Recientemente escribí una Guía para nuevos fotógrafos sobre la configuración de la cámara. Una vez que te sientas cómodo con la configuración de tu cámara, el siguiente paso es aprender las reglas de una buena composición y diseño para tu fotografía.
Así que aquí están los 10 consejos más importantes a tener en cuenta al enmarcar tu escena. Tu guía de composición.
Grand Central Terminal y edificio Chrysler, Nueva York
#1 ¿Cómo fluirán los ojos del espectador a través de la escena?
Prefiero pensar en la composición como si fuera un juego para complacer a los ojos, y si quieres complacer a los ojos, necesitan algo que hacer y un lugar adonde ir. Al crear una imagen, debe pensar en el camino que seguirán los ojos de los espectadores a través de la escena, y si será un camino fluido o discordante.
- Ruta fluida – una imagen con líneas principales, como una carretera o un arroyo, o una imagen con un primer plano, un término medio y un fondo, que lleva la vista gradualmente de un nivel al otro.
- Camino discordante – una imagen con múltiples sujetos bien espaciados para que los ojos reboten entre ellos. Dado que no habría líneas entre los objetos en este tipo de imagen, deben estar bien espaciados dentro de la escena.
Si observa la foto de arriba, los ojos se dirigen directamente a la estatua de Grand Central en la tercera línea superior izquierda de la escena, particularmente porque la mayoría de la gente lee de arriba a abajo y de izquierda a derecha. Luego, los ojos se dirigen hacia el edificio Chrysler Spire y hacia el puente detallado. Estos tres elementos forman un triángulo para guiar a los ojos, sin embargo, el puente actúa como un elemento muy importante de la composición, evitando que los ojos abandonen la escena y llevándolos de regreso a la imagen, donde pueden dirigirse hacia el estatua o hacia la gente y los autos en la calle.
#2 Observe el borde de sus imágenes
Continuando con el consejo n.° 1 anterior, para que una imagen se sienta equilibrada, los bordes de la imagen deben estar equilibrados. Los ojos tienen una tendencia natural a querer caerse de una imagen a través de sus bordes. Al poner elementos en las esquinas, te detienes y captas la atención de los ojos, empujándolos de regreso a la escena. Esta es la razón por la que las imágenes de paisajes a menudo tienen pequeñas ramas de árboles o follaje en las esquinas superiores del cielo, y por la que se usa comúnmente el viñeteado.
Central Park South, Nueva York
Observe las ramas en las esquinas superiores que funcionan para mantener los ojos en el marco. Los elementos de las esquinas a menudo funcionan de manera más efectiva cuando solo se muestra una parte de ellos.
#3 Regla de los tercios frente a imágenes centradas
La regla de los tercios es más una sugerencia que una regla. He visto a personas llevarlo al extremo, pero hay muchos casos en los que es preferible una composición centrada o diferente.
La regla de los tercios se refiere a colocar su sujeto principal, o sujetos, en una de las cuatro intersecciones de un tercio en su foto, que notará en la segunda imagen a continuación. Esto se siente más agradable a la vista y también le permite enfocar simultáneamente un sujeto en primer plano en un lado, mientras tiene una cantidad significativa de espacio para un fondo interesante para equilibrar la escena.
Edificio de la Lonja de la Seda, Nueva York
Regla de los tercios
En la foto de arriba, aunque no exactamente en la tercera línea (no es una regla rígida), puedes ver que el edificio está equilibrado por el árbol en la tercera línea correspondiente. Los edificios en cada borde actúan como líneas principales y tienen el propósito adicional de actuar como marcos de borde para mantener los ojos dentro de la escena.
Sin embargo, no tenga miedo de colocar su tema principal en el centro. Un sujeto centrado puede bloquear todo lo demás fuera de la escena y hacer que te concentres solo en el elemento más importante. Esto funciona especialmente bien con una fuerte expresión facial o mirada a los ojos. Además, esto funciona para escenas simétricas, que pueden sentirse extremadamente equilibradas.
Rucker Park, Nueva York
#4 Horizontal – Vertical o sesgada
Ya sea para capturar una imagen horizontal, vertical o ligeramente sesgada es siempre una decisión difícil. Hay muchas razones para fotografiar tanto horizontal como verticalmente, sin embargo, a menudo encuentro que los fotógrafos tienden a confiar más en un formato.
Las imágenes horizontales a menudo se sienten más naturales porque imitan la forma en que nuestros ojos ven el mundo. También le permiten incluir más elementos en su imagen y brindan un formato más fácil para que los ojos fluyan a través de la imagen.
Un formato vertical puede ser beneficioso cuando desea acercarse y enfocarse en un solo sujeto o en un área estrecha. Es una forma de simplificar tu foto y deshacerte de cualquier elemento que pueda desviar la atención del sujeto principal.
