Fase 1:Conceptualización y planificación
1. Defina su visión (el "por qué"):
* ¿Qué quieres transmitir? Piense en la emoción, la historia o el mensaje que desea que el retrato se comunique. ¿Es empoderamiento, vulnerabilidad, misterio, alegría o algo más?
* ¿Qué hace que este retrato *creativo *? Aquí es donde te mueves más allá de un tiro en la cabeza estándar. Considerar:
* Concepto: ¿Hay un elemento narrativo? ¿Un significado simbólico?
* estilo: ¿A qué estilo visual estás apuntando? (por ejemplo, soñador, surrealista, de alto contraste, vintage, minimalista)
* Técnica: ¿Utilizará una iluminación, composición, accesorios o postprocesamiento únicos?
2. Brainstorm &Research:
* Tablero de ánimo: Cree una colección visual de imágenes, colores, texturas y otros elementos que resuenen con su visión. Pinterest, Instagram y las revistas son excelentes fuentes. Esto le ayuda a solidificar el estado de ánimo y la atmósfera que desea crear.
* Inspiración: Mira el trabajo de otros fotógrafos de retratos que admiras. Analice lo que hace que su trabajo sea convincente. No copie, pero deje que inspire sus propias ideas. Considerar:
* Fotografía de bellas artes
* Fotografía de moda
* surrealismo
* Fotografía abstracta
* escríbalo: Documente sus ideas en un cuaderno o documento digital. Incluir:
* El concepto central
* Palabras clave: Palabras que describen el estado de ánimo y el estilo
* Elementos visuales: Colores, texturas, accesorios, configuración, iluminación
* El papel del modelo: Pose, expresión y cómo encajan en el concepto
3. Selección y colaboración del modelo:
* Encuentra la cara correcta (y actitud): Elija un modelo cuyo aspecto y personalidad se alineen con su visión. A veces, un modelo no tradicional puede ser más impactante.
* Discuta el concepto: Comunique claramente su idea al modelo. Obtenga su opinión y asegúrese de que comprendan el estado de ánimo y la historia que está tratando de contar. La colaboración es clave.
* Armario y estilo: Decida la ropa, el cabello y el maquillaje que mejor apoye su concepto. Considerar:
* Paleta de colores: ¿Complementa el entorno y el estado de ánimo?
* textura: ¿La tela agrega interés?
* silueta: ¿La forma de la ropa mejora la pose?
* maquillaje: Piense en si necesita maquillaje natural, dramático o estilizado.
4. Localización de exploración y configuración:
* Ubicación: Elija una ubicación que complemente su concepto. Podría ser un estudio, un entorno al aire libre o un espacio interior interesante. Considerar:
* Luz natural: ¿Cómo cae la luz en diferentes momentos del día?
* Antecedentes: ¿Distrae o mejora el retrato?
* Accesibilidad: ¿Es fácil llegar y configurar equipos?
* Configuración de estudio (si corresponde):
* telón de fondo: Elija un papel sin costura, tela o telón de fondo pintado.
* Iluminación: Planifique su configuración de iluminación (ver más a continuación).
* Props: Reúna cualquier accesorio que necesitará.
Fase 2:disparos e iluminación
1. Configuración de la cámara:
* Aperture: La apertura controla la profundidad de campo.
* Apertura ancha (por ejemplo, f/1.4, f/2.8): Crea una profundidad de campo poco profunda, difuminando el fondo y aislando el tema. Bueno para retratos de ensueño y artísticos.
* apertura estrecha (por ejemplo, f/8, f/11): Crea una mayor profundidad de campo, manteniendo más de la imagen enfocada. Bueno para retratos ambientales.
* ISO: Mantenga ISO lo más bajo posible para minimizar el ruido. Aumente solo cuando sea necesario en situaciones de poca luz.
* Velocidad de obturación: Asegúrese de que su velocidad de obturación sea lo suficientemente rápida como para evitar el desenfoque de movimiento (especialmente si el modelo se mueve o si está disparando a mano). Una regla general es 1/distancia focal (por ejemplo, 1/50 de segundo para una lente de 50 mm).
* Modo de disparo:
* Prioridad de apertura (AV o A): Usted controla la apertura y la cámara selecciona automáticamente la velocidad del obturador. Bueno para controlar la profundidad de campo.
* manual (m): Controlas tanto la apertura como la velocidad del obturador. Te da el mayor control sobre la exposición.
* RAW: Dispara en formato sin procesar para preservar la mayor cantidad de datos de imagen para el postprocesamiento.
2. Composición y posando:
* Regla de los tercios: Divida el marco en nueve partes iguales con dos líneas horizontales y dos verticales. Coloque elementos clave a lo largo de estas líneas o en las intersecciones.
* Líneas principales: Use líneas en la escena para atraer el ojo del espectador al tema.
* Enmarcado: Use elementos en la escena para enmarcar el tema, agregando profundidad e interés.
* posando: Guía el modelo con instrucciones claras. Considerar:
* lenguaje corporal: ¿Cómo transmite la pose la emoción deseada?
* Colocación de la mano: Preste atención al posicionamiento de la mano para evitar la incomodidad.
* Expresión facial: Fomentar expresiones naturales y genuinas.
