i. Planificación y preparación:la base de la creatividad
1. Defina su visión (lluvia de ideas y desarrollo de conceptos):
* ¿Qué historia quieres contar? Este es el paso más crucial. ¿Estás transmitiendo fuerza, vulnerabilidad, misterio, alegría o algo completamente diferente? Escríbelo.
* Estado de ánimo y atmósfera: ¿Cómo quieres que el espectador * se sienta * cuando miran la imagen? ¿Oscuro y malhumorado? ¿Brillante y aireado? ¿Etéreo?
* elementos clave: Anote las palabras clave o frases relacionadas con su visión. Piense:"soñador, surrealista, flotante, nostálgico, vintage, futurista, poderoso, introspectivo".
* Inspiración: Mire el trabajo de otros fotógrafos (¡pero no copie!). Pinterest, Instagram, libros de fotografía y galerías de arte son grandes recursos. Presta atención a:
* Estilos de iluminación: ¿Cómo se usa la luz? Sombras duras? ¿Glow suave?
* posando: ¿La pose es natural o estilizada? ¿Qué se comunica la pose?
* paletas de colores: ¿Qué colores se usan y cómo funcionan juntos?
* Composición: ¿Cómo se organizan los elementos en el marco?
* accesorios y armario: ¿Cómo mejoran estos elementos la historia?
* Bosquejo/tabla de ánimo: Crear una representación visual de sus ideas es inmensamente útil. Un tablero de ánimo puede incluir imágenes, colores, texturas y cualquier otra cosa que lo inspire. Los bocetos ayudan a visualizar la pose, la iluminación y la composición.
* No tengas miedo de experimentar: Deja que tu imaginación se vuelva loca en esta etapa. Ninguna idea es demasiado loca.
2. Selección del modelo (si corresponde):
* Haga coincidir el modelo con su visión: Considere su aspecto, personalidad y disposición para experimentar. Alguien que sea tímido podría no ser la mejor opción para un concepto audaz y dramático.
* Comunique su visión claramente: Comparta su tablero de ánimo e ideas con el modelo. Asegúrese de que comprendan el concepto y se sientan cómodos con él. Obtenga su opinión y sugerencias:¡la colaboración es clave!
* Considere el nivel de experiencia: Un modelo menos experimentado puede necesitar más orientación y paciencia.
* Libraciones: Si planea vender o usar comercialmente las imágenes, tenga un formulario de lanzamiento del modelo firmado.
3. CONFIGURACIÓN DE SEPORTO/ESTUDIO:
* Ubicación:
* Considere el telón de fondo: ¿La ubicación complementa su visión? Un edificio desmoronado puede ser perfecto para un aspecto grunge, mientras que un exuberante jardín podría mejorar una sensación soñadora y romántica.
* Iluminación: Evaluar la luz natural en diferentes momentos del día. La hora dorada (la hora después del amanecer y la hora antes del atardecer) a menudo es ideal para retratos.
* Permisos: Si dispara en propiedad privada, obtenga permiso de antemano.
* Studio:
* Antecedentes: Elija un telón de fondo que se alinee con su concepto. El papel sin costuras, la tela o incluso una pared pintada puede funcionar.
* espacio: Asegúrese de tener suficiente espacio para moverse y colocar sus luces.
4. Armario y accesorios:
* Armario:
* estilo: Elija ropa que coincida con el estado de ánimo y el tema. Vintage, moderno, elegante, casual:las posibilidades son infinitas.
* Color: Considere la paleta de colores y cómo interactuará con el fondo y la iluminación.
* Fit: Asegúrese de que la ropa se adapte bien al modelo. La ropa mal ajustada puede distraer.
* Props:
* Propósito: Los accesorios deberían mejorar la historia, no distraer de ella.
* Relevancia: Elija accesorios que sean relevantes para el tema y el carácter. Las flores, los libros, las máscaras y los objetos inusuales pueden agregar interés visual.
* Seguridad: Asegúrese de que los accesorios que use sean seguros para que el modelo maneje.
