Eric Alexandrakis se está volviendo muy conocido en el mundo del cine y la televisión como un maestro del sonido por su enfoque único de la música para películas. Con una nueva nominación al GRAMMY® 2019 al Mejor Álbum de Palabras Habladas (I.V. Catatonia:20 Years as a Two-Time Cancer Survivor), su enfoque innovador de la música está atrayendo mucha atención.
Alexandrakis no es un recién llegado. Su película “Psychogenic Fugue”, protagonizada por John Malkovich y dirigida por Sandro Miller, fue finalista de Cannes Lions en 2017. Psychogenic Fugue (2017) también inauguró el Festival Internacional de Cine de Cartagena este noviembre y está arrasando en todo el mundo. Hay un atractivo visual innegable en las diversas iteraciones de Malkovich de los personajes de Lynch.
¿Imitación, recreación o comentario?
Es fascinante ver a Malkovich entrar a la perfección en tantas personalidades contra la partitura de Eric Alexandrakis, que marca los altibajos de cada escena. Juntas, la película plantea la pregunta:¿es la imitación realmente la forma más elevada de adulación?
En una de las primeras viñetas, Malkovich aparece balanceándose en el escenario con un vestido blanco y una prótesis facial. El paisaje sonoro evoca recuerdos de un carnaval y luego se oscurece, a medida que aumenta el vibrato de un órgano de tubos, que suena muy parecido a un servicio funerario. Malkovich comienza a sincronizar los labios "en el cielo, todo está bien ”, (Alan Spiet, 1977). Es una recreación inquietante de Lady in the Radiator, pero está destinado a serlo. Esta no es una película para sentirse bien, pero es brillante, no obstante.
Al igual que el original, la escena está rodada en blanco y negro. Las características definitorias son casi idénticas, hasta la banda floral colocada en el lado izquierdo del vestido de Malkovich. De hecho, el único cambio notable es la voz del cantante. En la versión anterior, tenía un ligero acento sureño, pero al estar en sintonía con el espíritu de la época, eso ya no existe. Suena un poco como Halsey.
La dama del radiador canta sobre el cielo, pero los espectadores que no están familiarizados con el trabajo de Lynch no pueden evitar preguntarse si realmente está en el infierno. ¿Es ese polvo del radiador que se endureció en su cara? ¿Quizás el cielo es solo un estado mental en el que nada te molesta? Sin embargo, si las cosas que deberían molestarte no lo hacen, ¿no es eso una especie de infierno?
Trascendencia y post-surrealismo
John Malkovich es inquietante y calculado en su genio. La película tiene cualidades trascendentes, que van mucho más allá del ámbito del arte escénico y se adentran en la metafísica. Al igual que gran parte del enfoque personal de David Lynch sobre la meditación trascendental, el espectador se ve obligado a cuestionar la realidad representada en la pantalla en el contexto de su propia vida. Eric Alexandrakis hace esto con el sonido.
Si bien algunos podrían describir las películas de Lynch como surrealistas, también utilizan una buena dosis de possurrealismo. Podría decirse que existe una amplia representación de lo que la mayoría de los críticos de cine y arte denominan inconsciente (Voorhies, 2004). Tanto Lynch como Alexandrakis crean asombro y exploran la analogía y, por lo tanto, hacen que el espectador sea consciente de su propia deconstrucción del proceso de visualización. El asombro es una característica definitoria del possurrealismo, según Helen Lundeberg y Lorser Feitelson (Kinkel, 2019).
Podría decirse que David Lynch usa estos dispositivos discutidos por primera vez en detalle por Helen Lundeberg. Más específicamente, tanto Lynch como Alexandrakis se basan en lo que a menudo se denomina Nuevo Clasicismo en la literatura artística (Fort, 2017). La estética de Lynch, sin duda, se centra en la experiencia de analogía de los espectadores, así como en la secuencia en la que se presentan las imágenes. Más importante aún, las películas de Lynch obligan al espectador a confrontar lo conceptual y lo perceptivo, simultáneamente. De alguna manera, Alexandrakis logra hacer esto con el sonido.
