Hablamos con el editor nominado al Oscar de Green Book, Patrick J. Don Vito, sobre saber cuándo hacer la llamada y matar a tus seres queridos.
A medida que evoluciona el cine, es nuestro trabajo como cineastas estar a la altura de las circunstancias y contar historias convincentes de nuevas maneras desde nuevas perspectivas. Libro Verde es un ejemplo fantástico, y muestra cómo una película contemporánea puede encajar en diferentes géneros al mismo tiempo. Identificar algo como comedia o drama importa menos siempre y cuando cuentes una historia de una manera convincente.
Habiendo obtenido docenas de premios y nominaciones, Green Book dominó el circuito de festivales y premios. El editor de la película, Patrick J. Don Vito, habló con nosotros sobre lo que se necesitó para grabar una historia divertida, conmovedora, seria y relevante que ha sido un éxito tanto para la crítica como para el público.
Flujo de trabajo de producción
Entonces, el rodaje comenzó en Nueva Orleans durante el invierno de 2018, y Don Vito estaba editando sobre la marcha, armando escenas y secuencias para los productores y el director mientras filmaban. Usó la herramienta Script Sync en Avid para ayudar a organizar y cortar las escenas lo más rápido posible, seleccionando y eligiendo qué líneas presentar al director.
Patricio J. Don Vito :El segundo asistente usaría la herramienta Script Sync en Avid, que es básicamente toda tu línea y guión, y puedes poner todos tus clips en él, y lo que hace es marcar todos los clips para que yo pueda entrar en el guión físico y resalto una línea de diálogo y hago clic en ella, y puedo escuchar cada versión de esa línea de diálogo. Definitivamente lo uso cuando estoy cortando por primera vez, pero especialmente lo uso mucho cuando estoy recortando. A veces, miro una secuencia y pienso:"No me gusta esa lectura de línea". Permítanme regresar y ver lo que tengo, y solo miraré cada lectura de línea de eso. y diré "Me gusta más este", y lo reemplazaré en el corte.
PDV: Todos los días, a medida que entraban cosas, intentaba alcanzar a la cámara para estar solo uno o dos días atrasados, y Pete Farrelly (el director) venía el fin de semana y revisaba el corte conmigo. y dar algunas notas. Quería que yo estuviera allí para poder participar cuando tuviera tiempo, así que yo estaba allí en la oficina de producción con todos los gerentes de producción, de modo que en cualquier momento, si Pete regresaba a la oficina, podía aparecer y mira la edición.
Hora de empezar a cortar
Patrick ofrece posiblemente la mejor conclusión de un editor que he escuchado hasta ahora:comprender cómo su audiencia verá su película lo convertirá en un mejor editor. El simple hecho es que es muy difícil retirarse de su trabajo. Nadie más se sentará frente a los monitores, viendo clips y escenas una y otra vez como tú. Entonces, en algún momento, la narración adquiere un significado completamente nuevo para ti. Creo que Patrick menciona una necesidad absoluta aquí:debe obtener una segunda opinión. Luego consigue un tercero y un cuarto. . .
PremiumBeat :El truco de escribir y construir una historia que sea a la vez dramática y cómica es mucho más difícil de lo que piensas. Entre el ritmo, el tono y la estructura, también debe asegurarse de que encaja en cada punto de la trama que necesita alcanzar. Al editar comedias, por lo general recibes una gran cantidad de imágenes que involucran riffs y desviaciones del guión. Entonces, con algo como Green Book que está lleno de elementos cómicos, ¿cómo decides qué dejar y qué cortar?
PDV: El mayor truco de la película fue lograr el equilibrio perfecto entre la comedia y el drama. [Pete] dejaba que los actores improvisaran o agregaran líneas. Los escritores estaban en el set y agregaban líneas mientras filmaban, por lo que había opciones. Lo primero que hago es poner todo y luego analizarlo. Luego empiezo a tomar notas:que quiero deshacerme de esta línea, esta línea y esa línea. Pero lo mostraré con todo porque quiero que el director vea todo lo que ha filmado y darle la oportunidad de ver el alcance de la misma. Entonces se convierte en un equilibrio. Hay ciertos momentos en los que tienes que averiguar cómo alternar entre un momento tenso y un momento cómico.
