Sabes que estás en presencia
de un trabajo de cámara verdaderamente visionario cuando no lo notas. Recientemente
me sucedió esto mientras miraba una película que había visto muchas veces.
Una película que no destaca por su cinematografía o composición ingeniosa:
“La jaula de pájaros”.

La toma se abre sobre el océano Atlántico
de noche. La cámara se desliza justo por encima del agua, en dirección
hacia un horizonte reluciente. En menos de 10 segundos, nos estamos acercando
a la playa, el horizonte se enfoca. Ahora estamos sobre la arena,
luego los acantilados; y ahora nos encontramos en una calle bulliciosa
escena. Cruzamos la calle, esquivando el tráfico denso y nos dirigimos
por unas escaleras, pasando algunas personas, a través de puertas que se abren en el último segundo, a través de un club nocturno lleno de gente, hasta el centro de la
pase a las drag queens, gire a la derecha y deténgase frente al
director de escena acosado (en un perfecto primer plano medio) que pronuncia
su línea.

Cortar.

Guau. Y esa es la secuencia de créditos
. Yo lo llamaría una serie de movimientos de cámara bien ensayados.
Usar el movimiento, la composición, la profundidad de campo y la luz para llevarnos
desde las aguas oscuras y turbias de South Beach hasta las candilejas brillantes
/>de un club nocturno, una serie de movimientos de cámara
bien planificados y ejecutados con pericia puede abarcar más de 20 páginas de diálogo. De acuerdo, los
productores de esta película tenían acceso a una gran cantidad de maquinaria costosa
para mover la cámara, incluido un helicóptero y una grúa, pero
el mensaje básico aquí es el mismo para los videógrafos que trabajan con
videocámaras de mano:una buena comprensión del movimiento de la cámara hará
maravillas para sus producciones.

Si todavía se pregunta
cuánto impacto pueden tener los movimientos de cámara bien ensayados en su próxima
producción, echemos un vistazo a algunos métodos para convertir lo ordinario
en lo excepcional. Después de todo, no puedes romper las reglas hasta que
las conozcas.

La estabilidad es clave

Hay muchas razones para mantener una cámara estable, o estática, como la llama la industria del cine
. Además de prevenir las náuseas del público, una toma de cámara estática obliga a los espectadores a centrar su atención en algo específico.

Un ejemplo clásico de dejar que la acción dentro de un marco estático cuente la historia es "La ventana trasera" de Alfred Hitchcock. Un desafortunado fotógrafo (Jimmy Stewart), en silla de ruedas con una pierna rota, mira por la ventana trasera de su apartamento y a través de un patio hacia las ventanas de sus vecinos.

¿Puedes ver las posibilidades en esta configuración? Tomando el punto de vista del fotógrafo, observamos (en tomas estáticas) a las personas que realizan sus rutinas diarias típicas. Fiestas, peleas de amantes, soledad, jardinería y, por supuesto, asesinatos tienen lugar en planos estáticos, encerrados e inamovibles.

Mantener la cámara estable parece fácil:simplemente colóquela en un trípode. Sin embargo, hay casos en los que no se dispone de un trípode. En este caso, tienes dos opciones:la anatomía humana y tu entorno físico.

Si debe sujetar con la mano un tiro estático, recuerde algunas reglas básicas de comodidad. La primera es pararse en una posición que pueda tolerar durante al menos 10 minutos. Un método que he encontrado útil es sujetar la cámara como un bebé o una pelota de fútbol y abrir el visor, quitando así el ojo del ocular y reduciendo drásticamente el movimiento de la cámara.

Si tiene un
monitor LCD incorporado en su videocámara, aún mejor. Si su visor
no se puede abrir, párese con las piernas firmemente separadas. Para
mantener bajo el factor de fatiga, no bloquee las rodillas.

