1. Planificación y conceptualización:
* Historia y personaje: Film Noir no se trata solo de la estética; Se trata del estado de ánimo y la narrativa. Piensa en la historia que quieres contar. ¿Estás retratando a una mujer fatal, una detective dura, un fugitivo desesperado o una víctima de circunstancias? La historia debe informar la pose, la expresión y el ambiente general.
* Estado de ánimo y atmósfera: Los elementos clave son:
* Misterio: Una sensación de inquietud e intriga.
* duda: Cuestiones de moralidad y confiabilidad.
* aislamiento: Soledad y alienación.
* sombras: Una representación literal de secretos y motivos ocultos.
* Ubicación y accesorios: Piense en la configuración típica del cine negro:
* entornos urbanos: Callejones oscuros, calles con poca luz, bares ahumados, ventanas de apartamentos con vistas a la ciudad.
* interiores: Hoteles de rayas, oficinas desordenadas, lujosos áticos que esconden secretos oscuros.
* Props: Cigarrillos, fedoras, gabardinas, pistolas, periódicos, vasos de whisky, teléfonos rotativos, perlas, guantes.
* Material de referencia: Mira películas clásicas de cine noir como:
* * El Halcón maltés * (1941)
* * Doble indemnización * (1944)
* * The Big Sleep * (1946)
* * Fuera del pasado * (1947)
* * Touch of Evil * (1958)
* Presta atención a los arquetipos de iluminación, composición y personajes.
2. La iluminación es clave:
* Luz dura y sombras fuertes: Este es el aspecto más importante. Film Noir se caracteriza por un alto contraste.
* Fuente de luz única: A menudo, se usa una sola fuente de luz potente para crear sombras dramáticas. Una luz dura (fuente de luz pequeña) arrojará sombras afiladas y definidas.
* Colocación: Experimente con la fuente de luz:
* arriba: Crea sombras dramáticas debajo de los ojos y la nariz, lo que se suma al misterio.
* A un lado: Destaca un lado de la cara mientras deja al otro en una sombra profunda. Esto es excelente para crear una sensación de dualidad.
* Abajo (raro, pero efectivo): Puede crear un aspecto siniestro o inquietante.
* Use una cuadrícula o un snoot: Estos modificadores de luz reducen el haz de luz, lo que le permite controlar exactamente dónde cae la luz y evitar el derrame.
* Pegadas de ventana/persianas venecianas: Lanza sombras estampadas icónicas sobre el sujeto y el fondo. Puede lograr esto con persianas reales o crear el efecto con recortes de cartón y su fuente de luz.
* Modificadores de luz (evite la difusión):
* Puertas de granero: Controle el derrame de la luz.
* flags (gobo): Bloquee la luz al golpear ciertas áreas, creando sombras más profundas.
* Antecedentes: Los fondos oscuros o negros son comunes, pero un fondo sugerente con poca luz también puede funcionar.
3. Configuración y composición de la cámara:
* elección de la lente: Una lente estándar o ligeramente más ancha (equivalente de 35 mm o 50 mm) es a menudo una buena opción. Las lentes más anchas pueden enfatizar el entorno, mientras que las lentes más largas pueden comprimir la escena.
* Aperture: Una apertura moderada (f/2.8 - f/5.6) le dará suficiente profundidad de campo para mantener el sujeto agudo mientras bordea ligeramente el fondo. Detenerse aún más puede aumentar la nitidez a lo largo de la escena, pero es posible que necesite más luz.
* ISO: Mantenga ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido.
* Velocidad de obturación: Ajuste para lograr una exposición adecuada, teniendo en cuenta que probablemente use un trípode debido a la baja luz.
* Composición:
* ángulos: Experimente con ángulos altos (mirando hacia abajo en el sujeto para que parezcan vulnerables) o ángulos bajos (mirando hacia arriba para que parezcan potentes).
* Enmarcado: Use elementos en el entorno para enmarcar su sujeto (por ejemplo, puertas, ventanas).
* Regla de los tercios: Considere la regla de los tercios, pero no tenga miedo de romperla. A veces, centrar el sujeto puede crear una imagen más impactante e inquietante.
* Espacio negativo: Use espacio vacío para crear una sensación de aislamiento o inquietud.
