Los errores de continuidad son una de las formas más fáciles de desconcentrar a la audiencia. Analicemos cómo resolver los problemas de continuidad en la posproducción.
¿En qué piensas cuando escuchas la palabra “continuidad”?
Podrías pensar en un vaso de Starbucks sobre una mesa en Westeros, o tal vez en una mano dando un empujón motivacional al velociraptor. Pero uno de los aspectos técnicos más importantes de una película es la edición de continuidad. Esto, por supuesto, ocurre cuando a un plano le sigue otro que tiene sentido temporal y espacialmente en la escena.
Ahora, en términos de errores de continuidad en la edición, es posible que hayas notado diferencias visuales flagrantes entre los cortes de los principales éxitos de taquilla debido a las nuevas tomas realizadas meses después del rodaje original. Hay innumerables razones por las que la continuidad del montaje de una película se ve afectada. Sin embargo, casi todas las veces, el editor no es la persona a quien culpar.
Los problemas de producción y los contratiempos logísticos pueden hacer que la vida de un editor sea un infierno cuando se le presentan todas las imágenes inconexas. Aun así, existen algunas técnicas y consejos que debes recordar sobre la continuidad antes de abordar tu próxima edición. ¡Empecemos!
Supervisor de script frente a editor
Quizás estés pensando, pero ¿no hay una persona en el set a cargo de asegurarse de que estos evidentes problemas no sucedan? ?
Puedes apostar que sí. En su mayor parte, el supervisor de guión es responsable de garantizar que toda la continuidad sea coherente de un plano y una escena a la siguiente. Entonces, específicamente, su trabajo es ser consciente de lo que hacen los personajes y dónde se encuentran en toda la cobertura que tiene lugar en una escena.
Si alguna vez has estado en un set, sabes lo caótico, desorganizado y vertiginoso que puede ser cada aspecto. Tiene sentido que el supervisor del guión cometa un desliz de vez en cuando, permitiendo que algo se le escape mientras se filma la escena.
En general, el supervisor de guión está atento al vestuario, la utilería, el estilo y los cambios de escenario que podrían ocurrir entre tomas. Feria de la vanidad publicó un ejemplo increíble y un desglose de la importancia de un supervisor de guión hace unos años. Compruébalo a continuación.
Piensa en un personaje comiendo una hamburguesa con queso durante una conversación. Imagínese si, durante el ir y venir entre los dos personajes hablando, la cantidad de hamburguesa con queso consumida aumenta y disminuye a lo largo de la escena. Estamos hablando desde un bocado hasta casi terminar con la hamburguesa y viceversa.
Otro excelente ejemplo de algo notable sería un personaje fumando un cigarrillo. La conversación comienza y el personaje enciende el cigarrillo y lo fuma durante el transcurso de la conversación. La escena termina con ese personaje apagando el cigarrillo en un cenicero.
Entonces, digamos que el director hace que el actor repita la escena 10 veces. Ahora, fumarían más de un cigarrillo durante el tiempo que lleva filmar esa escena 10 veces. Por lo tanto, debe elegir las tomas (con suerte, que sean buenas y utilizables) que tengan sentido secuencialmente durante cuánto tiempo estará encendido el cigarrillo durante la conversación.
- 7 errores de continuidad comunes (y evitables)
Prácticamente te dan lo que te dan con el metraje. Pero este tipo de continuidad sólo es controlable hasta cierto punto desde el punto de vista del editor. Entonces, ¿cómo podemos nosotros, como editores, garantizar una continuidad cohesiva en otras áreas?
Diferentes tipos de continuidad
Los diferentes tipos de corte que puedes hacer es lo que se vuelve divertido. Aparte del atrezo físico, la decoración del escenario, el peinado y el maquillaje y el vestuario, existen otros tipos de continuidad más técnicos. Estos elementos incluyen la línea de los ojos, combinar cortes con movimiento y cambios de escena. También evitas que la audiencia se desoriente por romper las reglas de los 30 y 180 grados.
- Comprender (y en ocasiones ignorar) la regla de los 180 grados
Estas son todas las cosas con las que puedes ayudar en tu edición. Hay varias formas diferentes de pasar de una escena a la siguiente, como fundidos de entrada o de salida.
Cortes y Movimiento
Sin embargo, según la Teoría de la imagen en movimiento:consideraciones ecológicas por J. D. Anderson y B. F. Anderson, "aproximadamente el 95% de los límites de edición son cortes, lo que constituye la unión de dos fotogramas de cámara". Por lo tanto, la forma más sencilla de cortar es la forma más importante y eficaz de contar tu historia.
Cortar la acción y el movimiento implica pasar de un plano al siguiente una vez que un personaje realiza alguna acción.
Digamos que un hombre camina hacia un automóvil y extiende la mano para alcanzar la manija de la puerta. En el momento en que su mano toca la manija de la puerta, se muestra una toma más cercana de su mano abriendo la puerta, en lugar de cortar en medio de él abriendo la puerta solo para verlo sentado en el auto.
Para obtener más información sobre los diferentes tipos de cortes que puedes agregar a tu repertorio, consulta nuestro tutorial sobre los nueve cortes esenciales que todo editor debería conocer a continuación.
Líneas de ojos coincidentes
La coincidencia de las líneas de los ojos es fundamental, ya que esto comunica de forma no verbal que dos personajes están teniendo una conversación.
Lo que esto significa es que si incluyes una toma de un personaje mirando fuera de la pantalla y hacia la derecha, para tener una continuidad cohesiva, necesitarás cortar al segundo personaje mirando fuera de la pantalla, pero hacia la izquierda (de vuelta al primer personaje).
