i. Planificación y preparación (la base de la creatividad)
Esta es posiblemente la parte más crucial. Los retratos creativos a menudo requieren más pensamiento que los tradicionales.
1. Defina su concepto/tema:
* ¿Qué historia quieres contar? Piense en las emociones, las ideas o la narrativa que desea transmitir. ¿Es caprichoso, surrealista, vanguardista, de ensueño, poderoso, vulnerable, inspirado en vintage, futurista, etc.? Tener un concepto claro mantiene todo enfocado.
* Inspiración: Examine los libros de fotografía, revistas, sitios web (500px, Behance, Pinterest, Instagram) y Galeries de arte para inspiración. Pero no solo copie, úselo como trampolín para sus propias ideas. Además, considere mirar otras formas de arte como pintura, cine o incluso música.
* público objetivo (opcional): Si esto es para un proyecto específico, considere a quién está tratando de comunicarse.
2. Selección y colaboración del modelo:
* El ajuste correcto: Elija un modelo cuyo aspecto, personalidad y experiencia se alineen con su concepto. ¡No tengas miedo de lanzar modelos no convencionales!
* Comunica tu visión: Explique claramente su concepto, tablero de ánimo y poses esperadas para el modelo. Discuta el vestuario, el maquillaje y el cabello. Cuanto más comprenda su modelo, mejor puede encarnarlo.
* Lanzamiento del modelo: Si tiene la intención de usar las imágenes con fines comerciales (vender impresiones, publicidad, etc.), obtenga un formulario de lanzamiento de modelo firmado.
* colaboración: Anime al modelo a contribuir con sus propias ideas. El retrato es a menudo un proceso de colaboración.
3. Lugar exploración y selección:
* coincide con el tema: La ubicación debe complementar su concepto. Considere entornos urbanos, paisajes naturales, áreas industriales, interiores únicos o incluso un estudio.
* Consideraciones de iluminación: Observe la luz en diferentes momentos del día en su ubicación elegida. ¿Cómo interactúa la luz con los alrededores? ¿Necesitarás complementar con luz artificial?
* Permiso y permisos: Si dispara en propiedad privada o en un espacio público que requiere un permiso, obtenga los permisos necesarios por adelantado.
* fondos (estudio): Si se dispara en un estudio, considere usar fondos texturizados, papel de color o tela para agregar profundidad e interés visual.
4. Armario, cabello y maquillaje:
* Alineación de conceptos: El armario debe elegirse cuidadosamente para apoyar el concepto. Considere paletas de colores, telas, texturas y estilos.
* Ayuda profesional: Si es posible, contrate a un maquillador profesional (MUA) y estilista. Pueden elevar el aspecto y asegurarse de que complementa la iluminación y la estética general.
* Opciones de bricolaje: Si tiene un presupuesto, investigue los tutoriales de maquillaje y cabello que coincidan con su aspecto deseado. Considere que el modelo haga su propio maquillaje con orientación.
* Los detalles son importantes: Preste atención a los accesorios, joyas e incluso esmalte de uñas. Estos pequeños detalles pueden aumentar el impacto general.
5. Plan de iluminación:
* Luz natural: Use reflectores para rebotar la luz y complete las sombras. Considere usar difusores para suavizar la luz solar severa. La hora dorada (poco después del amanecer y antes del atardecer) proporciona luz cálida y halagadora. Los días nublados ofrecen iluminación suave, uniforme.
* Luz artificial (estudio/en ubicación):
* estroboscópicos/flashes: Proporcionar luz potente y controlable. Use modificadores como softboxes, paraguas, platos de belleza y cuadrículas para dar forma a la luz.
* Iluminación continua (LED, etc.): Más fácil de ver el efecto de la luz en tiempo real.
* Ratios de iluminación: Experimente con diferentes relaciones de iluminación para crear estado de ánimo y profundidad. Una relación más alta (más contraste) puede crear un aspecto dramático, mientras que una relación más baja (menos contraste) puede crear un aspecto más suave.
* geles de color: Use geles de colores para agregar moldes de colores creativos y estado de ánimo a su configuración de iluminación.
6. Props y accesorios:
* Adiciones significativas: Los accesorios deberían mejorar la historia y no distraer del sujeto.
* Elementos conceptuales: Piense más allá de lo obvio. Considere usar objetos que representen la personalidad, los sueños o las luchas del modelo.
