Para celebrar el Día Internacional de la Mujer, echamos un vistazo al trabajo de 7 directoras brillantes y vemos cómo cada una le da una apariencia única a su trabajo. Por supuesto, hay muchas más que solo 7 directoras increíbles, ¡pero tenemos que empezar por algún lado!
Kathryn Bigelow, El casillero herido (2008)
Comencemos con Kathryn Bigelow, la única mujer en ganar un Oscar a Mejor Director y la película que le valió el Premio de la Academia, The Hurt Locker . Bigelow trabajó con su director de fotografía, Barry Ackroyd, para crear una película que se siente como si fuera un documental filmado por un periodista incrustado en Irak. Al usar cámaras Aaton de 16 mm con material Fujifilm, la sensación general es de inestabilidad, mejorada con el uso de cámaras de mano. Hay muchos acercamientos y alejamientos y cambios rápidos de enfoque que reflejan el entorno peligroso y cambiante de la tarea.
Las escenas de Irak, que en realidad se filmaron en Kuwait, se rodaron principalmente durante el día utilizando la mayor cantidad de luz natural posible. Ackroyd ha dicho que prefiere una iluminación que no interfiera con la actuación, y eso se refleja en las pocas escenas nocturnas, en las que en su mayoría se utilizan luces prácticas.
Muchas de las escenas en Irak utilizan una profundidad de campo reducida, lo que sugiere el enfoque estricto y los objetivos estrechos de los personajes que son expertos en desactivación de bombas. Esto contrasta con las escenas en los EE. UU., cuando el protagonista ha regresado de su turno de servicio donde la falta de rumbo de su nueva vida se transmite a través de tomas más amplias con un campo más profundo.
La transición de Irak a los EE. UU. no es suave ni fácil para el protagonista, lo que se refleja en los cortes rápidos entre los 2 países. El uso que hace Bigelow de marcados contrastes en el estilo de filmación, los ángulos de cámara y la iluminación entre Irak y EE. UU. demuestra la dificultad de adaptarse de la vida militar a la vida civil. Es un buen ejemplo de cómo la técnica es un elemento crítico en tu narración.
Céline Sciamma, Retrato de una dama en llamas (2019)
Reseñas de Portrait of a Lady on Fire de Sciamma fueron casi universales en su elogio de una hermosa película pictórica que trataba sobre la mirada o el punto de vista femenino. Dado que cuenta la historia de una mujer encargada de pintar en secreto el retrato de una futura novia para su futuro esposo, la aclamación no podría ser más acertada. Sciamma y su directora de fotografía, Claire Mathon, investigaron a mujeres artistas históricas y su trabajo para darle autenticidad a esta pieza de época.
Sciamma hizo uso de tiros largos y persistentes que requerían un bloqueo y una coreografía muy cuidadosos, pero no mucha alteración de las configuraciones. Esto contribuye a la acumulación de "combustión lenta" de la película, pero también permite que la iluminación realmente brille.
Sciamma tenía ideas muy claras sobre el uso del tipo de luz que hacía referencia a las pinturas al óleo de su investigación. Quería una abrumadora sensación de suavidad a la luz que nunca se hizo cargo. La piel de los actores no tiene un aspecto realista, sino que se parece a la perfección mate de los retratos pintados al óleo. En palabras de Sciamma:"La luz parecería salir del personaje".
Las escenas interiores se rodaron en un castillo en la región francesa de Seine-et-Marne. La antigüedad y la naturaleza sin restaurar del castillo significaron que el equipo necesitaba un enfoque diferente para la iluminación. Construyeron una plataforma fuera del castillo e iluminaron todas las escenas a través de sus ventanas. Todas las escenas nocturnas estaban iluminadas con lo que parecía ser luz de velas, pero sin usar velas. Todo esto le dio una sensación muy sensual a las escenas y ayudó a crear esa luz de otro mundo.
Detrás de escena de 'Retrato de una dama en llamas'. Imagen de NEON
Todas las escenas de la playa se rodaron en la costa de Bretaña y, aunque el reparto y el equipo esperaban viento y lluvia, el sol era brillante. Usaron una cámara Red Monstro con lentes Leitz Thalia y un LUT con apariencia de película. El look cinematográfico realzaba los tonos cian de las tomas, que contrastaban bien con los vestidos rojos y verdes de los actores y aportaban colores llamativos e intensos a la película.
