Cuando enseño técnicas de iluminación, explico a mis alumnos que, para entender dónde y por qué se coloca una luz de una manera determinada, debemos comenzar por el principio. El arte clásico, las pinturas en particular, contienen la mayoría de las pistas que necesitamos para comenzar a iluminar a nuestros personajes. La estética de la iluminación se estableció hace cientos de años.
Si bien muchos grandes y talentosos artistas han contribuido a la calidad fundamental del trabajo que hacemos, quizás el más atribuible sea Rembrandt Van Rijn. Rembrandt es el más conocido de los pintores clásicos holandeses. Nació en 1606, en un pueblo al suroeste de Ámsterdam. En 1625, abrió un estudio y comenzó su conmovedor estudio del drama de la experiencia humana a través de la pintura. Prestó especial atención a los rostros y los ojos de sus sujetos, porque estos son los lugares donde se experimentan las inmediateces de la revelación. Su gran enfoque en la forma y los detalles del busto (hombros, cabeza y cuello) formaron la base de un estilo que permanecería con él durante toda su carrera.
Comience con la clave
Uno de los principales desafíos que enfrentaron Rembrandt y otros en la Europa del siglo XV fue la representación de temas tridimensionales en un lienzo bidimensional y la calidad de la imagen en términos de su realismo. En la época de Rembrandt, había pocas formas de iluminar un tema. Se podía pintar al aire libre donde la iluminación era más abundante, pero el clima era un factor, o en un estudio que necesitaba luz de ventana adecuada o un ambiente artificial adecuado. La gama tonal y la calidad del color indican que la mayoría de los temas de Rembrandt fueron pintados en el interior bajo lámparas de aceite o velas. Observe la calidad cálida de las Figuras 1 a 4.
La forma de la cara está completamente formada cuando la ubicación cuidadosa de la fuente de luz principal se dirige hacia el sujeto. Al hacerlo, creamos lo que llamamos una luz "clave". A lo largo de su carrera, Rembrandt realizó una serie de autorretratos en un esfuerzo por comprender esta relación. Un estudio cuidadoso de los cambios que se produjeron en su propia semejanza reveló cómo la iluminación desempeñó un papel central en la definición de la textura y el carácter de sus modelos.
La luz principal es la luz más importante en un escenario de iluminación de tres puntos. Sin ella, nuestro sujeto no tendría la iluminación adecuada para establecer la forma, el volumen, el color o la textura básicos de la piel y la ropa. La colocación de la luz principal puede tener efectos demostrativos sobre la estrechez o plenitud de nuestra apariencia. Una posición perpendicular a nuestro encuadre (luz lateral) hace que el rostro tenga una calidad más delgada. Considere las figuras 1 y 3. 
Si cerramos el ángulo de la luz principal y la acercamos más al frente del sujeto, más cerca de la lente de la cámara, el resultado es un rostro más plano con menos sombras para definir las características de la superficie. Tenga en cuenta los efectos más redondos de la iluminación más frontal de las figuras 2 y 4. 
Líneas de risa y triángulos dorados
En la mayoría de los casos, cuando se lograba el ángulo perfecto de reflexión de la luz clave de Rembrandt, aparecía una pequeña mancha triangular debajo del ojo del sujeto, situada frente a la fuente de luz. Tenga en cuenta las figuras 1 y 4. Este subproducto se conoce como el "Triángulo Dorado". Rembrandt entendió que, si podía observar el Triángulo Dorado desde su punto de vista, la luz clave estaba proporcionando la forma más halagadora y dramática a su sujeto, enmarcando efectivamente la expresión mientras definía los aspectos de las estructuras de la nariz y las mejillas. Por supuesto, todos los resultados son subjetivos, pero, si estamos intentando la iluminación al estilo de Rembrandt, presenciar el Triángulo Dorado es una indicación de que hemos tenido éxito. 