Pero, ¿por qué usar tu cuerpo cuando
puedes usar un automóvil estacionado o un puesto de periódicos? Te sorprendería
la variedad de soportes de cámara que te rodean. Deje de leer
y mire alrededor del lugar en el que se encuentra. ¿Ve algún lugar potencial
sobre o contra el cual apoyar una cámara? Árboles, bancos, botes de basura,
paredes, cercas:todos son excelentes apoyos. Cuando busque un objeto
sobre el cual apoyar su costosa cámara, use esta regla:si es
igual al peso de su cuerpo, es un buen soporte. Si pesa más,
es genial.

La cámara Shake, Rattle and Roll

Es inevitable que la toma estática
desgaste su bienvenida contigo (a menos que seas Jim Jarmusch
y la película sea "Stranger Than Paradise", en la que no
se mueve una sola toma). Si esto te sucede, genial. Es un medio visual
, así que sé aventurero visualmente.

A estas alturas, todos hemos visto los
efectos de una cámara moviéndose. Desde “Urgencias” hasta “Twister”
hasta cualquier video musical de MTV, la cámara inestable o en movimiento
llegó para quedarse, ¿y por qué no? Bien hecha, una cámara que adquiere
vida propia puede agregar una dimensión completamente nueva a una escena.

El movimiento de la cámara se puede clasificar
en dos categorías básicas:movimientos estacionarios, donde las inclinaciones, panorámicas
y brazos se realizan desde una posición fija; y movimientos de viaje,
donde el operador de cámara y la cámara se mueven a lo largo de una ruta
horizontal.

Como todo lo que vale la pena,
ejecutar cualquiera de estos dos tipos de movimientos de cámara requiere tres
P:planificación, práctica y paciencia.

La primera categoría, movimientos
estacionarios, incluye zoom, inclinación, movimiento panorámico y boom (que también se llama
pedestal). Cada uno de estos movimientos de cámara llama durante un rato con
las tres P. Pero son bastante simples de dominar y pueden hacer
una gran diferencia en su narración visual.

El zoom es probablemente el
primer dispositivo de cualquier cámara que la gente aprende a utilizar, excepto
el interruptor de encendido/apagado. Acercar parece acercar el sujeto
al espectador. Alejar hace lo contrario. Dado el
amplio uso de movimientos de cámara más sofisticados, el zoom a veces
puede parecer anticuado. El otro problema es que se mueve a través del espacio
de una manera que no es natural para el ojo humano y hace que los objetos parezcan
planos. No obstante, puedes usarlo con gran efecto. Por ejemplo,
imagine el objetivo de una cámara acercando la cara de un hombre que ronca ruidosamente
mientras suena música de ópera de fondo. Luego aleje el zoom para revelar
un esmoquin y una audiencia ataviada con una toga mirándolo con desprecio.
Como muestra este ejemplo, a menudo es mejor alejar el zoom para revelar
el contexto que acercarlo.

La inclinación, como su nombre lo indica,
inclina la cámara para que mire hacia arriba o hacia abajo. Este movimiento a menudo aparece
en tomas de establecimiento, tomas que dicen:"Nuestra historia comienza
aquí". Es igualmente eficaz para tomas interiores y exteriores,
como la inclinación hacia abajo desde un gran rascacielos hasta la entrada
o la inclinación hacia arriba desde una cara dormida hasta la luna a través de una ventana.

La panorámica mueve la cámara
de derecha a izquierda o viceversa. La bandeja puede darte una buena imagen
reveladora. Es perfecto para revelar todo el alcance (o panorama)
de una escena (como el Gran Cañón) que, de lo contrario, sería demasiado amplia para
capturar con una lente gran angular.

El último movimiento de cámara en posición estacionaria
es el brazo o pedestal. Sube o baja la altura
de la cámara. Aunque por lo general se hace con equipos costosos
como una grúa o una plataforma rodante hidráulica, puede realizar la pluma en
barato con un poco de inventiva. Los gatos de coche con bomba manual en
el modo de liberación, los ascensores con paredes de cristal o algo tan simple
como el movimiento de su brazo pueden crear golpes de auge efectivos. Las tomas de boom
o pedestal son maravillosas para revelar información. Por
ejemplo, imagina una toma que comienza con una toma de un jarrón Ming
roto en el suelo junto a una zapatilla de deporte andrajosa. Sube lentamente pasando
vaqueros sucios y una camiseta manchada de gelatina para revelar el rostro
de un niño pequeño, en estado de shock. Ni una palabra, pero mucha información para
decirte algo sobre el chico y el tipo de situación en la que
se ha metido.