Sofia Coppola, Las vírgenes suicidas (1999)
En contraste con la perspectiva intensamente femenina del Retrato de una dama en llamas de Sciamma , llegamos al debut como directora de Sofia Coppola, Las vírgenes suicidas . Esta película de aspecto soñador se cuenta retrospectivamente, con un grupo de hombres recordando lo que recordaban de las 5 hermanas de Lisboa, todas las cuales se quitaron la vida. Sería muy fácil que esta película se deslizara hacia el sentimentalismo, pero Coppola mantiene las complejidades de la vida de las niñas en primer plano, y uno se pregunta qué tan confiables son realmente los narradores.
Contrastando con el aspecto suave y joven de la película con muchos colores pastel, está la melancolía de la banda sonora. Esta yuxtaposición enfatiza la confusión que rodea la vida de las niñas y la comprensión que los niños tienen de ella. ¿Lo que realmente sucedió? ¿Y por qué?
La clave de la técnica narrativa de Coppola es su uso de tomas de ventanas. En particular, vemos a las chicas mirando desde una gran ventana de su casa, la cámara mirándolas y el mundo exterior reflejado en el cristal.
Quién está mirando y quién está siendo observado se vuelve intercambiable. Otro plano de ventana que utilizó Coppola en Las vírgenes suicidas y en sus películas posteriores, por ejemplo Marie Antoinette , Perdido en la traducción y En algún lugar , fue la foto de la ventana del coche (o carruaje). Todos muestran a personas que son llevadas a algún lugar pero sin revelar dónde y por qué. Es una herramienta de narración emotiva.
Andrea Arnold, Pecera (2009)
A menudo escuchará que el cine de Andrea Arnold pertenece a la tradición del "realismo social británico", junto con Ken Loach y Mike Leigh. Arnold, sin embargo, prefiere pensar que la audiencia entra en la vida de las personas, en lugar de estar afuera y mirar hacia adentro. Esto es algo que ella logra a través de su enfoque cinematográfico.
Para empezar, Arnold a menudo mezcla actores y no actores. En Pecera , la protagonista adolescente Mia fue interpretada por Katie Jarvis, a quien le ofrecieron el papel después de que Arnold la viera esperando un tren. Arnold sintió que Jarvis encarnaba a Mia y se sentía auténtico a su visión. Pero Conor, el personaje del que Mia se enamora, fue interpretado por Michael Fassbender.
Luego, Arnold prefiere disparar secuencialmente. Le gusta el flujo orgánico que esto crea en una película y cómo permite a los actores desarrollar sus personajes a lo largo del proyecto.
Arnold tampoco tiende a bloquear escenas ni a elaborar una lista de tomas. Las opciones de lentes a menudo también pueden depender del azar. Pero ella prefiere la película de 35 mm a la digital. Todas estas elecciones ayudan a contribuir al sentimiento natural de que sus películas representan la vida real. Junto con el DP Robbie Ryan, Arnold logra sumergirte en la vida de sus personajes. Y así como las escenas en las que Conor toca a Mia se desarrollan de forma más lírica que el duro mordisco de la vida real, es como si nos hubiéramos deslizado en un sueño.
Lynne Ramsay, Tenemos que hablar de Kevin (2011)
Si bien Lynne Ramsay ciertamente ha hecho películas que entran en la categoría de "realismo social británico", Tenemos que hablar de Kevin da un paso al lado de eso. Como dice Ramsay, no es una película realista, es una película del tipo "¿Y si...?".
Tenemos que hablar de Kevin cuenta la historia de Kevin, un niño que emprende un alboroto asesino, y su madre, Eva. Como era de esperar, esta es una película profundamente inquietante y desconcertante, y todo lo que Ramsay y el director de fotografía Seamus McGarvey reunieron en la pantalla contribuye a esa sensación de pavor y terror. Se filmó principalmente con una cámara de 35 mm en stock de Fujifilm y las escenas de flashback eran digitales.
Puede que nunca veas sangre o gore, pero el motivo rojo está muy presente en la película, y la sensación de horror está cuidadosamente elaborada psicológicamente. Cuando se usan destellos de luz para señalar violencia, lo que se deja a la imaginación es mucho peor que cualquier cosa que se pueda mostrar en la pantalla.
Ramsay usó la edición elíptica para contar la historia que originalmente era una novela epistolar (en forma de cartas), con escenas retrospectivas que tienen un aspecto más plano y suave con menos color que las ambientadas en el presente. Por el momento, los primarios muy audaces (rojo, azul y amarillo) contribuyen a la intensidad de la historia, al igual que el uso de primeros planos y de personajes colocados en los bordes opuestos del encuadre. Es una mirada de confrontación, pero también resalta la distancia entre ellos.