* accesorios de bricolaje: Sea creativo y haga sus propios accesorios. Esto puede agregar un toque único y personal a sus imágenes.
7. Tablero de ánimo:
* Guía visual: Cree un tablero de ánimo con imágenes inspiradoras, paletas de colores, ideas de vestuario y pose de referencias. Comparta esto con su modelo, MUA y estilista. Pinterest es una gran herramienta para esto.
ii. Disparando (capturando la magia)
1. Configuración de la cámara:
* Aperture: Elija una apertura que cree la profundidad de campo deseada. Una abertura amplia (por ejemplo, f/1.8, f/2.8) creará una profundidad de campo poco profunda, difuminará el fondo y aislando el sujeto. Una apertura más pequeña (por ejemplo, f/8, f/11) creará una mayor profundidad de campo, manteniendo más de la imagen en foco.
* Velocidad de obturación: Use una velocidad de obturación que sea lo suficientemente rápida como para evitar el desenfoque de movimiento. Como regla general, use una velocidad de obturación que sea al menos la inversa de su distancia focal (por ejemplo, si está utilizando una lente de 50 mm, use una velocidad de obturación de al menos 1/50 de segundo).
* ISO: Mantenga el ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido. Aumente el ISO solo cuando sea necesario para mantener una exposición adecuada.
* Balance de blancos: Establezca el balance de blancos para que coincida con las condiciones de iluminación. Use una configuración de balance de blancos personalizado para los colores más precisos.
* Modo de disparo: El modo de prioridad de apertura (AV o A) es una buena opción para la fotografía de retratos, ya que le permite controlar la profundidad de campo mientras la cámara ajusta automáticamente la velocidad del obturador. El modo manual (m) le brinda control total sobre todas las configuraciones.
* Modo de enfoque: Use el enfoque automático de un solo punto (AF-S o One-Shot) para sujetos estáticos y el enfoque automático continuo (AF-C o AI Servo) para sujetos móviles. Concéntrese en los ojos del sujeto.
2. Posación y expresión:
* Direct &Guide: Proporcione instrucciones de postura claras y concisas.
* poses naturales: Apunte a las poses que se vean naturales y cómodas. Evite posturas rígidas o incómodas.
* Experimentación: No tengas miedo de probar diferentes poses y ángulos.
* Conexión: Anime al modelo a conectarse con la cámara. Una expresión genuina puede marcar una gran diferencia.
* Rompiendo las reglas: Una vez que comprenda las "reglas" de posar, no dude en romperlos para crear imágenes más únicas y dinámicas. Considere ángulos inusuales, perspectivas y composiciones.
* Colocación de la mano: Presta atención a la colocación de la mano. Las manos pueden ser una distracción si no se plantean bien. Evite dejar que la modelo aplane sus manos contra su cuerpo, ya que esto puede hacer que parezcan más grandes.
* lenguaje corporal: Presta atención al lenguaje corporal del modelo. Anímelos a usar su cuerpo para transmitir emoción.
* Comunicación constante: Sigue hablando con tu modelo a lo largo de la sesión. Dales comentarios positivos y aliento.
3. Composición:
* Regla de los tercios: Divida el marco en tercios horizontal y verticalmente, y coloque elementos clave a lo largo de estas líneas o en sus intersecciones.
* Líneas principales: Use líneas para guiar el ojo del espectador al tema.
* Espacio negativo: Use espacio negativo (áreas vacías en el marco) para crear una sensación de equilibrio y llamar la atención sobre el tema.
* Enmarcado: Use elementos en la escena para enmarcar el tema. Esto puede agregar profundidad e interés visual.
* Simetría y patrones: Busque oportunidades para usar simetría y patrones en sus composiciones.
* Primer plano versus disparos anchos: Varíe sus composiciones tomando tiros de primer plano y tomas más amplias que muestren más del medio ambiente.
* Ángulo de visión: Experimente con diferentes ángulos de visión. Disparar desde un ángulo bajo puede hacer que el sujeto parezca poderoso, mientras que disparar desde un ángulo alto puede hacer que se vean vulnerables.
4. Técnicas creativas durante la sesión:
* Doble exposición: Combine dos o más imágenes en la cámara para crear un efecto surrealista.
* Lente Flare: Cree intencionalmente una bengala de lentes disparando hacia el sol.
* Motion Motion: Use una velocidad de obturación lenta para crear un desenfoque de movimiento.
* Enfoque selectivo: Use una abertura amplia para crear una profundidad de campo poco profunda y aislar el sujeto.
