Si está trabajando incluso con otra persona en su proyecto de video, debe tener una comprensión básica de la jerga para poder comunicar sus necesidades. El primer trabajo que suele conseguir un aprendiz del departamento de cámara es como grip. Los grips son los técnicos del equipo que se apresuran entre "el camión" y el plató con los guantes de trabajo colgando de sus bolsillos traseros, asegurándose de que el DP (director de fotografía) obtenga el dispositivo, el gel, la instalación de la cámara, la malla, la red y la difusión correctos. , mitad azul, extensión, montura de tijera, empuñadura de caimán, reflector, lo que sea, y ahora mismo, si no antes.
Lo quiero "vaquero"
La jerga del departamento de cámara es el lenguaje de una tribu única en un set de filmación. No pasará mucho tiempo antes de que incluso la señora del té sepa el significado de "Vamos a dispararle cowboy ,” (encuadre la toma al nivel de la funda) o “Quiero un enfoque superficial” (con el fondo suave). ¿Significa esto que, como director, debe seguir el ritmo del dominio del control de imagen del director de fotografía y comenzar a hablar en f-stops? En absoluto, eso es su trabajo. Tampoco significa que tenga que impresionar a su director de fotografía con su conocimiento y entusiasmo por el equipo. A los directores de fotografía les gusta más cuando los directores ponen su atención en el guión, los actores y la acción.
Pero en verdad, la narración visual efectiva en una película es la responsabilidad colectiva del director y los artesanos en los departamentos de cámara y arte. En la producción de películas y videos, cuando nos referimos al jefe del departamento de cámara, estos términos generalmente se entienden como intercambiables:camarógrafo/mujer de cine, director de fotografía, camarógrafo/mujer de iluminación y, por lo general, director de fotografía (DP o DOP). Se espera que los directores de fotografía sean más que colocadores de cámaras, cambiadores de lentes y conductores de cámaras. Los directores de fotografía más valorados son los consultores visuales que pueden ejecutar la dirección de cámara del director para lograr el efecto emocional deseado de una escena. Las categorías básicas de dirección de cámara incluyen movimiento , enfocar , ángulo , velocidad y composición .
Moviéndolo
Es casi demasiado obvio decirlo, pero uno de los principales objetivos de la fotografía cinematográfica es el movimiento. El movimiento de cámara bien ejecutado es una poderosa herramienta narrativa que no solo mejora la experiencia visual de una escena, sino también su impacto emocional.
- Si desea un movimiento de cámara vertical, solicite una toma de "grúa hacia arriba" o "grúa hacia abajo".
- Las directivas para el movimiento lateral de la cámara se expresan como "camión a la izquierda" y "camión a la derecha".
- Un "contramovimiento de la acción" es un movimiento lateral dinámico en el que la cámara se desliza contra el flujo de la acción acelerando el ritmo de una toma.
- Para el movimiento de la cámara de adelante hacia atrás (a lo largo del eje z), solicite una "muñeca de entrada" o una "muñeca de salida". “Leading” es una toma rodante en la que la cámara conduce al actor, tomada de frente. Un "seguimiento" es un plano rodante o un "plano de seguimiento" en el que la cámara sigue al actor desde atrás.
- Tal vez solo desee un movimiento de carro corto para un efecto dramático, "empujar hacia adentro" y "empujar hacia afuera" son las instrucciones.
- Un director que quiere filmar algo "en la revista" o "en la pluma" pide que la orientación de la cámara esté alineada con el eje de la acción.
Enfoque crítico
El enfoque es otro requisito cinematográfico obvio. El enfoque selectivo dirige la atención hacia donde el director la quiere en el encuadre.
- Si desea suavizar el centro de atención en la toma, pida un simple "adentro" o "afuera".
- El "enfoque dividido", también llamado "enfoque en bastidor", se logra "atrayendo" el enfoque de un objeto a otro, del primer plano al fondo o al revés.
- El "enfoque superficial" generalmente se toma con una "lente larga" (ampliada). Superficial porque solo una pequeña profundidad de enfoque selectiva atrae la atención hacia el objeto o la persona importante en la toma, mientras que los elementos de primer plano y de fondo permanecen suaves o borrosos.