Junto con el colorido intenso, el paisaje sonoro es áspero, lo que refleja el estado mental confuso y devastado de Eva. El color y el sonido también funcionan para generar tensión para el espectador.
Finalmente, también vale la pena señalar las similitudes visuales entre Eva y Kevin. Por supuesto, no es inusual que los niños se parezcan a sus padres, pero en este contexto, lo lleva a reflexionar sobre cuánto del comportamiento de Kevin es natural y hasta qué punto es crianza.
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Empezar gratis ahora Precios Amy Heckerling, Ni idea (1995)
Cuando piensas en Clueless de Amy Heckerling de 1995 , podrías pensar en él como un clásico del género de la escuela secundaria. Puede que lo recuerdes por sus eslóganes extravagantes, su moda fantástica y su bonita banda sonora. Puede que incluso lo recuerdes por desencadenar la era de los "clásicos vueltos a contar" que condujo a películas como 10 cosas que odio de ti. y Intenciones crueles . Pero hay mucho más en él y en el cine de Heckerling que eso.
Despistado es un drama arquetípico sobre la mayoría de edad que no rehuye las complejidades de las relaciones, incluso si se cuenta a un ritmo vertiginoso y frenético. Hay acción de fondo, acción de primer plano, narración y música, todo sucediendo a la vez. Sería fácil que todo fuera abrumador y que la audiencia simplemente quisiera alejarse de eso. Pero, de hecho, el caos está cuidadosamente coreografiado y refleja claramente la vida de un adolescente. Esto aporta realismo a la crianza sobrenatural de la protagonista Cher en Beverly Hills.
La vida de Cher y sus amigos es tan privilegiada y ellos son tan ajenos a sus circunstancias afortunadas, que sería fácil sentir desdén hacia ellos. En cambio, los amas. Gran parte de eso se debe al uso de voces en off de Herckerling. Con frecuencia, lo que escuchas que Cher te dice está completamente en desacuerdo con las imágenes en la pantalla. Pero es su sinceridad y su creencia genuina en la situación lo que te conquista. Ella no es maliciosa; ella es adorable.
Heckerling quería Clueless para ser todo "chispa y brillo". Aparte de su propia aversión por las escenas con poca luz después de crecer en un apartamento oscuro del Bronx, había visto a tantos cineastas dirigirse hacia la apariencia de Rembrandt con su iluminación que quería algo diferente. Junto con el director de fotografía Bill Pope, Heckerling nos dio precisamente eso; te llevan a un mundo positivo lleno de luz y risas. Y Despistado nunca habría funcionado sin los atuendos, el diseño de iluminación o la fuente que explota en el fondo cuando Cher finalmente se da cuenta de a quién ama.
Greta Gerwig, Lady Bird (2017)
Lady Bird está destinado a sentirse como un recuerdo. Sin embargo, Gerwig no quería que su debut como directora tuviera el aspecto común de grano listo para usar o enfoque suave que tipifica la memoria. En cambio, quería que su audiencia sintiera el arco del proscenio y sintiera la magia de la caja de luz del cine. El efecto que ella y el director de fotografía Sam Levy conjuraron, usando una Arri Alexa Mini con lentes Panavision viejos y filmados en 2K, parecían páginas impresas que luego habían sido fotocopiadas, o fotocopias de fotocopias. Se siente como si estuviera viendo algo donde hay una clara pérdida de calidad, pero no es exagerado.
Gerwig se inspiró más en las fotos de mujeres jóvenes de Lise Sarfati tomadas a principios de la década de 2000. La descripción que impulsó el look de Lady Bird era "simple pero delicioso". Quería que el decorado y el vestuario fueran ricos y completos, pero no que distrajeran al espectador. Todo está ahí para contribuir a la persona del personaje o a la historia misma, pero nada está destinado a hacerse cargo.
Finalmente, está el diálogo. Está destinado a sentirse 'real'. Los personajes de Lady Bird habla en oraciones que cambian de dirección, o que en realidad no van a ninguna parte o realmente se detienen. Hay interrupciones. Estaba escrito, pero estaba escrito para sonar como la gente conversa en la vida real, no para sonar como un guión de película. El foco de Lady Bird es sobre los personajes y su historia; no está en el set o en una cinematografía llamativa. Se trata de la vida real.