Lo bueno de los movimientos de cámara fijos
es que todos se pueden hacer de manera económica y bastante fácil.
Usando las tres P, te encontrarás realizando estos movimientos
con gracia y estilo.

Toma dos

Para aquellos que quieran ser un poco más aventureros con su estilo visual, tenemos los movimientos
de viaje:el camión, la plataforma rodante y el arco. La buena noticia es que estos
tres movimientos de cámara apestan a "producción de calidad". La
mala noticia es que la producción de calidad puede costar. Pero es posible
ejecutar movimientos de cámara itinerantes de calidad con un presupuesto limitado, como
veremos. Requieren un poco más de destreza con las tres P,
pero el tiempo dedicado a dominarlos bien vale la pena.

En el movimiento del camión, la cámara
recorre cierta distancia lateralmente (izquierda o derecha) con respecto
al sujeto. A veces denominada toma de seguimiento, a menudo
ve el movimiento del camión en una escena en la que alguien camina por la calle
y la cámara lo sigue desde el otro lado de la calle, captándolo
de perfil. Los movimientos de camiones son geniales para capturar escenarios ajetreados como
multitudes y atascos de tráfico.

El plano rodante mueve la cámara
acercándola o alejándola de un objeto. A menudo lo ves usado frente a dos personas que caminan por la calle hablando. Lo grandioso
sobre un plano rodante es su sutileza. En un video musical
dirigido por Martin Scorsese para Bruce Springsteen, el video completo es un muuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuandandand nb>p> descubre cómo el jefe toca su guitarra y canta frente a la
lente.

El último movimiento en esta categoría
es el arco. No mentiré, es un poco complicado. La cámara se mueve en
un arco alrededor del sujeto mientras mantiene la distancia y la distancia
focal. De todos los movimientos, este es el más difícil de realizar
sin una plataforma rodante. (Además de un tipo de movimiento de la cámara, una plataforma rodante es
un dispositivo que utilizan los profesionales para montar la cámara y moverla
suavemente por el suelo).

Un gran ejemplo de un arco
es la escena inicial de la cena en "Reservoir
Dogs" de Quentin Tarantino, donde los personajes discuten las letras de Madonna mientras
están sentados alrededor de una mesa . La cámara puede rodearlos usando
sus espaldas como puntos de edición.

Algunos videógrafos ingeniosos
han usado un automóvil con parte del aire que se ha soltado de las llantas, o
incluso un carrito de compras, como plataforma rodante. Si debe realizar un travelling
sin la ayuda de un carro, la práctica es esencial. Esto significa
aprender algunas formas interesantes de caminar.

Para ejecutar una toma de camión con
una cámara de mano, tendrás que practicar caminando de lado
a un ritmo lento y parejo. Es útil mantener las piernas ligeramente flexionadas
para evitar el balanceo natural hacia arriba y hacia abajo que los humanos tienden a hacer cuando
caminan.

Lo mismo se aplica al tiro de carro de mano
solo que esta vez, te estás moviendo hacia adelante o hacia atrás.
En cuanto a un arco de mano, pruébalo una pocas veces; podrías decidir
que funcionará mejor como sartén.

La clave que debe recordar
al realizar travellings cámara en mano es comenzar y terminar lentamente.
Esto evita que la cámara se mueva bruscamente, lo que provocaría un movimiento repentino
de dos pulgadas parecen dos pies en la pantalla del televisor.

Con cualquier movimiento de cámara, fija
o de viaje, la práctica solo puede venir después de haber planeado la
toma. Esto significa saber dónde comienza el movimiento, cuándo comienza,
qué tan rápido se mueve y dónde termina. Y eso solo si planeas
hacer un movimiento.

