. Realmente maximizamos nuestros días y estábamos filmando constantemente.
A veces, Kelly estaba haciendo entrevistas consecutivas, y estas entrevistas tomaban mucho tiempo porque era muy difícil sacarle cosas a la gente. También hubo momentos en los que estábamos corriendo por la ciudad tratando de encontrar a una de las personas que se suponía que debíamos entrevistar. Solo un montón de volar por el asiento de tus pantalones. El B-roll generalmente se trabajaba cada vez que pensábamos que teníamos un par de horas. También hablábamos mucho con la editorial. Cuando salíamos para viajes posteriores, decían que necesitamos algo para significar esta cosa específica en la historia. Siempre fue descubrir cómo íbamos a hacer que estas historias fueran interesantes y abstractas. Queríamos que fuera como un sentimiento en la memoria en lugar de tener actores recreando sus crímenes.
PB: ¿Algún consejo para los directores de fotografía que quieren hacer el tipo de trabajo que has hecho y estás haciendo?
MS: Diría que esto de los mentores es muy importante:encontrar a alguien a quien puedas observar para ver cómo hace el trabajo que quieres hacer. Puedes aprender mucho con sólo mirar. Obviamente, aprendes mucho yendo a la escuela. Aprendes mucho estando en el set tú mismo, y todo eso es invaluable, pero un mentor puede ser muy útil. Además, sigue conectándote y encontrando los proyectos que quieres hacer y que te inspiran y te apasionan. Al final del día, cuando terminas el proyecto, debes sentir que es un proyecto que te gustaría ver. Es mucho tiempo y energía para invertir en una película o un espectáculo, por lo que te tiene que encantar.
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