Apropiadamente, Psychogenic Fugue (2017) se creó para apoyar a la Fundación David Lynch. Hace que el espectador se pregunte a través de sutiles y directos matices cinematográficos. Detrás de este nuevo trabajo, en su parte más vulnerable, está el uso del cine como herramienta para la trascendencia:el cine personificando al cine. De hecho, Psychogenic Fugue (2017) comenzó en muchos sentidos como una reexploración (o reinvención) de la Alegoría de la caverna de Platón.
No sorprende que Eric Alexandrakis se una a este proyecto innovador. En 2018, Alexandrakis coescribió con Pennan Brae y se convirtió en ganador del premio de oro en el Festival Internacional de Cine Queen Palm. En 2019, obtuvo una nominación a Mejor Canción en el Festival de Cine de Solaris. Sin embargo, cuando se trata del éxito de Psychogenic Fugue (2017), el impulso hacia adelante de Alexandrakis parece ser una combinación de tremenda preparación, planificación meticulosa, talento profundo y una capacidad para realmente absorber su entorno en un nivel que muchas personas hacen. no.
Haciendo al hombre detrás de la película
Gran parte de la vida de Eric se lee como una línea de registro de una película popular. Su abuelo fue asesinado por los nazis y su padre fundó la Universidad de Creta. Eric ha luchado contra Hodgkins dos veces, por lo que sabe lo que es poner todo en juego. Sus canciones son reflexivas, abstractas y narrativas, por momentos. Su obra es como un cuadro sonoro.
I.V. Catatonia:20 años como dos veces sobreviviente de cáncer , por la que Alexandrakis recibió una nominación al GRAMMY® 2019, no es necesariamente edificante (aunque tiene la intención de que lo sea). El paisaje sonoro está lleno de elementos que evocan emociones viscerales, coloridas y, a menudo, desagradables. Sin embargo, nada sobre el proyecto carece de inspiración o es trillado. En Psychogenic Fugue (2017), Alexandrakis utiliza el sonido como medio para amplificar las verdades que se encuentran más allá de los elementos ilusorios de la película.
Eric contra Hodgkins
Alexandrakis menciona, al recordar su primera batalla contra el cáncer, que aunque inicialmente no tenía dolor, tampoco tenía seguro médico. Por lo tanto, el álbum también aborda temas socialmente relevantes.
El tratamiento de Eric estuvo marcado por el amor y el cuidado de familiares y amigos. Sin embargo, señala, “mi mayor compañero fue la música… especialmente la grabadora de 4 pistas en la que grabé la música. Nunca pregunté 'por qué yo', y todavía no lo hago... ¿por qué alguien?
Hay mucho que va junto con estar enfermo. Más allá del costo de los tratamientos se encuentra una necesidad innata de encontrar significado y propósito en dificultades aparentemente aleatorias. Si bien muchas películas dan a los espectadores una resolución a su desgracia (generalmente el amor verdadero), las películas de David Lynch no siempre lo hacen. De hecho, las películas post-surrealistas (que están volviendo), juegan con la noción un tanto nihilista de que puede que nada tenga sentido. Los espectadores deben construir significados para estas películas, al igual que deben construir un propósito para sus propias vidas.
Parte del audio de Eric para su último álbum se extrajo de una "grabadora de microcassette en el bolsillo de mi camisa", como él dice. No hubo un proceso especial de lavado del sonido. Sin embargo, Eric tiene un micrófono favorito:“Bueno, el mejor micrófono es, por supuesto, un [Neumann] u87, pero créanlo o no, yo uso principalmente [Shure] SM57, SM58. Por lo general, me piden que haga cosas para mi sonido, en lugar de otra cosa, para que pueda usar lo que quiera, lo cual es un buen lujo y no tengo que gastar mucho en un montón de equipo. Soy muy minimalista”.
Principios de Eric
Eric Alexandrakis asistió a la Universidad de Miami, donde se especializó en Relaciones Públicas y Literatura Inglesa. También recibió una maestría en Music Business. Pero, ¿cómo se traduce eso en una carrera detrás del sonido de la gran pantalla?
