Comprender mi filosofía (o "¿Por qué estoy haciendo esto?")
Antes de recoger mi cámara, me pregunto: ¿Qué historia quiero contar? Los retratos son más que solo caras; Se trata de capturar la personalidad, el estado de ánimo y una visión de la vida de alguien. ¿Quiero transmitir fuerza, vulnerabilidad, alegría, introspección o algo completamente diferente? Esto guía todo lo que hago.
1. El sujeto:conectar y colaborar
* La conversación es clave: Paso tiempo hablando con mi tema * antes de * disparar. Esto les ayuda a relajarse, comprender mi visión y me permite aprender sobre ellos. Podría preguntar sobre sus pasatiempos, pasiones o lo que los hace sentir más cómodos. Conocer estas cosas informa la pose, el entorno y el estado de ánimo general.
* Construyendo confianza: Las sesiones de retratos pueden sentirse vulnerables. Quiero que mi sujeto se sienta seguro y confíe en que los representaré de una manera positiva y auténtica. Dar una dirección clara y retroalimentación positiva es crucial.
* colaboración, no dictado: No solo les estoy diciendo qué hacer; Estoy colaborando. Les animo a ofrecer sugerencias e incorporar su personalidad. Si tienen una pose o expresión de firma, quiero capturar eso.
2. Luz:el escultor de la imagen
* Comprender las cualidades de la luz: La luz lo es todo en la fotografía. Pienso en:
* Dirección: ¿De dónde viene la luz? La iluminación delantera puede ser plana, la iluminación lateral crea sombras y profundidad, la luz de fondo puede ser dramática.
* intensidad: ¿Es la luz solar dura o la luz suave y difusa? La luz dura enfatiza las texturas, mientras que la luz suave minimiza las imperfecciones.
* Temperatura de color: ¿La luz es cálida (hora dorada) o fresca (sombra)? Esto afecta el estado de ánimo general y los tonos de piel.
* La luz natural es mi amigo (a menudo): A menudo prefiero la luz natural, especialmente en las "horas doradas" (poco después del amanecer y antes del atardecer). Es halagador y crea hermosos tonos. Busco sombra abierta o uso difusores (como un scrim o incluso una lámina blanca delgada) para suavizar la luz.
* Luz artificial (cuando sea necesario): Si estoy filmando en el interior o por la noche, uso fuentes de luz artificial. Podría usar una luz de velocidad (flash en la cámara) con un difusor o una luz estroboscópica fuera de la cámara con un modificador (softbox, paraguas, etc.) para dar forma a la luz. Tengo cuidado de evitar el flash duro y directo, lo que puede ser poco halagador.
* Prestando atención a las sombras: Las sombras agregan profundidad y dimensión. Considero dónde caen las sombras y cómo afectan la cara del sujeto. A veces, uso un reflector para rebotar la luz en las sombras y alegrarlas.
3. Composición:dirigir el ojo
* Regla de los tercios: A menudo uso la regla de los tercios, colocando los ojos del sujeto o las características clave a lo largo de las líneas de intersección de una cuadrícula.
* Líneas principales: Busco líneas en el entorno que atraigan el ojo del espectador hacia el tema.
* Espacio negativo: El espacio vacío alrededor del sujeto puede ser tan importante como el sujeto mismo. Puede crear una sensación de equilibrio, aislamiento o libertad.
* Enmarcado: Uso de elementos en el entorno (árboles, puertas, etc.) para enmarcar el sujeto y llamar la atención sobre ellos.
* Contacto visual (o falta de ella): El contacto visual directo crea una conexión con el espectador. Mirar hacia otro lado puede crear una sensación de misterio o introspección.
* ángulos y perspectiva: Disparar desde un ángulo ligeramente más alto puede ser halagador (a menudo corta la cara). Disparar desde un ángulo bajo puede transmitir potencia o dominio.
4. Configuración y equipo (las cosas técnicas)
* Aperture: Por lo general, disparo con una amplia apertura (f/2.8, f/1.8, o incluso más ancha, dependiendo de la lente) para crear una profundidad de campo poco profunda y difuminar el fondo. Esto ayuda a aislar el sujeto y llamar la atención sobre ellos.
* Velocidad de obturación: Ajusto la velocidad del obturador para obtener una exposición adecuada mientras evito el desenfoque de movimiento. Por lo general, busco una velocidad de obturación que sea al menos 1/distancia focal (por ejemplo, 1/50 de segundo para una lente de 50 mm). Si el sujeto se mueve, usaré una velocidad de obturación más rápida.
* ISO: Mantengo el ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido (grano). Solo aumentaré el ISO si necesito lograr una velocidad de obturación más rápida o una apertura más amplia.
* elección de la lente: Prefiero lentes Prime (lentes con una distancia focal fija) para los retratos porque a menudo son más nítidos y tienen aperturas más amplias. Mis lentes de referencia son a menudo de 50 mm y 85 mm. El 85 mm es mi favorito, ya que me permite estar más lejos de mi tema, lo que hace que algunas personas se sientan más cómodas.