Cuando está creando una imagen horizontal o vertical, quiere asegurarse de que sus líneas sean rectas. Si están ligeramente desviados, la imagen no se sentirá equilibrada. Sin embargo, a veces querrá sesgar sus sujetos en ángulo. Sesgar a los sujetos para que la escena no sea ni horizontal ni vertical agrega interés y energía a la foto. Promueve un sentimiento espontáneo y la falta de equilibrio en realidad puede ser agradable para el espectador.
Plano estrecho, clásico, vertical frente a plano de detalle enérgico y sesgado
#5 Triángulos y el Número Tres
La forma triangular puede ser muy importante para una buena composición en fotografía. Esto no se refiere a tener la forma real en una imagen, sino una relación entre tres objetos que crean un triángulo dentro de la escena.
Siempre que los tres objetos puedan equilibrarse entre sí, esto es agradable a la vista porque crea un camino constante a través de la escena.
Tienda Prada, SoHo, Nueva York
#6 Perspectiva
La altura desde la que dispara puede ser un factor significativo en cómo aparecen sus imágenes. Si desea enfatizar la altura y la potencia en una escena, acérquese al suelo e incline la cámara ligeramente hacia arriba. Las personas se verán más importantes y prominentes, y los objetos como árboles o montañas se verán aún más grandes.
Disparar desde un ángulo de cámara alto, por otro lado, hace que todo se sienta más pequeño y disminuido en potencia. Si la altura de disparo se vuelve lo suficientemente extrema, la imagen puede incluso tender a adquirir una sensación abstracta y gráfica.
Al fotografiar personas, preste siempre atención al ángulo de la cámara. A veces, subir o bajar ligeramente la cámara puede marcar una gran diferencia.
#7 minimalista versus maximalista
Minimalista se refiere a mantener una fotografía muy simple, como una imagen con un solo sujeto y un fondo agradable y tranquilo. Esto puede crear un diseño muy poderoso y gráfico. Hay poder en la simplicidad. Valerie Jardin, escribió recientemente un buen artículo sobre fotografía minimalista.
Maximalista, por otro lado, se refiere a una imagen caótica, con muchos elementos compitiendo y jugando entre sí. Sin embargo, dentro del caos hay equilibrio. Este tipo de imagen es muy difícil de crear de forma equilibrada, pero cuando funciona puede ser una delicia para los ojos que permite al espectador explorar la escena.
Canal Street, Nueva York. Equilibrio en el caos
La imagen de arriba no funcionaría si los sujetos no estuvieran todos distribuidos uniformemente a lo largo de la escena.
#8 Color
El color es un aspecto vital del diseño. Un color fuerte en el sujeto principal puede agregar un énfasis adicional, mientras que un color fuerte en un elemento insignificante puede arruinar el equilibrio de una foto.
Hay una gran tendencia en estos días hacia colores fuertes y poco realistas en la fotografía, similar a las películas o en Instagram. Los colores fuertes captan mejor nuestra atención al principio, pero los colores apagados pueden ser igual de interesantes y crear tanto humor como los colores fuertes, si no más. Explore desaturando ligeramente sus imágenes.
Cada color tiene sus propias propiedades y capacidad para crear un estado de ánimo dentro de una imagen. Un tinte rojo puede agregar una sensación cálida y enérgica a una foto, mientras que un tinte azul puede hacer que una escena parezca tranquila o fría y estéril. Como afirma el fotógrafo de retratos Dan Winter, "el verde es un color intrínsecamente relajante y acogedor, y está ligado a nuestro entorno natural". Winters usa el verde para muchos de sus retratos.
Aquí hay algunas formas en que los colores pueden combinarse entre sí para agregar equilibrio:
- Colores complementarios (colores en el lado opuesto de la rueda de colores)
- Colores análogos (colores uno al lado del otro en el círculo cromático)
- Diferentes colores en tonos similares
- El mismo color en diferentes tonos
Spring y Bowery, Nueva York
#9 Acercarse y llenar el marco
Este es un concepto muy importante. Averigüe qué es significativo en el cuadro, acérquese y solo capte eso. Corta todo lo demás y envuelve el tema principal. Si la parte más interesante de una persona son sus ojos, captura los ojos de cerca.
Propietario de tienda, basura y vodevil, Nueva York
#10 Singularidad y romper las reglas
Aprende estas reglas y practícalas, pero ten en cuenta que a veces debes romper las reglas. Sea único siempre que sea posible. No hay nada más agradable a la vista que algo diferente.
¿Tienes algún consejo adicional que te gustaría agregar a esta lista? Comparta en los comentarios, con imágenes de ejemplo si tiene alguna.