“En sexto grado, yo era el líder de la obra y tocaba todos los instrumentos de la banda y estaba en el coro”, explica Alexandrakis. También comenzó a tocar el piano clásico a la edad de seis años.
“Mi primer recuerdo está en mi cuna escuchando a Wendy Carlos tocando Bach”, recuerda Alexandrakis.
La música y las imágenes formaron una relación simbiótica innata dentro de Alexandrakis desde casi el principio. “Soy un personaje muy creativo y estoy interesado en casi todo. Siempre busco respuestas y siempre estoy abierto a las preguntas”, bromea Alexandrakis.
Ideas brillantes
“Psychogenic Fugue pasó por varias iteraciones antes del producto final. Me acerqué a la Fundación David Lynch con un concepto [que incluía a Sandro, John y yo] para su décimo aniversario. Comenzó con John vestido como David Lynch interpretando una de las canciones de David en vivo, luego como un video musical y luego como un escenario de ensueño con John interpretando los personajes de David. Cuando obtuvimos luz verde, Sandro y yo hicimos una actualización rápida de todas las películas de David en una semana”. Notas de Alexandrakis.
“Hice la partitura, pero también teníamos algunas piezas de Angelo Badalamenti, The Flaming Lips y algunas otras”, menciona Alexandrakis. Badalamenti es bien conocido por componer la banda sonora de Twin Peaks (1990). "Me encanta cómo lo dirigió Sandro y, por supuesto, las increíbles actuaciones de John".
“Psychogenic Fugue se filmó en Chicago… Hice la música de la forma en que pensé que sería una película moderna de Lynch, pero con mi propio toque. El primer día de filmación estaba esperando en un reclamo de equipaje y estaba haciendo un sonido oxidado crujiente, que grabé en mi teléfono y usé en los créditos finales”, comenta Alexandrakis.
¿Quién es David Lynch?
David Lynch es tres veces nominado al Premio de la Academia. Es más conocido por hacer películas surrealistas como Blue Velvet (1986), Eraserhead (1977), Mulholland Drive (2001) y Twin Peaks de principios de los 90. serie. Más importante aún, Lynch es ampliamente aclamado por llenar sus películas con personajes que a veces parecen casi caricaturas.
Lynch explora con frecuencia temas como la violencia en el contexto de lo mundano. Sin embargo, su trabajo es más que un estudio de contrastes. En muchos casos, podría decirse que Lynch busca redefinir lo que vemos como belleza, lo que a su vez significa que simultáneamente remodela la sociedad a través de su trabajo. Alexandrakis hace lo mismo.
Lynch, Malkovich, Sandro y Alexandrakis parecen compartir algo singular:son esencialistas, hacen arte por el arte. Como dice David Lynch en el documental The Art of Life (2017), “Creo que cuando haces algo, el pasado puede conjurar esas ideas, como el pasado las colorea”.
Alexandrakis ha creado el equivalente musical de los reflejos de Lynch de vastos paisajes oníricos con destellos surrealistas. Su obra es a la vez una recreación del mundo tal como es y del mundo como nos gustaría que fuera. La curiosidad infinita de Alexandrakis se traduce en una música vibrante, pero misteriosa y discordante. A menudo parece dejar a la audiencia con preguntas sin respuesta, desafiándolos a encontrar su propia resolución.
Banda sonora para cine y TV
Alexandrakis tiene un enfoque único para componer para cine y televisión. Más que basarse simplemente en la teoría musical, se inspira en todo:el arte abstracto, los sonidos de la vida cotidiana, cada experiencia y cada persona con la que se encuentra. Su entorno es una fuente inagotable de experimentación y asombro.
Como señala el famoso compositor David Glass, “Un nuevo lenguaje requiere una nueva técnica. Si lo que estás diciendo no requiere un nuevo idioma, entonces lo que estás diciendo probablemente no sea nuevo”. Alexandrakis ofrece al mundo del cine un tipo de música que nunca antes habíamos escuchado.