5. Plan de iluminación:
* Luz natural:
* Dirección: Preste atención a la dirección de la luz solar y cómo afecta las sombras y los reflejos.
* Difusión: Use difusores (como tela o reflectores translúcidos) para suavizar la luz y reducir las sombras duras.
* reflectores: Use reflectores para recuperar la luz sobre el modelo y complete las sombras. Los reflectores blancos o plateados iluminan la imagen, mientras que los reflectores de oro agregan calidez.
* Luz artificial:
* Modificadores: Use softboxes, paraguas y platos de belleza para dar forma y controlar la luz.
* Colocación de luz: Experimente con diferentes posiciones de luz para crear diferentes efectos. La luz clave, la luz de relleno, la luz de borde y la luz de fondo son configuraciones comunes.
* geles de color: Use geles de colores para agregar efectos dramáticos a la iluminación.
* Experimento: No tenga miedo de probar diferentes configuraciones de iluminación para ver qué funciona mejor para su visión.
ii. La sesión:dar vida a tu visión
1. La comunicación es clave:
* Explica tu visión de nuevo: Antes de comenzar a disparar, recuerde al modelo el concepto y lo que está tratando de lograr.
* Dé una dirección clara: Proporcione instrucciones específicas sobre pose, expresiones y movimientos.
* Proporcione comentarios positivos: Fomente el modelo y hazles saber lo que están haciendo bien.
* Escuche su entrada: Esté abierto a sugerencias e ideas del modelo.
2. Posando:
* Comience con poses básicas: Comience con posturas simples y cómodas y se avance gradualmente hasta las más complejas.
* Presta atención a los detalles: Incluso pequeños ajustes en las manos, la cabeza y el cuerpo pueden marcar una gran diferencia.
* ángulos: Experimente con diferentes ángulos para ver qué es más halagador para el modelo y qué transmite mejor su visión.
* Guía, no dicte: Ayude al modelo a encontrar posturas de aspecto natural, en lugar de forzarlas en posiciones antinaturales.
* se rompe: Dé al modelo descansos regulares para relajarse y actualizar.
3. Configuración de la cámara:
* Aperture: Use una apertura amplia (por ejemplo, f/1.8, f/2.8) para una profundidad de campo poco profunda y un fondo borrosa. Use una apertura más estrecha (por ejemplo, f/8, f/11) para una mayor profundidad de campo y un fondo más nítido.
* Velocidad de obturación: Use una velocidad de obturación que sea lo suficientemente rápida como para evitar el desenfoque de movimiento. En general, 1/distancia focal (por ejemplo, 1/50 de segundo para una lente de 50 mm) es un buen punto de partida. Si usa flash, la velocidad de sincronización es importante.
* ISO: Mantenga el ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido. Aumente el ISO solo cuando sea necesario para mantener una exposición adecuada.
* Balance de blancos: Establezca el equilibrio de blancos de acuerdo con las condiciones de iluminación (por ejemplo, luz del día, nublado, tungsteno). También puede ajustar el balance de blancos en el procesamiento posterior.
* Dispara en Raw: Los archivos sin procesar contienen más información que los archivos JPEG, lo que le brinda más flexibilidad en el procesamiento posterior.
4. Composición:
* Regla de los tercios: Divida el marco en nueve partes iguales y coloque elementos clave a lo largo de las líneas o en las intersecciones.
* Líneas principales: Use líneas para dibujar el ojo del espectador en la imagen.
* Espacio negativo: Use espacio vacío para crear una sensación de equilibrio e interés visual.
* Enmarcado: Use elementos naturales o artificiales para enmarcar el tema.
* ángulos: Experimente con diferentes ángulos y perspectivas para crear una composición más dinámica.
* Rompe las reglas: Una vez que comprenda las reglas de composición, no tenga miedo de romperlas.
5. Enfoque:
* Enfoque agudo en los ojos: Los ojos son la ventana del alma, así que asegúrese de que estén enfocados.