Esta continuidad espacial es quizás una de las reglas más importantes y singulares del cine. Ayuda a que todo se sienta natural ante nuestros ojos.
Reglas de 30 y 180 grados
Hablando de orientación, tomemos las reglas de 30 y 180 grados, que establecen que la cámara nunca debe cruzar una línea invisible de 180 grados al cubrir una escena. Esto garantiza que tu audiencia comprenda dónde se encuentran los personajes en relación entre sí y con el entorno que los rodea.
Pasar a la siguiente toma que tenga menos de 30 grados o más de 180 grados desorientará al espectador y algo se sentirá mal. Un buen ejemplo visual de lo que estamos hablando proviene de Film Riot, con un excelente ángulo de arriba hacia abajo para demostrar precisamente cómo seguir la regla.
Cómo abordar tu edición
La forma más simple de edición de continuidad sigue la idea misma de que el público necesita ver lo que sucede en una escena a partir de una progresión secuencial clara de plano a plano. Nunca deberían confundirse acerca de los movimientos básicos, las líneas y la ubicación espacial de los personajes.
- Cómo crear continuidad al utilizar material de archivo
El montaje es uno de los tipos de escenas más divertidos de editar. Lo más probable es que obtengas un montón de imágenes de personajes progresando de alguna manera que parezca que abarca una gran cantidad de tiempo o sucede rápidamente. Entonces, esto podría significar que estás editando un montaje de un niño preparándose para la escuela o aprendiendo a jugar baloncesto durante el transcurso de un año escolar.
Cuando edites la escena, asegúrate de que las tomas sigan la línea de tiempo que necesites. No pase de una toma en otoño a una toma en verano y luego vuelva a una toma durante el invierno. Aunque la edición parece confusa, la audiencia necesita esa continuidad para creer la historia.
¿Qué es la edición de discontinuidades?
Pero la discontinuidad no siempre es mala. Por ejemplo, los flashbacks son una forma muy efectiva de guiar la narrativa hacia adelante al explicar lo que está sucediendo actualmente a través de una mirada a los personajes del pasado.
En términos de edición, tenga en cuenta lo que corta. Por ejemplo, corte una toma de establecimiento de una ubicación o lugar que brinde a los espectadores un contexto inmediato antes de iniciar una conversación o acción. Corte a objetos y ubicaciones del pasado, luego corte al inicio de la escena.
Establecer tomas y B-roll es el mejor amigo de un editor. ¡Nunca los des por sentado!
La discontinuidad también puede ser una forma magistral de engañar a la audiencia. Es posible que encuentres una situación adecuada para este enfoque si un personaje está confundido, desorientado o fuera de control.
Avanzar y retroceder rápidamente en el tiempo y el espacio es una excelente manera de mostrar el caos de una manera que no saque al espectador de la historia. En realidad, sirve muy bien a la historia, especialmente si terminas esta secuencia de una manera que vuelve a centrar a la audiencia, como una toma de establecimiento o un corte a una pantalla negra.
¿Has notado que siguen apareciendo tiros de establecimiento? Son una excelente manera de restablecer o volver a conectar todo.
Dominar el arte de la edición paralela
La edición paralela consiste en avanzar y retroceder entre dos personajes o ubicaciones simultáneamente. Esta es una forma divertida de mostrar la acción que ocurre en el mundo de la película que su audiencia está viendo. Esto también le da a la audiencia un contexto sobre dónde y qué están haciendo otros personajes en relación entre sí.
Al tomar decisiones editoriales con este tipo de enfoque, asegúrese siempre de brindar el contexto de la "nueva" escena para que la audiencia sepa con precisión qué narrativa están viendo.
Otra forma de continuidad es encontrar un flujo constante en tu edición. Por ejemplo, nunca querrás que el espectador quede excluido de la historia debido a un corte inconsistente. Si dejas una toma de un personaje diciendo una línea, pasa al personaje opuesto para mostrar cómo reacciona ante lo que se dice.
Una vez que llegue a esa reacción, asegúrese de darle tiempo a la audiencia para comprender lo que se está comunicando, ya sea de forma no verbal o con palabras. No te limites al personaje que habla demasiado rápido.
La mejor manera de asegurarse de haber acertado en el momento adecuado es editar la escena y mirarla como un espectador objetivo. Mira el vídeo a continuación si quieres un excelente ejemplo de lo que no hacer.
¿Qué es la edición superpuesta?
Utilizado principalmente con escenas de acción, este estilo de edición de continuidad enfatiza un momento o acción en particular. Sigue la acción que tiene lugar y luego corta inmediatamente a un ángulo de cámara diferente de la misma acción.
Parece que sería extraño y desagradable, visualmente hablando. Pero, cuando se pone en escena con mucho esfuerzo, tiene sentido. Quizás ni siquiera te des cuenta de que viste la misma acción dos veces.
Esta escena de persecución de Misión Imposible 2 es un gran ejemplo de este tipo de edición.
En conclusión
La edición de continuidad tiene más que ver con el sentimiento y la intuición que con el cálculo y la precisión. Las escenas que edites deben fluir de una manera que tenga sentido en el contexto de la historia y mantenga a la audiencia interesada sin alienarla.
Ya sea para asegurarse de que sus personajes miren en la dirección correcta entre cortes o para recordar cortar en acción, la edición juega un papel crucial a la hora de contar la historia de manera coherente.
Recuerde, como cualquier aspecto de la realización cinematográfica, a veces es un esfuerzo grupal que requiere opiniones y voces externas para ayudarlo a llegar a la meta. A veces, un segundo par de ojos es la mejor ayuda que puedes recibir como editor de vídeo.
Imagen de portada de Fabio Pagani .
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