Valor y determinación
En términos generales, la música para cine y televisión puede ser bastante exigente. Mientras que los editores de películas a menudo tienen un cronograma predeterminado para empalmar y reorganizar los cortes, los músicos que componen la música de las películas a menudo deben hacerlo en solo uno o dos meses. Se debe tener especial consideración cuando se trabaja en una serie de comisiones.
Cuando estás haciendo música para películas, hay algunas cosas que debes tener en cuenta. Por un lado, como músico, ya no eres la protagonista. Es su trabajo acentuar el ritmo y los altibajos emocionales de la película. Su música existe para ayudar a las personas a sentir lo que sea que las imágenes de la película pretendan evocar. Algunos de tus personajes principales pueden tener una melodía o tono que sea específico para ellos. Tal vez lo juegues (con una pequeña variación), cada vez que aparezcan en la pantalla. En términos generales, esto significa que necesitará acceso a, y la capacidad de tocar, más de uno o dos instrumentos.
Conceptos básicos de música para películas
Deberá crear melodías centrales para la película y luego usar diferentes variaciones de ellas a lo largo de la película. Además, deberá trazar un mapa de la película y tomar muchas notas sobre las áreas que necesitan un gran énfasis. Colaborará con el director (y, a veces, con los productores) para asegurarse de que su producto final coincida con su visión de cómo debería verse y sonar la película. Cuando un movimiento no se ajusta a lo que está en la pantalla, deberá archivarse (o tal vez incluso desecharse).
Una de las cosas más importantes que debe recordar al componer para cine y televisión es marcar la hora de sus notas. ¿Cuándo comienza y termina una escena importante? ¿Cuándo comienza el clímax? ¿Hay jump-scares o fake-outs que generan tensión? Tendrás que escribir piezas dentro de las limitaciones de tiempo muy precisas de estos eventos.
Otra gran técnica consiste en marcar los puntos de la trama de la película y crear un acompañamiento musical que se mueva en un arco simultáneo. Necesitarás tener cosas como el tempo y las firmas clave al frente de tu mente. Si no eres un aficionado a la música, necesitarás encontrar a alguien que lo sea, así como una gran biblioteca de música libre de derechos de autor para extraer. Una palabra para los sabios:siempre dé crédito a los creadores y verifique la fuente de carga. En otras palabras, asegúrese de no estar violando ninguna ley de derechos de autor.
Consideraciones finales
Eric Alexandrakis tiene algunas palabras para los jóvenes cineastas y estudiantes de música. “Esfuérzate por ser extraordinario”, dice. “Todo el mundo piensa que lo son, pero realmente lo son… Además, digiere todo en cada forma de arte, aprenda el negocio para que pueda firmar sus propios acuerdos, obtenga todo por escrito, practique su oficio todos los días, no establezca una familia hasta que esté establecida porque no puede tener dos cónyuges, no confiar completamente en cualquiera hasta que se ganen esa confianza, se hagan amigos de los abogados y tengan un enfoque y un plan incremental”.
Para terminar, para Alexandrakis, la música para cine y televisión es más que simplemente agregar un poco de color emocional a un momento o dos. “La música no es solo un pincel, sino que puede ser un personaje. Como cuando escuchas a John Williams en Star Wars… son temas, pero también son una personalidad/presencia que sientes dentro de la acción”, señala Alexandrakis.
Independientemente de si eres un creador de videos con talento para el musical o no, la vida sucede en contra de algún tipo de banda sonora:el sonido de los pasos de un amante cuando se aleja por última vez, el primer llanto de un bebé, incluso el sonido de un bate de béisbol de madera golpeando una pelota cuando su hijo hace su primer jonrón. A medida que vivimos nuestras vidas, los sonidos se experimentan simultáneamente con las imágenes, y las películas exploran e imitan este curioso aspecto de la vida cotidiana.
Fredrick Nietzsche tenía razón cuando señaló que, "sin música, la vida sería un error". El cine y la música están interconectados para siempre. Entonces, cuando estés creando tu obra maestra, no olvides la partitura.