Por ejemplo, hay una escena en la que Doc Shirley intimida a Lip cuando está jugando a los dados fuera del concierto y dice:“Tienen que quedarse afuera. No te limpiaste las rodillas. Están sucios”, y luego entras en este tipo de secuencia de mapa, donde levantas la cabeza y los ves alejarse, y luego llegan a un hotel, y Tony comienza a escribir una carta divertida. Esa secuencia en el medio no existía. Fue directo al momento en que está escribiendo la carta. Había algo en eso que siempre me molestó. Parecía demasiado abrupto. Creamos ese momento intermedio en el que tienes la oportunidad de respirar y sentarte con tus sentimientos sobre lo que acaba de suceder antes de que tengas la broma. Y lo que termina sucediendo es que la broma en realidad golpea más fuerte. Cuando se compara con la otra escena, la gente todavía se está recuperando del castigo. Así que se trata de averiguar el equilibrio de todo el asunto. Averiguar cuándo tener una broma para aliviar la tensión y cuándo no. Dejar que la gente se inquiete un poco. Que lo sientan.
Comprender cómo debe pasar una escena a la siguiente es complicado. Hay todo tipo de cortes diferentes que puedes probar. Pero el punto más importante aquí es probar todo tipo de movimientos y ver qué funciona. Considera la historia por encima de todo.
PDV: Las transiciones son muy importantes. Creo que pueden hacer o deshacer una película. Si son abruptos o entrecortados, a veces lo haces por una razón, quieres incomodar a la gente. En una película como esta, solo quieres fluir. Quieres estar en el viaje con ellos, así que eso es lo que estaba pensando todo el tiempo.
PB: ¿Estabas mostrando la película al público durante la posproducción?
PDV: Ayudó que estuviéramos dando a conocer la película a la gente muy pronto. Estábamos proyectando la película para una audiencia de 50 personas, a la mitad del corte del director. Queríamos ver qué funcionaba y qué no. Por lo general, no tiene que recibir ninguna entrada, solo puede sentirla. Cuando hay pausas o la gente está aburrida, lo sientes y dices:"Ahí está la parte que necesitamos recortar". Con la comedia es complicado porque hay que ver dónde están las risas, siempre hay risas que no te esperas. Una de las risas que no esperaba fue después de la escena de la YMCA, cuando Lip (el personaje de Viggo Mortenson) dice:"¿No te dije que nunca fueras a ningún lado sin mí?" y Don (el personaje de Mahershala Ali) dice "¿Pensé que querrías que esta fuera la excepción?" Siempre pensé que era una línea emotiva, y la entrega es muy emotiva, pero hace reír. En los cines, eso genera varios grados de risa. Estaban tan tensos con la escena que querían cualquier motivo para reírse.
Trabajando con Musica
El personaje de Mahershala Ali, "Doc" (basado en el pianista Don Shirley), es un pianista de formación clásica que toca en salas llenas a lo largo de la película. Captamos destellos de estas actuaciones, pero nunca vemos una de ellas por completo. Su profesión musical es una composición crucial de su personaje y, en ocasiones, influye en su diálogo y en las decisiones que toma dentro y fuera de la pantalla. Entonces, quería saber si estas secuencias musicales se habían desarrollado de manera diferente en el guión o en el primer corte, así como también qué importancia tenía la música.
PDV: Las escenas musicales en realidad eran mucho más largas y las recortamos. La intención de Pete siempre fue recortarlos, pero dispararon piezas enteras. El primer corte fue muy largo, fueron casi tres horas. Dejaría que las secuencias musicales se desarrollaran en su totalidad. Regresaríamos y haríamos ediciones. La sensación general de la música era que la música de Shirley fuera un mundo, la música de la época (los años 60) fuera un mundo, y luego Shirley siempre quiso ser pianista clásica, pero no pudo porque era negro, pero al final lo vemos tocar Chopin. Tú también tienes ese elemento. También tenías la partitura.
PB: Entonces, con la música jugando un papel tan importante, ¿cómo abordaste la edición y con qué música tuviste que trabajar antes de que la partitura se incluyera en la película?