Si bien el ala del sombrero en cada uno de estos ejemplos bloquea una gran cantidad de iluminación cerca de la parte superior de la frente, es la ubicación alta de la luz principal la que resalta las características de la cara misma. Los pómulos, las arrugas de la risa, los labios carnosos, las cejas prominentes, la nariz abultada y las características de la barbilla se ven afectadas por la altura de la luz principal y su proximidad desde el costado frente al frente del sujeto. La posición inicial de nuestra luz principal es de 45 grados fuera del eje de la cámara, con respecto al sujeto, y ligeramente por encima del nivel de los ojos. Desde ese punto de partida, lo movemos para adaptarlo al tema con el que estamos trabajando. 
Claroscuro:Luces y Sombras
Una vez que hayamos logrado la calidad clave deseada y nuestro sujeto tenga la forma y la iluminación adecuadas, debemos decidir un nivel de contraste general para el renderizado. Claroscuro es un término del Renacimiento que implica el nivel de luces frente a sombras que permitimos en nuestra iluminación. Cuanto más contraste creamos al iluminar a nuestros sujetos, más "estado de ánimo" se puede evocar. Las imágenes con un alto grado de sombra se consideran misteriosas o con connotaciones negativas. Por el contrario, menos contraste empleado en nuestra iluminación puede implicar apertura, amor o conciencia.
Observe el nivel de exposición en el rostro de la “Profetisa Ana”, de 1631. En el marco de la artista, una anciana lee un manuscrito con la luz de su llave entrando por encima de su hombro (fig. 5). 
Tome nota del grado en que vemos detalles en su rostro. A pesar de que está alejada de su fuente de luz, su comportamiento se realiza completamente cuando la luz rebota en la Biblia y en su rostro. Esta cualidad de iluminación indirecta se conoce como "relleno" y se puede lograr muy fácilmente haciendo rebotar la luz sobre el sujeto o usando una fuente de luz secundaria dirigida. A esa fuente adicional la llamamos luz de "relleno", porque "rellena" las sombras y reduce el contraste general de la escena. Por lo general, las luces de relleno se colocan de manera complementaria u opuesta a su fuente principal con respecto a la ubicación de la cámara.
La medida en que empleamos una luz de relleno está dictada por el gusto personal o por las pistas sutiles establecidas en nuestro guión. Si se infiere lo desconocido o se requiere la sugerencia de muerte, maldad o tristeza, podemos usar un pequeño grado de relleno. O, ninguno en absoluto, como en la figura 2.
Cuanto más iluminamos la escena, más positivas son las implicaciones para nuestros personajes. ¿Observe el aspecto de no confrontación del autorretrato en la figura 4? Como se indicó anteriormente, la luz de relleno se puede introducir como luz indirecta o reflejada, como se recogería de los disfraces brillantes. La luz de relleno también se puede hacer rebotar en superficies, como mesas, mostradores y otras piezas, o con cartulina blanca llamada "Show Cards" o "B-Boards". Por lo general, se compran en tiendas de artículos de arte o casas de alquiler de iluminación. También se pueden hacer con tableros de espuma de poliestireno, como los materiales de construcción que se usan para aislar las casas, y se pueden obtener en su tienda local de mejoras para el hogar. La luz que rebota en materiales o superficies de colores conservará el color real de esas superficies. Por lo tanto, al comprar cartón pluma o cartulina, es necesario elegir un material de color blanco neutro.
Gestión de la separación
La característica final que personifica la iluminación del estilo clásico de Rembrandt es la forma en que logramos separar a nuestro sujeto de su fondo. Los sujetos iluminados en un espacio anodino pueden sangrar detalles en sus fondos, si no manejamos la separación. Para ayudar en esto, debemos aplicar una fuente de luz adicional a los detalles alrededor del sujeto. La forma en que elegimos hacer esto también puede afectar el estado de ánimo general.
Considere, por un momento, las implicaciones de cada una de las imágenes mostradas. En la figura 6, el “Hombre con el casco dorado” se esconde en la sombra o emerge de ella. Por la mirada de tensión imponente en su rostro, el estado de ánimo podría interpretarse como un hervor a fuego lento en un pensamiento profundo, arrepentimiento o tensión. Los detalles en las prendas del hombre se funden con el fondo y devuelven nuestra mirada a su rostro. 
La elección deliberada de oscurecer ciertos detalles es un dispositivo para gestionar la emoción de la toma. Tenga cuidado de notar la más mínima separación sobre el hombro izquierdo del hombre con casco. Es suficiente para crear una sensación de espacio, sin confundir el estado de ánimo.
