Como cineastas, somos narradores. A través de nuestros lentes, desplegamos las crónicas de la experiencia humana. Ya sea que estemos llevando al espectador a un viaje ficticio en un largometraje narrativo o una experiencia de la vida real a través de un documental, es nuestro trabajo hacer que el espectador sienta algo, con suerte muchas cosas. Poseemos muchos instrumentos de manipulación para fabricar estas emociones, pero quizás nuestras mejores herramientas sean la luz y el color.
La cinematografía a menudo se describe como pintar con luz. A diferencia de la escultura, es un proceso aditivo en el que cada pincelada revela algo que antes no estaba allí. Añadimos luz para dar forma física a los sujetos y sus entornos. A menos que su historia se cuente en blanco y negro, las luces que usamos generarán colores que se pueden mezclar para crear una experiencia de visualización emocional y visceral más completa. Cada tipo de luz tiene una temperatura de color diferente y, dependiendo de cómo configure el balance de blancos de su cámara, la fuente de luz revelará su sesgo de color.
Luz y Color
Ya sea que esté usando solo luz natural como lo hizo Emmanuel Lubezki para The Revenant o fuentes de luz artificial como LED, tungsteno o HMI, cada fuente de luz tiene una temperatura de color diferente que se reproducirá de manera diferente a medida que cambie el balance de blancos de su cámara. Por ejemplo, la temperatura de color de la luz ambiental en el exterior en un día soleado será de unos 6500 kelvin, y si ajustamos el balance de blancos de nuestra cámara a 6500 kelvin, esa luz parecerá blanca y los colores aparecerán naturales.
Si estuviéramos fotografiando dentro de una casa iluminada con luces de tungsteno de 3200 kelvin y equilibramos en consecuencia, la luz del interior aparecerá blanca, mientras que la luz del día que entra por las ventanas aparecerá azul. A la inversa, si hiciéramos un balance de blancos dentro de esa habitación para la luz que entra por la ventana, esas fuentes de luz de tungsteno aparecerían de color naranja.
Encontrar el equilibrio
En términos generales, desea equilibrar los blancos para las luces principales que exponen al sujeto. Si bien hay excepciones, la prioridad es lograr que el color de la piel de alguien sea el correcto. Si tiene luz mixta, el equilibrio adecuado puede ser complicado. Si, por ejemplo, está fotografiando en una habitación llena de ventanas en las que entra la luz del día, es posible que desee ajustar el balance de blancos para la luz del día. Pero, ¿qué sucede si aún necesita agregar algo de luz sobre el tema y solo tiene un kit de tungsteno que, nuevamente, tiene una potencia de 3200 Kelvin? A veces, puede renunciar a estas correcciones y usar luces con diferentes temperaturas de color de forma creativa.
El color de la emoción
Es importante saber que el color de la luz que elijas tendrá un impacto emocional directo en el espectador. Sin profundizar demasiado en la teoría y la psicología del color, pensamos en la luz azul como más fría y triste, mientras que la luz amarilla/naranja tiende a implicar calor, vitalidad y felicidad. Puede ser fácil confundirse al escuchar luz fría y luz cálida. Si recuerda su física, la luz que es más caliente tiende a ser azul como la luz del sol en un día brillante, y la luz de una bombilla incandescente pequeña, que es literalmente una fuente de luz más fría, tiende a ser más amarilla/naranja aunque sea azul. la luz, en lugar del naranja, a menudo se asocia con temperaturas más frías.
Mezclar varias temperaturas de color puede ser una excelente manera de aprovechar estos efectos psicológicos y agregar complejidad a sus tomas. También puede hacer que un actor se destaque de su entorno o simplemente agregar estilo. Si bien aún desea iluminar los tonos de piel de su sujeto principalmente con un solo color, puede agregar mucha dimensión y emoción a sus tomas mezclando colores.
Ejemplos en Cine
Grandes ejemplos de esto son las películas de acción estadounidenses en las que las personas a menudo se iluminan de naranja con luces de fondo azul intenso y luces en los bordes. James Cameron usó esto con gran efecto en "Terminator 2" y su contemporáneo, Michael Bay, también usa este estilo en gran medida en sus películas de acción.
Sin embargo, no son solo los artistas de palomitas de maíz como Bay los que usan este estilo de iluminación. Steven Spielberg no puede evitar iluminar a sus sujetos con luces anaranjadas/amarillas y una fuerte luz de fondo con luz natural o HMI, que parecen azulados. El director Jean Pierre Jeunet utilizó mucho la luz y el color en “Amelie” para dar señales emocionales sutiles y no tan sutiles.
Cuando comience a buscarlo, verá iluminación mixta en muchas más escenas de las que podría esperar. Es una gran manera de establecer el tono y la emoción. En mis propias configuraciones de entrevistas, a menudo usaba paneles LED que configuraba a alrededor de 5600 Kelvin y luego usaba bombillas Edison expuestas en el fondo para obtener una luz de fondo sutilmente cálida. Busque formas en que se usa el color en sus películas favoritas para obtener más ideas sobre cómo usar la temperatura del color de manera creativa.
Es hora de experimentar
Cuando se disponga a iluminar su escena, piense en la historia y la emoción asociada con ella. Simplemente agregando una ligera diferencia de color, puede recorrer un largo camino para vender una emoción.
Si eres un cineasta de bajo presupuesto, esta es una forma de obtener mucho valor de producción por poco dinero. Un viaje creativo a su ferretería local puede producir resultados realmente fantásticos. Sea creativo y experimente. Incluso los directores de fotografía legendarios, como Roger Deakins, juegan con conjuntos de bricolaje para obtener el aspecto específico que desean.