- Cuando un director quiere filmar una escena con "enfoque profundo", pide que todo esté enfocado, desde el objeto más alejado en la toma hasta el elemento más cercano a la cámara, de atrás hacia adelante. Las técnicas innovadoras de Gregg Toland le permitieron lograr la última película de enfoque profundo, Ciudadano Kane.
Pescando para la mejor vista
Los ángulos figuran en el lenguaje de la dirección de la cámara de dos maneras muy diferentes. Uno tiene que ver con la ubicación de la cámara y el otro con la óptica de la lente.
- Si desea que la cámara mire hacia abajo sobre un sujeto o una escena, simplemente solicite un ángulo "alto" para una vista de pájaro. Si desea que la cámara mire a un personaje para obtener esa vista poderosa y dominante, solicite una ubicación de "ángulo bajo" de la cámara.
- Pero cuando un director quiere usar la lente para un ángulo de visión específico, le pedirá al director de fotografía que lo filme en "teleobjetivo", con acercamiento o en "gran angular" con la lente alejada. Las tomas ampliadas o “tele” son buenas para una apariencia suave donde el fondo está desenfocado. Las tomas "amplias" suelen tener mucha profundidad de campo y todo en la toma está enfocado.
- Cuando los directores quieren que la cámara asuma el punto de vista de un personaje, pedirán un "POV". Esto también se conoce como cámara subjetiva. Un ejemplo es la vista del tirador por el cañón del arma o la vista a través de un par de binoculares.
Ponerse de mal humor
"Undercrank" y "overcrank" son términos fílmicos desde el comienzo del cine cuando los operadores de cámara pasaban la película a mano a través de la puerta de la cámara. Arrancarlo más rápido (sobrearranque) que la velocidad normal (en ese momento 16 fps) produjo una cámara lenta cuando se reprodujo en un proyector de velocidad normal. Arrancar más lento (subarranque) produjo un movimiento acelerado.
El control sobre las velocidades de película llegó con motores de velocidad variable en las cámaras de película, lo que permitió a los operadores establecer la velocidad de la película con precisión y el iris según se requería.
Composición
La composición puede tratarse de diseñar la toma. ¿Dónde está el énfasis o el peso, y qué quiere el director que mire la audiencia? ¿Es agradable la composición?
- El lenguaje aquí será sobre "lo quieres equilibrado, desequilibrado" y sobre cuánto "espacio negativo" (espacio vacío alrededor de las formas) incluir en una composición.
- O bien, la composición puede ser sobre la variedad de tamaños de toma necesarios para la cobertura.
- Al ordenar el tamaño de los planos, el director utilizará las convenciones familiares del lenguaje cinematográfico de plano general, plano medio, primer plano medio o cabeza y hombros. Al filmar una conversación de dos personajes al otro lado de la mesa, el director puede pedir un "maestro" donde vemos a ambas personas representar la acción principal de una escena completa.
- Las tomas de portada incluirán tomas "por encima del hombro" de ambos personajes mientras repiten la escena. Para tomas por encima del hombro se pueden utilizar las opciones “limpio” o “sucio” (con o sin primer plano).
- Lo más probable es que el director también pida "primeros planos de respuesta" donde cada actor interpretará la escena una vez más, esta vez en una composición más ajustada.
- Un ejemplo de "primer plano extremo" es cuando un ojo ocupa todo el encuadre.
La narración visual es colaboración
La narración visual trata sobre el estado de ánimo y el tono que el director quiere lograr para respaldar el contenido dramático de una escena. Y el DOP se lo da. El director de fotografía diseñará la toma y el director responderá a la interpretación visual que haga el director de fotografía del guión o del guión gráfico del director.
La narración visual es más efectiva en una película cuando el director y el director de fotografía colaboran, tratando de lograr la apariencia y sensación de una película. Me viene a la mente la célebre relación en el plató entre la leyenda del enfoque profundo Gregg Toland y el director prodigio Orson Wells. Comprender el contenido emocional de cada escena es probablemente más importante que poder entender la charla en el set, aunque ese es un buen comienzo.
Peter Biesterfeld es documentalista, escritor independiente y profesor de producción documental.