* Cuerpo de cámara: Una cámara de fotograma completo generalmente produce el mejor resultado debido a su alta calidad de imagen y su gran rendimiento en entornos de poca luz, pero esto no es una necesidad. Un cuerpo de cámara con buen rango dinámico es muy importante, ya que esto le permitirá recuperar información de los reflejos o sombras trituradas en la postproducción, en caso de que accidentalmente sobreexponga o subexponga su imagen.
* enfocando: El enfoque preciso es crucial. Utilizo enfoque automático de un solo punto y me concentro en el ojo del sujeto que está más cerca de la cámara.
5. Posar:guía, no forzar
* Natural y cómodo: Apunto a las poses que se sienten naturales y cómodas para el tema. Evito posturas rígidas o forzadas.
* Ajustes sutiles: Pequeños ajustes pueden marcar una gran diferencia. Podría pedirles que inclinen la cabeza ligeramente, cambien su peso o relajen sus hombros.
* manos: ¡Presta atención a las manos! Pueden ser expresivos, pero también pueden parecer incómodos si no se colocan bien. Podría hacer que sostengan algo, descansen en su regazo o tocen suavemente su rostro.
* Experimentación: Animo al sujeto a probar diferentes poses y expresiones. Podríamos comenzar con una pose clásica y luego experimentar con algo más creativo.
* se rompe: ¡Toma descansos! Posar puede ser agotador. Es importante darle al tema la oportunidad de relajarse y recargarse.
6. Edición (postprocesamiento):mejora, no abrumadora
* Mi estilo: Mi estilo de edición es generalmente limpio y natural. Quiero mejorar la imagen sin que se vea demasiado procesado.
* Software: Utilizo Adobe Lightroom y/o Photoshop para editar.
* Ajustes básicos: Comienzo con ajustes básicos como exposición, contraste, reflejos, sombras, blancos y negros.
* Corrección de color: Ajusto el equilibrio de blancos y los tonos de color para crear un aspecto general agradable.
* retoque: Hago un retoque mínimo, centrándome en eliminar imperfecciones y distracciones. Quiero preservar la textura natural de la piel del sujeto.
* afilado: Agrego un toque de afilado para mejorar los detalles.
* Curting: Podría recortar la imagen para mejorar la composición.
* Presets: A menudo uso presets personalizados para acelerar mi flujo de trabajo y mantener una mirada constante en mis imágenes.
7. Práctica y experimentación:el viaje interminable
* dispara regularmente: Cuanto más dispares, mejor te volverás.
* Experimente con diferentes técnicas: Pruebe diferentes configuraciones de iluminación, técnicas de posar y estilos de edición.
* Estudie el trabajo de otros fotógrafos: Mire el trabajo de los fotógrafos que admira y analiza lo que hace que sus imágenes sean tan convincentes.
* Obtener comentarios: Comparta su trabajo con los demás y solicite críticas constructivas.
* No tengas miedo de fallar: No todos los disparos serán una obra maestra. Aprende de tus errores y sigue presionando para mejorar.
Escenario de ejemplo:"Cómo obtuve la toma"
sujeto: Un joven músico, un cantante y compositor.
Mi visión: Quería capturar su espíritu conmovedor y su pasión por la música.
La configuración:
* Ubicación: Un espacio loft bañado por el sol con ladrillo expuesto y grandes ventanas.
* Light: La luz solar suave y difusa que viene a través de las ventanas.
* Gear: Canon 5D Mark IV, lente de 85 mm f/1.4.
* Configuración: f/2, 1/200th de un segundo, ISO 200.
El proceso:
1. Conversación: Hablé con ella sobre su música, sus inspiraciones y sus sueños. Aprendí que era una persona muy introspectiva y expresiva.
2. Posando: Le pedí que se sentara junto a la ventana con su guitarra. La animé a cerrar los ojos e imaginarse actuando en el escenario. Hice ajustes sutiles a su postura y colocación de la mano.
3. disparando: Tomé una serie de tomas desde diferentes ángulos, enfocándome en su rostro y manos. Presté mucha atención a la luz y las sombras.
4. Edición: Usé Lightroom para ajustar la exposición, el contraste y los tonos de color. Agregué un toque de calor a la imagen para crear una sensación más acogedora. Hice un retoque mínimo para eliminar algunas imperfecciones.
El resultado: Un retrato que capturó su espíritu conmovedor y su pasión por la música. La luz suave, la expresión reflexiva y la guitarra contribuyeron a contar su historia.
Takeaways de teclas:
* La conexión es primordial. Una conexión genuina con su sujeto se traducirá en un retrato más auténtico y convincente.
* La luz es tu herramienta más potente. Aprende a ver la luz y úsala para tu ventaja.
* La composición es importante. Use los elementos de composición para guiar el ojo del espectador y crear una imagen equilibrada y visualmente atractiva.
* posar se trata de guiar, no forzar. Ayuda a que tu sujeto se sienta cómodo y seguro.
* La edición se trata de mejorar, no abrumarse. Preserva la autenticidad de la imagen.
* La práctica hace perfecta. Cuanto más dispares, mejor te volverás.
Esta es una descripción completa, pero cada sesión de retratos es única. La clave es ser adaptable, creativa y siempre aprendiendo. ¡Buena suerte!