4. Posación y expresión:
* lenguaje corporal: Las poses sutiles a menudo son más efectivas. Pensar en:
* ángulo de hombro: La inclinación de los hombros puede transmitir incertidumbre o vulnerabilidad.
* Colocación de la mano: Las manos pueden ser expresivas. Sostener un cigarrillo, apretar un puño o descansar una mano sobre una pistola puede agregar a la narrativa.
* Postura: El encorvado puede indicar la desesperación, mientras que de pie puede sugerir desafío.
* Expresión facial:
* Boca ligeramente aparte: Una apertura sutil de la boca puede agregar un toque de vulnerabilidad o sorpresa.
* Ojos: Los ojos son cruciales. Practica transmitir emociones como:
* Desmiraje
* Sospecha
* Miedo
* Seducción
* Dolor
* Evite la actuación exagerada: La sutileza es clave. Un ligero surco de la ceja o un labio desactivado puede ser más efectivo que una mueca dramática.
* Práctica: Trabaje con su modelo para encontrar poses y expresiones que se sientan auténticas para el personaje que está tratando de crear.
5. Armario y estilo:
* atuendo clásico de cine negro:
* Hombres: Caídas de zanjas, sombrerías, trajes (a menudo con rayas), camisas oscuras, corbatas, sombreros, cuadrados de bolsillo.
* Mujeres: Vestidos elegantes (a menudo ajustados), abrigos de piel, perlas, guantes, sombreros con velos, lápiz labial oscuro.
* Paleta de colores: Pegue a los colores apagados. Negro, blanco, gris y tonos de marrón dominan. Un toque de rojo (por ejemplo, lápiz labial o una rosa) puede agregar un acento dramático.
* maquillaje:
* Mujeres: Piel pálida, lápiz labial oscuro (generalmente mate), cejas definidas, ojos ahumados, rímel pesado.
* Hombres: Un toque de maquillaje para eliminar el brillo e incluso el tono de piel. La sombra de las cinco en punto puede aumentar el aspecto del "tipo duro".
* cabello: Peinados clásicos de los años 1940 y 50.
6. Consideraciones de tiro:
* Dispara en Raw: Esto le brinda la máxima flexibilidad en el postprocesamiento.
* trípode: Use un trípode para mantener sus disparos afilados, especialmente con poca luz.
* Liberación de obturador remoto: Minimiza el batido de la cámara.
* Experimento! Pruebe diferentes ángulos, configuraciones de iluminación y poses. No tengas miedo de romper las reglas.
7. Postprocesamiento:
* Conversión en blanco y negro: La piedra angular del cine negro mira. Use un convertidor RAW (como Adobe Camera Raw o Capture One) o un complemento B&W dedicado (como Silver Efex Pro).
* Contrast: Aumente el contraste para mejorar el drama.
* niveles/curvas: Atrae el rango tonal para crear negros profundos y reflejos brillantes.
* Dodge &Burn: Esta es una técnica poderosa para aligerar y oscurecer selectivamente áreas de la imagen. Úselo para:
* Mejora las sombras y los reflejos.
* Esculpe la cara.
* Vuelva a llamar la atención a las áreas específicas de la imagen.
* Grain/Noise: Agregar una cantidad sutil de grano puede darle a la imagen una sensación más cinematográfica.
* afilado: Afídate cuidadosamente para evitar crear bordes duros.
* viñeta sutil: Una ligera viñeta puede atraer el ojo del espectador al centro de la imagen.
* Calificación de color (opcional): Si bien el cine negro es principalmente en blanco y negro, puede agregar un tinte sutil de sepia, azul o verde para crear un estado de ánimo específico. Muy sutil es clave.
* retoque:
* Eliminar las imperfecciones o imperfecciones de distracción.
* Aflúe la piel (pero no exagere, desea mantener algo de textura).
* Mejora los ojos.
Takeaways de teclas:
* La luz es el rey: Maestro de luz dura y sombra.
* Cuente una historia: La imagen debe insinuar una narración más profunda.
* Subtlety es tu amigo: Evite la actuación y los efectos exagerados.
* Práctica y experimento: La mejor manera de aprender es probar diferentes técnicas y ver qué funciona para usted.
* Estudia los maestros: Analice películas y fotografías clásicas de cine negro para comprender lo que los hace tan efectivos.
Al combinar estos elementos, puede crear impresionantes retratos de cine negro de Hollywood que capturan la esencia de este género icónico. ¡Buena suerte!