* Modo de enfoque: Use el enfoque automático de un solo punto (AF-S o One-Shot) para sujetos estacionarios y el enfoque automático continuo (AF-C o AI Servo) para sujetos móviles.
* Enfoque manual: Considere usar el enfoque manual para un mayor control, especialmente en condiciones de iluminación desafiantes o cuando dispare con una profundidad de campo poco profunda.
6. Experimente y diviértete!
* No tengas miedo de probar cosas nuevas: Experimente con diferentes poses, configuraciones de iluminación y composiciones.
* Confía en tu intuición: Si algo se siente bien, ve con eso.
* Relájate y disfruta del proceso: Cuanto más relajado sea, más creativo será.
iii. Postprocesamiento:refinando su visión
1. Software:
* Adobe Photoshop: El estándar de la industria para la edición de imágenes.
* Adobe Lightroom: Una herramienta poderosa para organizar, editar y procesar fotos.
* Capture One: Otra opción popular para fotógrafos profesionales.
* gimp (gratis): Una alternativa gratuita y de código abierto a Photoshop.
2. Ajustes básicos:
* Exposición: Ajuste el brillo general de la imagen.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre las áreas claras y oscuras.
* destacados: Ajuste el brillo de las áreas más brillantes.
* sombras: Ajuste el brillo de las áreas más oscuras.
* blancos: Establezca el punto blanco.
* NEGROS: Establezca el punto negro.
* Balance de blancos: Ajuste la temperatura de color y el tinte.
3. Corrección de color:
* saturación: Ajuste la intensidad de los colores.
* Vibrancia: Ajuste la intensidad de los colores más apagados.
* tono: Ajuste el color en sí (por ejemplo, cambie un azul a un cian).
* Calificación de color: Agregue un reparto de color específico (tono) a la imagen, creando un estado de ánimo o una estética específica.
4. retoque:
* suavizado de la piel: Reduce las imperfecciones y las arrugas. Ser sutil; El retroceso excesivo puede hacer que el sujeto parezca antinatural.
* esquivar y quemar: Aligere y oscurece áreas específicas para mejorar los reflejos y las sombras.
* Mejora ocular: Afila los ojos y agregue un poco de brillo.
* Separación de frecuencia: Una técnica más avanzada para el retoque de la piel que separa la información de textura y color.
5. Efectos creativos:
* Filtros: Agregue filtros para crear un estado de ánimo o estética específica.
* texturas: Texturas de superposición para agregar interés visual.
* Doble exposición: Combine dos o más imágenes para crear un efecto surrealista.
* Color selectivo: Aislar ciertos colores mientras desaturan el resto de la imagen.
* deformación y distorsionamiento: Experimente con deformación y distorsionando la imagen para crear efectos abstractos.
6. Afilamiento:
* Afila la imagen: Aplique una pequeña cantidad de afilado para mejorar los detalles.
* Afilamiento de la salida: Afilar la imagen específicamente para la salida prevista (por ejemplo, web, impresión).
7. Guardar y exportar:
* Guarde una copia: Siempre guarde una copia de la imagen editada para que no sobrescriba el original.
* Formato de archivo: Guarde la imagen como un JPEG para uso web o como un TIFF para la impresión.
* Resolución: Exportar la imagen a la resolución apropiada para la salida prevista.
Takeaways para la fotografía creativa de retratos:
* El concepto es el rey: Un concepto fuerte es la base de cualquier retrato creativo exitoso.
* colaboración: Trabaje con su modelo y otros miembros del equipo (por ejemplo, maquillador, estilista) para dar vida a su visión.
* Experimentación: No tengas miedo de probar cosas nuevas y empujar tus límites creativos.
* Práctica: Cuanto más dispares, mejor te volverás.
* Encuentra tu estilo: Desarrolle un estilo único que refleje su personalidad y visión.
* Critica tu trabajo: Evalúe objetivamente sus imágenes e identifique áreas de mejora.
Siguiendo estos pasos y practicando regularmente, puede crear retratos creativos impresionantes y únicos que capturan su visión y cuenten historias convincentes. ¡Buena suerte!