* Movimiento: Experimente con movimientos sutiles para agregar dinamismo.
* ángulos: Pruebe diferentes ángulos de tiro (altos, bajos) para ver cómo afectan el retrato.
3. Técnicas de iluminación creativa:
* Luz natural:
* Hora dorada: La hora después del amanecer y la hora antes del atardecer proporcionan luz cálida y suave.
* Sombra abierta: Disparar a la sombra crea iluminación suave y uniforme.
* Backlighting: Coloque el sujeto con la luz detrás de ellos para un aspecto suave y etéreo.
* Luz artificial (estudio o en ubicación):
* Configuración de una luz: Comience con una sola fuente de luz (por ejemplo, una luz estroboscópica o luz de velocidad) y experimente con su ubicación.
* Configuración de dos luces: Use una luz de llave (luz principal) y una luz de relleno para suavizar las sombras.
* Rim Light: Coloque una luz detrás del sujeto para crear un efecto de halo.
* geles de color: Use geles de colores en sus luces para crear efectos dramáticos y estilizados.
* Modificadores de luz:
* Softbox: Crea luz suave y difusa.
* paraguas: Otra forma de crear luz suave.
* plato de belleza: Crea una luz halagadora con una cualidad suave pero definida.
* Snoot: Enfoca la luz en un haz estrecho.
* GOBO: Una plantilla colocada frente a una fuente de luz para crear sombras estampadas.
4. La experimentación es clave: ¡No tengas miedo de probar cosas nuevas! Varíe la configuración de su cámara, la iluminación y la posa para ver qué funciona mejor para su visión.
Fase 3:postprocesamiento (edición)
1. Software: Adobe Photoshop y Lightroom son los estándares de la industria, pero hay otras opciones como Capture One, Affinity Photo y Luminar AI.
2. Ajustes básicos (en Lightroom o similar):
* Exposición: Correcto brillo general.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre reflejos y sombras.
* Respalos y sombras: Recupere los detalles en áreas brillantes y oscuras.
* Blancos y negros: Establezca los puntos blancos y negros para maximizar el rango dinámico.
* Claridad y Dehaze: Agregue o retire la neblina para un aspecto más limpio o más atmosférico.
* Balance de blancos: Ajuste la temperatura de color para lograr colores precisos o estilizados.
* afilado: Agregue la nitidez para sacar detalles.
* Reducción de ruido: Reduzca el ruido, especialmente en imágenes de alta ISO.
3. Edición avanzada (en Photoshop o similar):
* retoque: Retire las imperfecciones, la piel suave (use con moderación para un aspecto natural) y mejore las características. Técnicas:
* Pincel de curación: Elimina pequeñas imperfecciones.
* Herramienta de sello de clonos: Copia píxeles de un área a otra.
* Separación de frecuencia: Una técnica más avanzada para suavizar la piel mientras preserva la textura.
* Calificación de color: Ajuste los colores en la imagen para crear un estado de ánimo o estilo específico. Técnicas:
* Curvas: Ajuste el rango tonal y el equilibrio de color.
* Balance de color: Ajuste el equilibrio de rojo, verde y azul en reflejos, tonos intermedios y sombras.
* Color selectivo: Ajuste los colores dentro de rangos de color específicos.
* LUTS (tablas de búsqueda): Aplicar preajustes de clasificación de color prefabricados.
* EDITAR Y BURNING: Aligere (esquivar) o oscurecer (quemar) áreas específicas para esculpir la luz y agregar dimensión.
* Compuesta: Combine múltiples imágenes para crear un efecto surrealista o de fantasía.
* Agregar texturas: Texturas de superposición para agregar interés visual.
4. Efectos creativos:
* grano: Agregue el grano de película para un aspecto vintage o arenoso.
* viñeta: Oscurece los bordes de la imagen para llamar la atención sobre el centro.
* Efectos de desenfoque: Cree un desenfoque de movimiento o efectos de profundidad de campo.
* Distorsión: Experimente con efectos de distorsión de lente.
5. Edición no destructiva: Use capas de ajuste y objetos inteligentes en Photoshop para realizar cambios sin alterar permanentemente la imagen original.
6. Consistencia: Desarrolle un estilo de edición constante que refleje su visión artística.
7. Exportación:
* Resolución: Exportar a una alta resolución para la impresión (300 ppp) o una resolución más baja para uso web (72 dpi).
* Formato de archivo: JPEG es un formato común para el uso web. TIFF es bueno para la impresión.
Consejos clave para el éxito creativo del retrato:
* Práctica, práctica, práctica: Cuanto más dispare, mejor será para ver la luz, posar temas y editar imágenes.
* Estudia los maestros: Aprenda del trabajo de grandes fotógrafos de retratos.
* No tengas miedo de experimentar: Empuja tus límites y prueba cosas nuevas.
* Desarrolle su propio estilo: Encuentra lo que hace que tu trabajo sea único.
* Obtener comentarios: Comparta su trabajo con los demás y solicite críticas constructivas.
* ¡Diviértete! Disfruta del proceso de crear arte.
Siguiendo estos pasos y experimentando continuamente, puede crear retratos creativos impresionantes e impactantes que expresen su visión artística. ¡Buena suerte!