La parte de la paciencia debe
abarcarlo todo.

Lente-O-Rama

Tratar con lentes, distancias focales
e iris puede sonar bastante complicado, especialmente cuando
se trata de matemáticas. Evitemos las matemáticas por completo y conformémonos con
explicaciones simples.

Los lentes de las videocámaras vienen en
todas las formas y tamaños, y son capaces de crear una variedad de
efectos interesantes. La mayoría de las videocámaras tienen lentes de zoom que pueden
cubrir una amplia gama de ajustes de distancia focal, desde gran angular hasta
teleobjetivo. Al igual que los movimientos de la cámara, decidir la distancia focal correcta
que se utilizará depende de lo que desee de la escena que está a punto de
fotografiar.

La configuración de gran angular en
la lente de zoom da la ilusión de que los objetos están más lejos
de lo que están. Es perfecto para tomas de paisajes, como la famosa
escena de "Giant" donde James Dean se sienta en un automóvil estacionado
frente a una mansión en el horizonte lejano. La configuración de gran angular
en algunas videocámaras es tan amplia que hace que las imágenes se vean
ligeramente distorsionadas, como un espejo de una casa de diversión.

La configuración de ángulo normal
es solo eso. Captura imágenes como lo hacen nuestros ojos desnudos (aunque
no es tan sensible a la luz). Hay muy poca distorsión
con la configuración de ángulo normal, lo que le permite la mayor
movilidad con los movimientos de la cámara.

La configuración de teleobjetivo magnifica
la imagen, pero también magnifica la vibración. En la configuración de teleobjetivo
extrema, una ligera brisa o un golpe pueden hacer que la escena parezca
un terremoto. Los ajustes de teleobjetivo también introducen un tipo de distorsión
llamada compresión que hace que todo parezca plano.

Cuando cambia la configuración de su lente de zoom
, no solo está cambiando la distancia aparente
al sujeto; está cambiando la forma en que se ve toda la toma.
Tener una variedad de configuraciones de zoom le brinda flexibilidad para elegir
el efecto que desea lograr en una escena en particular. Intente fotografiar
a alguien en primer plano con un objetivo normal a diez pulgadas de su rostro
y la misma toma con un teleobjetivo a cien pies.
Notará el cambio en la luz, la textura y la y fondo.

¡Experimenta! Juega a mezclar y combinar con la configuración de la lente. Dispara a un callejón angosto en la configuración de lente gran angular
. Aléjese de una ramita a todo el borde de un
cañón. Una vez que tenga claro lo que puede hacer cada configuración de lente, condimente
las cosas con algunos movimientos de cámara. Aquí es donde encontrarás
todo tipo de nuevos territorios para explorar con distorsión de imagen. Te
sorprenderás al saber que las combinaciones más extrañas a veces
producen las imágenes más entretenidas.

Ser incriminado

Se llama muchas cosas:composición,
puesta en escena , el lienzo fluido. Pero organizar lo que
ve en el cuadro de video se reduce a una sola pregunta:¿por qué
quiere grabarlo de la forma en que lo está grabando? Al componer
una toma, ya sea estática, un boom, una plataforma rodante con una inclinación hacia arriba, pregúntese
por qué está haciendo estas cosas y qué espera transmitir visualmente.
Para Por ejemplo, una cámara inestable puede significar muchas cosas, desde una escena tensa
entre dos personas (como en "Maridos y
esposas" de Woody Allen) hasta un terremoto.

Una regla básica de composición
es la regla de los tercios. Para usar la regla de los tercios, comience dividiendo
la pantalla del televisor en tercios con cuatro líneas imaginarias:dos verticales
y dos horizontales, como en un juego de tres en raya. Estas líneas
imaginarias se cortan en cuatro puntos. La idea es colocar el sujeto
y otros objetos de interés en o cerca de una de las cuatro intersecciones.
Esto crea una composición visualmente agradable. Además, evita
colocar al sujeto en el centro del cuadro,
o demasiado a la izquierda o a la derecha.

