i. Preparación y visión:
* Defina su estilo y propósito:
* ¿Qué historia quieres contar? ¿Se trata de poder, vulnerabilidad, alegría, misterio? Esto impulsa todo lo demás.
* ¿Quién es tu sujeto? Comprender su personalidad, profesión e incluso características físicas influirá en sus elecciones.
* ¿Cuál es el uso previsto? Un disparo en la cabeza de LinkedIn tiene requisitos diferentes que un proyecto de arte personal.
* Explique su ubicación (si corresponde):
* Light: Observe cómo cae la luz en diferentes momentos del día. ¿Es el sol duro del mediodía, la luz suave difusa o la magia de la hora dorada?
* Antecedentes: ¿Está limpio y ordenado? ¿Complementa su sujeto o distrae de ellos? Considere colores, texturas y patrones.
* espacio: ¿Tiene suficiente espacio para moverse y posicionarse a usted y a su tema?
* Verificación de equipos:
* Cámara: DSLR, sin espejo o incluso un teléfono inteligente puede funcionar. Comprenda la configuración de su cámara.
* lente: ¡La apertura es tu amiga! (Ver más abajo). Las lentes de retrato generalmente están en el rango de 35 mm a 135 mm, pero un 50 mm es un excelente punto de partida.
* Iluminación: La luz natural a menudo es mejor, pero considere reflectores, difusores o destellos externos si es necesario.
* Accesorios: Trípode (para estabilidad, especialmente con poca luz), medidor de luz (para exposición precisa), telón de fondo (si es necesario).
ii. Configuración de la cámara (las cosas técnicas):
* Aperture (F-Stop):
* Clave para la profundidad de campo (DOF): Esto controla cuánto de la imagen está en foco.
* Apertura ancha (por ejemplo, f/1.8, f/2.8, f/4): Crea un DOF poco profundo, difuminando el fondo y aislando tu tema. Look de retrato clásico. Use con moderación, ya que desea ambos ojos enfocados, si es posible.
* apertura estrecha (por ejemplo, f/8, f/11, f/16): Crea un gran DOF, manteniendo más de la imagen en foco. Útil para retratos ambientales o tomas grupales.
* Velocidad de obturación:
* Controla el movimiento de movimiento: Velocidades de obturación más rápidas (por ejemplo, 1/22, 1/500) de congelación. Las velocidades más lentas (por ejemplo, 1/30, 1/60) pueden introducir un desenfoque de movimiento (intencional o involuntario).
* Disparo de mano: En general, use una velocidad de obturación al menos igual a la distancia focal de su lente (por ejemplo, con una lente de 50 mm, use al menos 1/50).
* ISO:
* Sensibilidad a la luz: ISO inferior (por ejemplo, 100, 200) produce imágenes más limpias con menos ruido. El ISO más alto (por ejemplo, 800, 1600, 3200) se usa con poca luz pero puede introducir ruido (grano). Manténgalo lo más bajo posible mientras mantiene una buena exposición.
* Modo de enfoque:
* Autofocus de un solo punto (AF-S o One-Shot): Lo mejor para sujetos estacionarios. Concéntrese en los ojos (generalmente el ojo más cercano).
* Autococus continuo (AF-C o AI Servo): Lo mejor para mudarse de sujetos.
* Modo de medición:
* Medición evaluativa/matriz: Evalúa toda la escena e intenta proporcionar una exposición equilibrada. Buen punto de partida.
* Medición de manchas: Mide la luz solo en un área pequeña. Útil para situaciones de iluminación difíciles o cuando desea controlar la exposición con precisión.
* Medición ponderada en el centro: Enfatiza el centro del marco para la medición.
* Balance de blancos:
* Ajuste por la temperatura del color: Asegura que los colores sean precisos. Use Auto White Balance (AWB) como punto de partida, pero ajuste según sea necesario (por ejemplo, luz del día, nublado, tungsteno). Disparar en RAW le permite ajustar el equilibrio de blancos en el procesamiento posterior.
* Modo de disparo:
* Prioridad de apertura (AV o A): Establece la apertura y la cámara establece automáticamente la velocidad del obturador. Bueno para controlar la profundidad de campo.
* manual (m): Controlas tanto la apertura como la velocidad del obturador. Requiere más experiencia, pero le brinda el mayor control.
iii. Composición y pose (el arte):
* La regla de los tercios: Imagine dividir su marco en nueve partes iguales con dos líneas horizontales y dos verticales. Coloque elementos clave (como los ojos del sujeto) en las intersecciones de estas líneas.
* Líneas principales: Use líneas en el entorno para atraer el ojo del espectador a su tema.
* Enmarcado: Use elementos en la escena (por ejemplo, ramas, puertas, arcos) para enmarcar su sujeto y agregar profundidad.
* Espacio negativo: Deje espacio vacío alrededor de su sujeto para crear una sensación de calma y equilibrio.
* posando:
* Relajación: Haga que su sujeto se sienta cómodo. Hable con ellos, ofrece aliento y da instrucciones claras.
* ángulos: Experimentar con diferentes ángulos. Un ligero giro de la cabeza o el cuerpo puede marcar una gran diferencia.
* Chin: Inclinar ligeramente la barbilla es generalmente más halagador que inclinarla.