* Reflexiones: Use reflejos en espejos, agua u otras superficies para crear efectos interesantes.
* prismas: Sostenga un prisma frente a su lente para crear efectos de luz refractados.
* Filtros: Use filtros (por ejemplo, filtros ND, filtros de polarización, filtros de color) para alterar el aspecto de sus imágenes. También puede comprar filtros de efectos especiales.
5. La experimentación es clave:
* No tengas miedo de fallar: La fotografía creativa se trata de superar los límites y probar cosas nuevas. No todos los experimentos tendrán éxito, pero aprenderá de sus errores.
* Rompe las reglas: Una vez que comprenda las reglas básicas de la fotografía, no tenga miedo de romperlas para crear imágenes más únicas e interesantes.
iii. Postprocesamiento (mejora y refinación)
1. Software:
* Adobe Photoshop: El estándar de la industria para la edición de fotos.
* Adobe Lightroom: Excelente para organizar y editar grandes lotes de fotos.
* Capture One: Una alternativa popular a Lightroom, conocida por su representación de color.
* gimp (gratis): Un poderoso editor de imágenes de código abierto.
2. Ajustes básicos:
* Exposición: Ajuste el brillo general de la imagen.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre los reflejos y las sombras.
* Respalos y sombras: Recupere los detalles en los reflejos y las sombras.
* Blancos y negros: Establezca los puntos blancos y negros para maximizar el rango dinámico.
* Claridad: Agregar o reducir el contraste de tono medio.
* Vibrancia y saturación: Ajuste la intensidad de los colores.
* Balance de blancos: Atrae el balance de blancos para garantizar colores precisos.
3. retoque:
* retoque de piel:
* Separación de frecuencia: Una técnica popular para suavizar la piel mientras retiene la textura.
* Sello de cepillo de curación y clon: Retire las imperfecciones e imperfecciones.
* Dodge &Burn: Aligere y oscurece sutilmente las áreas para esculpir la cara y agregar dimensión.
* Mejora ocular: Afila los ojos y ilumine los blancos.
* Retoca el cabello: Retire los pelos parásitos y agregue volumen.
4. Ajustes creativos:
* Calificación de color: Use la calificación de color para crear un estado de ánimo o una atmósfera específica. Experimente con diferentes paletas de colores y tonos.
* Color selectivo: Aísle los colores específicos y ajuste su tono, saturación y luminancia.
* Agregar texturas y superposiciones: Agregue texturas y superposiciones para crear un aspecto más artístico.
* Filtros y presets: Use filtros y preajustes para aplicar rápidamente un aspecto específico. Sin embargo, tenga cuidado de no exagerar.
* Agregar grano: Agregue una pequeña cantidad de grano para darle a la imagen un aspecto similar a una película.
* Vignetting: Agregue una viñeta sutil para llamar la atención sobre el tema.
5. afilado:
* Afilamiento para la impresión vs. Web: Afilar la imagen adecuadamente para su uso previsto. Las imágenes que se imprimirán generalmente requieren más afilado que las imágenes que se verán en la web.
6. Salida:
* Formato de archivo: Guarde la imagen en el formato de archivo apropiado (por ejemplo, JPEG para Web, TIFF para la impresión).
* Resolución: Guarde la imagen en la resolución apropiada para su uso previsto.
* espacio de color: Guarde la imagen en el espacio de color apropiado (por ejemplo, SRGB para Web, Adobe RGB para la impresión).
Takeaways para la creatividad:
* Rompe las reglas, pero las conozca primero: Comprender los fundamentos le permite desviarse intencionalmente y efectivamente.
* Cuente una historia: Cada retrato creativo debe tener una narración, por sutil.
* Experimento: No tengas miedo de probar cosas nuevas. ¡Ahí es donde sucede la magia!
* Práctica: Cuanto más practiques, mejor será para ver y crear retratos creativos.
* Critica tu propio trabajo: Analice sus imágenes e identifique las áreas de mejora.
* Encuentra tu estilo: No tengas miedo de desarrollar tu propio estilo único. Esto lleva tiempo, pero es lo que te distinguirá.
* Mantente inspirado: Sigue mirando el trabajo de otros fotógrafos y mantente curioso.
Siguiendo estos pasos y explorando continuamente su visión creativa, puede crear una fotografía de retratos impresionante y memorable que se destaque entre la multitud. ¡Buena suerte y diviértete!