Así como hay reglas para
la composición, también hay reglas para el movimiento de la cámara. Una de
las reglas más importantes para el movimiento de la cámara es el eje de movimiento.
Rompe esta y tendrás a tu audiencia desorientada y
desconcertada.

El eje de movimiento es una
línea imaginaria de movimiento que el sujeto sigue en una escena.
Por ejemplo, un sujeto que ingresa al encuadre desde la izquierda y sale
a la derecha sigue un camino, una línea imaginaria. La cámara
(y por lo tanto, la visión de la audiencia de esta acción) permanece en
un lado de esta línea. Si corta a la vista de otra cámara
colocada en el lado opuesto de la línea, su audiencia verá
al sujeto caminando repentinamente en la dirección opuesta, lo que
es desorientador. Siempre que permanezca en un lado de la línea durante
toda la secuencia de acción, puede hacer casi cualquier cosa
con el movimiento de la cámara, e incluso alejarse de la acción. Simplemente
recuerde recortar en el mismo lado de la línea.

Si quiere ver cuán
efectivas pueden ser estas simples reglas, salga y rómpalas. Verá
dos cosas:una, lo mal que se ve cuando encuadra al sujeto
en el centro, o apenas en el marco; y dos, lo desorientador
que puede ser cruzar el eje de movimiento.

Cuando el ojo de la cámara parpadea

En muchos escenarios, es posible que escuche
últimas palabras famosas como "No puedo guardar este guión"
o, peor aún, "lo arreglaremos en la publicación". Suele ser
una referencia a una toma mal preparada y la esperanza de que el editor
pueda guardar el metraje en la edición de posproducción. Olvídate de
eso. Si no planifica bien sus tomas, simplemente terminará con
tomas que parecerán no haber sido bien planificadas.

La buena noticia es que muchos
fabricantes están equipando sus videocámaras con excelentes funciones de transición de escena
, como pixelación, desvanecimiento de cortina y desvanecimiento de puerta de granero.
Estas transiciones integradas permiten al videógrafo editar en la cámara
(grabar todo el programa de principio a fin sin volver a grabar
las tomas seleccionadas más tarde) y planificar las transiciones de escena y la cámara
se mueve alrededor de estos pequeños y prácticos trucos.

Si planeas editar en la cámara
, necesitarás dedicar un poco de tiempo a alinear tus tomas
para asegurarte de que se unan. Tome una pila de fichas
de 3×5 y escriba breves descripciones de varias escenas en ellas.
Luego, organice las escenas en el orden en que aparecerán
como una producción terminada. En la parte inferior de cada tarjeta, describe
cómo comienza y termina la escena. Por ejemplo, un fundido lento a negro
colocado junto a una escena que comienza con una panorámica (un giro rápido
de la cámara de derecha a izquierda o viceversa) no cortará
>así como un corte de fundido a negro con un fundido de entrada. Esencialmente, con
este método estás editando tu producción en papel antes de
que nada haya sido filmado.

Si tiene la suerte de
tener acceso a un paquete de edición totalmente equipado, prepárese para
demasiadas opciones. Es probable que tenga la opción de agregar
efectos de video digital, escenas de fundido cruzado, colocar música y pistas de narración
; podría pasar días con estas cosas.

Sea creativo al planificar sus
transiciones de escena. Alfred Hitchcock filmó todo el guión de
“Rope”, como una obra de teatro, con la cámara filmando continuamente.
El único problema era que, en ese entonces, los rollos de película duraban solo 10 minutos
de duración. . ¿Qué hacer? Cuando casi había pasado cada rollo de 10 minutos,
Hitchcock le indicaba al camarógrafo que se colocara en la parte trasera de
uno de los actores, luego dejaba de rodar y congelaba la acción para
que el camarógrafo pudiera recargar la cámara. Entonces, el camarógrafo podría
comenzar a filmar donde lo dejó, salir y continuar.

Pagar homenaje (¡plagiar!)