Por otro lado, la figura 7 ofrece una connotación completamente diferente. A pesar de que el sujeto se ve tan profundamente introspectivo como la figura del cuadro anterior, el tono general es menos amenazador. La separación con halo de la pared sugiere un tono más inspirador en la imagen. Los temas de redención, revelación y consideración se traducen como resultado del pleno reconocimiento del personaje. 
El instrumento que usamos para lograr este aspecto se llama luz de "fondo". Es el tercer y último elemento del estilo Rembrandt de iluminación ingeniosa. Por lo general, se coloca encima y detrás del sujeto y se dirige a los detalles del conjunto que se alinean en el fondo. Al crear valores más brillantes detrás del sujeto, aislamos los valores en primer plano y hacemos que sea más fácil para nuestro ojo localizarlos. Las variaciones de color entre el fondo y el primer plano también pueden crear una sensación de separación por el grado en que los tonos se oponen entre sí. Por ejemplo, los valores más cálidos, para objetos en primer plano, se pueden mezclar con fondos más fríos (más azules) para escenas interiores.
La luz del borde
En los tiempos modernos, con la llegada de las películas y la televisión, la luz de fondo se convertiría en una fuente de iluminación dirigida. En lugar de iluminar el entorno detrás de un sujeto, la luz se enfocó directamente en la parte posterior de la cabeza y los hombros del sujeto. Desde la perspectiva de la cámara, se creó una luz de "borde" brillante y resplandeciente.
Debido a la naturaleza rudimentaria de la televisión en blanco y negro, una luz de fondo a veces sería inadecuada. Sin embargo, cuando se combina con una luz trasera más dura e intensa, el perfil de un sujeto se establece más claramente contra su fondo en una pantalla más pequeña. Lo que comenzó como un mecanismo para compensar una cruda experiencia de visualización electrónica surgió años después como un elemento que ayuda a definir nuestra estética contemporánea.
Intensidad, Forma, Color
En resumen, hemos analizado las técnicas empleadas por Rembrandt para dar una cualidad de tridimensionalidad a un retrato pintado. La intensidad general, la forma y el color del sujeto que se ilumina se establecen con tres fuentes de iluminación. La luz principal crea forma y brillo general. La luz de relleno controla la cantidad de contraste y el nivel de detalle en las sombras creadas por la luz principal. Luego se emplea una luz de fondo o de borde para separar el perfil del sujeto de los detalles del entorno o el escenario.
Las siguientes fotografías exhiben variaciones en la forma utilizando una tecla de Rembrandt y una luz de borde en un entorno anodino de "limbo negro". El relleno suave y menor se ha utilizado subjetivamente. Observe cómo la adición de la luz de borde es más o menos necesaria en función de la reflectividad de los tonos de piel. Además, comprenda cómo el uso de una luz de borde puede ser contrario a la intuición del estado de ánimo creado por nuestra llave. 
Lo que es interesante considerar, al estudiar el estilo de iluminación de Rembrandt, es la noción de que todas estas afirmaciones de la forma humana fueron concebidas a través de la observación directa y la atención minuciosa a los detalles. En ningún momento se benefició de un dispositivo de captura moderno. Su comprensión de la representación dimensional, mediante la aplicación de luz directa o indirecta y el ángulo de incidencia, no solo es precisa, sino que todavía se usa en la actualidad. Su estilo es el punto de referencia desde el cual todos los aspirantes a fotógrafos, directores de fotografía y gaffers comienzan a expresar sus propios estilos y preferencias.
Rembrandt Van Rijn murió en octubre de 1669, pero su legado perdura cada vez que los creadores de imágenes creativas toman el escenario. Las herramientas han cambiado a lo largo de los siglos, pero se requieren los mismos objetivos y el mismo nivel de artesanía. Nuestras expectativas como creativos y nuestra apreciación como espectadores son el producto de estándares razonados establecidos hace 350 años.
Michael Walsh, es un experimentado técnico de iluminación de Hollywood con experiencia en 74 largometrajes y más de cuatrocientos episodios de televisión.