* manos: Presta atención a las manos. Deben verse relajados y naturales. Evite los puños apretados o posiciones incómodas.
* Evite las posturas frontales directas: Girar el sujeto ligeramente hacia un lado suele ser más halagador.
* Contacto visual:
* Contacto visual directo: Crea una conexión con el espectador. Poderoso para transmitir emoción.
* mirando hacia otro lado: Puede crear una sensación de misterio o contemplación.
iv. Iluminación (la magia):
* Luz natural:
* Hora dorada: La hora después del amanecer y la hora antes del atardecer proporcionan luz cálida y suave.
* Sombra abierta: Proporciona luz difusa, uniforme. Evite la luz solar directa, que puede crear sombras duras.
* Días nublados: Puede proporcionar una luz hermosa y suave, pero tenga cuidado de evitar un aspecto plano y sin vida.
* Luz artificial:
* reflectores: Regrese la luz sobre su sujeto para llenar las sombras.
* difusores: Suavizar la luz dura.
* flashes externos: Proporcione luz adicional cuando sea necesario. Use flash fuera de cámara con modificadores (por ejemplo, softboxes, paraguas) para obtener resultados más halagadores.
* Dirección de luz:
* Iluminación frontal: Puede ser halagador pero también puede aplanar la imagen.
* Iluminación lateral: Crea más dimensiones y sombras.
* Backlighting: Crea una silueta o luz de borde alrededor del sujeto. Requiere una cuidadosa compensación de exposición.
V. Comunicación e interacción:
* Conéctese con su tema: Hable con ellos, cuente chistes y haga que se sientan cómodos. Las expresiones genuinas son más convincentes que las sonrisas forzadas.
* Dé una dirección clara: Dígales exactamente lo que quiere que hagan. "Incline la cabeza ligeramente hacia la izquierda," es mejor que "parecer natural".
* Sea paciente: Se necesita tiempo para obtener una gran oportunidad. No apresure el proceso.
vi. Postprocesamiento (el esmalte):
* disparando en raw: Te brinda más flexibilidad en el procesamiento posterior.
* Software: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One.
* Ajustes básicos:
* Exposición: Ajuste el brillo y el contraste.
* Balance de blancos: Casts de color correctos.
* Respaldos y sombras: Recupere los detalles en áreas brillantes y oscuras.
* Claridad y textura: Agregar definición.
* afilado: Mejorar la nitidez.
* retoque (use con moderación):
* Eliminar las imperfecciones.
* suavizar la piel.
* esquivar y quemar: Aligeran y oscurecen sutilmente las áreas para mejorar la forma y la dimensión.
Ejemplo:cómo obtuve * esta * disparo (retrato ambiental)
Digamos que quiero fotografiar a un artista local en su estudio.
1. Visión: Quiero capturar su creatividad y pasión, mostrándolas en su entorno natural. La imagen debe sentirse auténtica e inspiradora.
2. Ubicación: El estudio del artista es un espacio colorido y desordenado lleno de pinturas, pinceles y herramientas.
3. Equipo:
* Nikon D850
* Lente de 50 mm f/1.4
* Reflector
4. Configuración:
* Apertura:f/2.8 (para difuminar el fondo ligeramente y concentrarse en el artista)
* Velocidad del obturador:1/125 (para evitar el desenfoque de movimiento)
* ISO:400 (para mantener una buena exposición en la luz ambiental del estudio)
* Modo de enfoque:enfoque automático de un solo punto (centrado en el ojo del artista)
5. Composición:
* Posiciono al artista ligeramente fuera del centro, utilizando la regla de los tercios.
* Incluyo algunas de sus obras de arte en el fondo para proporcionar contexto.
* Utilizo líneas principales (por ejemplo, el borde de un lienzo) para atraer el ojo del espectador al artista.
6. Iluminación:
* El estudio tiene grandes ventanas que proporcionan luz suave y difusa.
* Utilizo un reflector para recuperar la luz en la cara del artista y completar cualquier sombra.
7. Posando:
* Le pido al artista que se pare cerca de su caballete, sosteniendo un pincel.
* Les animo a mirar directamente a la cámara con una expresión segura.
8. Interacción:
* Charlizo con el artista sobre su trabajo y les pido que compartan sus pensamientos.
* Les doy comentarios positivos y los hago sentir cómodos.
9. Postprocesamiento:
* Ajusto la exposición, el equilibrio de blancos y el contraste en Lightroom.
* Afíde la imagen ligeramente.
* Elimino cualquier distracción del fondo.
para darle * consejo específico *, dígame:
* ¿A qué tipo de retrato estás apuntando? (Disparo en la cabeza, ambiental, sincero, etc.)
* ¿Quién es el sujeto? (Su edad, personalidad y relación contigo)
* ¿Dónde estarás disparando? (En interiores, al aire libre, estudio)
* ¿Cuál es el uso previsto de la foto? (Redes sociales, impresión, regalo, etc.)
* ¿Qué equipo tienes? (Cámara, lente, iluminación)
* ¿Cuál es tu nivel de experiencia? (Principiante, intermedio, avanzado)
¡Cuanta más información proporcione, más personalizado puede ser mi consejo! ¡Buena suerte y diviértete!