PDV: Así que se trataba de averiguar cuándo incluir la partitura, qué escenas necesitaban qué tipo de música. Tuvimos dos supervisores musicales realmente geniales, Tom Wolfe y Manish Raval, y al comienzo de la película me trajeron una gran cantidad de música de los 60. Como necesitábamos la música de los 60, no teníamos un gran presupuesto para la música. Necesitábamos cosas que pudiéramos conseguir por un precio, y tendrían como 100 canciones y dirían que podemos conseguirlas todas por un buen precio. Entonces, desde el principio, comencé a usar esas canciones y comencé a elegir las que me gustaban y a colocarlas en los lugares apropiados. Probablemente alrededor del 80 por ciento de lo que coloqué está en la película final. Tenía mucho control sobre la música. A Pete le gustaron mucho mis elecciones, así que funcionó muy bien. También colocaría temporalmente la partitura en ciertos lugares:los lugares donde puse la partitura temporal, la partitura original final se colocó allí para el corte final. Todo eso se unió en la sala de edición. Fue realmente genial, tener esas canciones de los 60 realmente te hace sentir como si estuvieras allí en el momento. Esas canciones no fueron exactamente éxitos, por lo que te ayudaron a sumergirte aún más en ese momento.
Patrick esencialmente creó la sensación de la película. Desde la estructura de la escena hasta la banda sonora, el mundo creado es tanto familiar como nostálgico para el público que ve la película. Habida cuenta de lo importante que era la música para esta película, dejando las escenas musicales, le pregunté a Patrick cuánto duró su primer corte.
PDV: El primer corte duró aproximadamente 2 horas y 40 minutos, pero sabía que iba a ser así de largo. El guión rondaba las 140 páginas. Nos quedaron todas las secuencias musicales en el corte, pero no hay muchas escenas eliminadas en esta película. Hay porciones eliminadas de escenas. Entonces, veíamos la película y nos preguntábamos:"¿Nos estamos quedando más tiempo de lo esperado en esta escena?" Algunas de las escenas de los autos:el diálogo en los autos definitivamente se recortó. La escena con el pollo frito en la cena, Tony y Don se miran fijamente, esa escena se prolongó durante otros cinco minutos. Hubo una secuencia completa en la que Lip trató de cortar el pollo con un cuchillo y un tenedor, y no funcionó, así que lo toma con las manos y convence a todos los demás para que lo tomen y se coman el pollo con las manos. Era una broma buena y divertida que era demasiado larga. La broma inicial con el pollo fue lo suficientemente buena. Ya teníamos esa escena, no vas a superar esa escena. Tuvimos que cortarlo. El hijo de Pete estaba en realidad en esa escena y fue cortado (¡la verdadera definición de "Mata a tus bebés"!). Hubo muchas escenas de diálogo que se cortaron:todo se trataba de cómo iba el flujo y cómo se sentía. Si alguna vez hubo un punto que sentimos que se estaba prolongando, lo cortaríamos.
La edición requiere todo tipo de habilidades narrativas. Editar dramas narrativos es muy diferente a editar documentales, al igual que editar películas de acción es muy diferente a editar comedias. Saber cómo deben desarrollarse los chistes requiere mucho ensayo y error. Realmente tienes que saber cómo el público lee ciertos textos, y el trabajo de Patrick en Green Room habla por sí mismo. Véalo usted mismo en un teatro:las bromas aterrizan y el silencio de la audiencia durante las escenas dramáticas es muy evidente.
Entonces, Patrick recibió una nominación para un Oscar, y su trabajo definitivamente brilla a través de la película. Si lo ha visto, puede hablar sobre el ritmo y el ritmo de la película. Así que le pregunté qué consejo le daría a alguien que acaba de empezar o que espera editar una función algún día.
PDV: Sigue haciendo el trabajo. Sigue editando. Cuando empecé, era asistente, pero cada vez que era asistente, le preguntaba al editor si había escenas que podía cortar. Siempre quise perfeccionar el oficio y trabajar en ello. Tienes que seguir haciéndolo y haciéndolo de nuevo, y comienzas a desarrollar tu propio sentido del tiempo y el proceso. El proceso de cada uno es un poco diferente. Siempre trato de hablar con los editores sobre su proceso, y puedes aprender cosas. Incluso si es algo que no harías, tal vez puedas tomar una parte de ese proceso y usarlo en el tuyo. Creo que muchas veces no hablamos mucho entre nosotros; simplemente hacemos lo nuestro. Y creo que podemos aprender unos de otros si mantenemos abiertas estas conversaciones. Creo que está sucediendo más ahora porque a los editores se les habla y se les entrevista más ahora, por lo que estamos comenzando a ver más información sobre la edición como oficio. Es importante y útil para otros editores aprender de las personas que han estado allí y lo han hecho antes.
Libro Verde está en los cines ahora.
Además, me gustaría agradecer personalmente a Patrick por dejar una foto de mi madre (que era un extra en la película) en el corte final. ¡Buen trabajo!
Todas las imágenes vía Green Book (Universal).