Al crear un movimiento de cámara
único, ¿por qué no tomar prestado algo de los maestros y
simplemente llamarlo rendir homenaje? Brian De Palma lo hizo en “Los
intocables” (rindiendo homenaje a la famosa escena del cochecito de bebé en una escalera del “Battleship Potemkin”
). Deberías hacerlo,
también.

Seguir las pistas de los
expertos te ayudará a crear tu propio estilo visual de narración.
Adelante, sé un fanático del cine y busca constantemente inspiración de
la forma en que los directores colocan una cámara o la mueven. Si su nivel de confianza
es alto, intente duplicarlo.

Ponte en su lugar
y pregúntales por qué, por ejemplo, hay un globo rojo que vuela
detrás de un auto que se escapa a toda velocidad en "Reservoir Dogs". ¿Por qué
los personajes hablan directamente a la lente en “El silencio
de los corderos”, aunque sabemos que se están dirigiendo a alguien
opuesto a ellos, y no a nosotros?

Y mientras lo hace, trabaje
en las tres P. La planificación y la práctica valdrán la pena en la forma en que
mueva la cámara y ejecute ese arco perfecto, o use la configuración de lente de gran angular
para la toma de la ciudad y la calle. La Paciencia valdrá la pena
cuando pulses reproducir y te des cuenta de que las arduas horas dedicadas a planificar y
practicar han dado como resultado una producción de calidad.

Larry Burke-Weiner es un
ilustrador fotográfico que pasó del video a la impresión y luego volvió al video.

BARRA LATERAL

Inspiración para alquilar

La tienda de alquiler de vídeos
se ha convertido en la nueva escuela de cine. Esto tiene sentido si piensas en
todo lo que tiene para ofrecer. Una cosa particularmente interesante que puedes hacer
es organizar tu propio festival de videos, con un director o
incluso un director de fotografía. Es una excelente manera de ver cómo comenzaron
a formar sus estilos visuales y qué trucos incorporan para
lograrlos. Estas son algunas sugerencias para festivales.

MARTIN SCORSESE

Comience con "Mean Streets",
una película con mucho trabajo de cámara de mano. Luego vaya directamente a
“Raging Bull”, con sus magníficos auges, giros e inclinaciones en cámara lenta en blanco y negro
. A partir de ahí, “Goodfellas”, con
una vuelta al movimiento manual y realista. Termine con "Age
of Innocence" para una composición de marco exquisita.

JIM JARMUSCH

Es el maestro de las tomas estáticas
. Comience con "Stranger Than Paradise", que filmó sin un solo movimiento de camión o plataforma rodante. A continuación, muestre "Noche
en la Tierra" para un estudio sobre filmaciones en espacios reducidos, a saber,
taxis. Luego muestre “Dead Man”, con sus composiciones de retratos
al estilo de Matthew Brady del siglo XIX.

WOODY ALLEN

The Woodman trabaja con los mejores
:Gordon Willis, Sven Nyqvist. Ha hecho de todo, desde música íntima
entrecortada ("Husbands and Wives", "Manhattan
Murder Mystery") hasta composiciones dolorosamente perfectas ("Manhattan",
"September", "Shadows and Niebla"). Un gran estudio
de contrastes.

BARRY SONNENFELD

Comenzó filmando películas
como "Raising Arizona" y "Big", antes de
dirigir "The Addams Family" y, últimamente,
"Get Shorty". Es fácil ver cómo la ironía de las
secuencias de acción caricaturescas en "Raising Arizona" y "The
Addams Family" se usaron con un efecto más sutil en "Get
Shorty".

ROBERTO RODRIGUEZ

Filmó “El Mariachi”
por alrededor de $7,000 (estamos hablando de un largometraje). Utiliza aproximadamente
todas las técnicas conocidas de cámara manual y hechas desde cero.
Sus tomas de carro se hicieron con una silla de ruedas. “Desperado”
es un gran ejemplo de edición inventiva y movimientos de cámara cinéticos.
Lo mismo ocurre con “From Dusk To Dawn”. Preste atención
a su estilo sin presupuesto en lugar de que le arrojen dinero.

–BPN