Cuando se trata de producción de sonido de calidad, obtienes lo que pagas. Aquí hay algunas ideas sobre cómo asegurarse de que su sonido sirva completamente a su historia.
Acudimos a James Parnell, editor de sonido/mezclador de regrabación de proyectos tan destacados como Get Out. (Universal/Blumhouse), Claro de luna (A24), La Niebla (Netflix/Spike) y Feliz día de tu muerte (Universal/Blumhouse) para conocer algunas de las mejores prácticas para mejorar su flujo de trabajo de sonido de posproducción.
El tema es amplio, y Parnell entró en algunos detalles, profundizando en consejos profesionales para cada aspecto de la producción de sonido de calidad:
Y Parnell debería saberlo. Es miembro de Motion Picture Editors Guild Local 700, Motion Picture Sound Editors (MPSE), Cinema Audio Society (CAS) y Audio Engineering Society (AES).
Así que este es el consejo general de Parnell orientado a ayudar al aspirante a supervisor de sonido y al mezclador de regrabación a navegar a través del proceso de posproducción de sonido.
1. Escuchar con Intención
El primer paso en cualquier viaje de sonido de posproducción generalmente comienza con la sesión de detección . Esta suele ser la primera vez que el equipo de sonido ve la película. También es la primera vez que el director se sienta con su equipo de audio y discute ideas sonoras para la película. Una de las cosas más útiles que un supervisor de sonido o un editor pueden hacer por sí mismos es escuchar con atención. . Sí, la mezcla aproximada es mala. Sí, los editores han abofeteado una sola pista de "grillos nocturnos" en cada escena nocturna y los mismos pájaros en cada exterior diurno. Sí, usaron esa pista de música que encabezó las listas de éxitos por la que nunca podrán pagar la licencia. Usted (nosotros) necesita poder escuchar a través de esto y escuchar lo que están tratando de iluminar en la historia a través del sonido.
Parece una obviedad, pero se pueden perder muchos matices al ver la película y solo escuchar la calidad que falta en la pista temporal que los editores han reunido. En su lugar, debe escuchar cómo el director intenta contar la historia a través del sonido y dónde hay oportunidades para mejorar las emociones de una escena en lugar de simplemente "arreglar" el mal sonido.
2. Elige tu paleta
Hay indicadores obvios aquí. Si está grabando un western, utilizará sonidos específicos (revólveres, no pistolas, caballos, no automóviles), pero ¿qué tipo de western quiere escuchar? Hay un mundo de diferencia entre la estética de Django:Unchained y La Reven hormiga . Del mismo modo, hay un mundo de diferencia en la estética de Blade Runner 2049 y Informe de minorías - pero ambas son películas de ciencia ficción.
Un equipo obtendrá una dirección clara de una sesión de detección, pero la tarea de dar forma a la estética de una película recae directamente sobre los hombros del supervisor de sonido y su capacidad para comunicarse con los departamentos editoriales de sonido (diálogos, música, efectos de sonido, diseño de sonido, fondos y foley). Los editores deben usar su creatividad para ejecutar la visión del director y honrar la estética sonora que el equipo ha desarrollado en conjunto.
3. No abarrotes el paisaje sonoro
Digámoslo de nuevo:el sonido debe servir a la historia. El afamado productor musical Rick Rubin ha sido reconocido por su proceso de "producción por reducción". Si un sonido no está al servicio de una canción, no es necesario que esté en la canción. Al igual que la música, el paisaje sonoro de una película puede desordenarse fácilmente.
Una vez escuché a un famoso diseñador de sonido de Hollywood decir "a medida que aumenta la densidad del sonido, disminuye la claridad del sonido". En grandes escenas de batalla o persecuciones de autos, existe la tentación de tirar todo y el fregadero de la cocina en tu mezcla. Vuelve a ver películas como Salvando al soldado Ryan , Desaparecido en 60 segundos, Black Hawk caído , Solo. Todas estas películas demuestran una edición de sonido enfocada y un uso finamente afinado de una técnica llamada "mezcla de perspectiva". Presta mucha atención a la cantidad de motor, la cantidad de balas y la cantidad de sonidos exteriores que escuchas mientras estás dentro de un vehículo o en el campo de batalla con los personajes principales, especialmente durante los diálogos. A menudo encontrará que es mucho menos de lo que realmente percibe que está escuchando.
Con estos amplios movimientos de automatización de volumen, un mezclador de regrabación puede enfocar los oídos del oyente exactamente en lo que el director quiere que escuchen:la historia. Una película es una colección y mezcla de talento. Cada departamento está trabajando para servir la historia que se está contando. La historia es la lo más importante en una película. Si encuentra que el paisaje sonoro de una escena es demasiado frenético, intente centrar su atención en los elementos de la historia dentro de esa escena. La solución podría ser incluir menos sonido.
4. Arte vs. Tecnología
Cuando se trata de la mezcla de sonido de películas, el oficio se considera en gran medida como una forma de arte. Si bien esto es cierto, también es una especialidad altamente técnica. Un conocimiento forense de las capacidades de cada mesa de mezclas es tanto un arte como la mezcla misma. Independientemente de si su flujo de trabajo de mezcla utiliza equipo externo, necesita comprender más que solo los principios detrás de la compresión y la ecualización.
Es imperativo que dedique incontables horas a trabajar en la mezcla de diálogos, comprender el headroom y aprender sobre el volumen percibido y la localización del sonido. Más importante aún, es imperativo que lea esos aburridos manuales de usuario que a menudo tienen cientos de páginas. La comprensión real de la tecnología detrás de la edición/mezcla de sonido permite una total libertad de expresión al mezclar/editar sonido. No hay ajustes preestablecidos mágicos, y solo porque un enfoque funcionó para una película, es posible que no funcione en absoluto para otra película, incluso una del mismo género.
5. Mantener una película sobre rieles y comprender las limitaciones
Llevar una película a través de las etapas de posproducción de sonido puede ser difícil, ya que el proceso nunca es el mismo de una película a otra o de un programa de televisión a otro. Varias cosas pueden afectar el cronograma de posproducción y dejar ciertos procesos en un segundo plano durante meses. Algo tan simple como la disponibilidad de actores o actrices puede retrasar las sesiones de grabación de ADR, las ediciones de diálogo finalizadas e incluso las mezclas temporales. Al trazar su curso a través de este laberinto, es importante recordar el triángulo de tiempo, costo y calidad.
Con demasiada frecuencia, en la posproducción, los editores de sonido y los mezcladores se ven obligados a trabajar jornadas extremadamente largas e incluso ofrecen su tiempo como voluntarios porque el trabajo que realizan se considera su pasión y no su carrera. Especialmente cuando trabajes en películas independientes, debes recordar lo siguiente:si quieres un producto de calidad hecho rápidamente, te costará. Si quieres algo barato que tenga calidad, tendrás que esperar. Si desea que algo se haga de forma rápida y económica, la calidad se verá afectada.
Hay formas de garantizar que el sonido de una película se maneje con diligencia, mientras se trabaja dentro de un presupuesto. Esto a menudo proviene de una discusión transparente al inicio del proyecto sobre las expectativas de un director frente a la realidad del presupuesto/calendario. Tener esta discusión es difícil pero necesario. Si no hay dinero en el presupuesto para un grupo de bucle, y el director es consciente de esto, no aparecerán en los días de mezcla esperando escuchar el trabajo detallado del público y las reacciones personalizadas durante escenas específicas. Si el cronograma no permite tantos días de mezcla como sea necesario, las prioridades del equipo de mezcla y del supervisor de sonido cambian para adaptarse.
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Imagen de portada a través de Fusionstudio.