¡Presta atención! Estamos a punto de engañarte. Vamos a jugar un juego que solo los videógrafos pueden entender. Te vamos a pedir que te pongas la gorra de director y luego veremos quién está a la altura del reto. ¿Listo? Esta es la escena que usted, como director de fotografía, tendrá que poner en escena:una mujer con un vestido de verano y gafas de sol oscuras va a ir al casino, así que cuando comienza a marchar por el pasillo con sus tacones altos, recogió su cartera llena de efectivo, recordó tomar sus llaves de la mesa, se sube a su auto y, como la asesina que es, procederá a conducir agresivamente su convertible rojo cereza de alto rendimiento más allá de la cámara de izquierda a derecha, acelerando hacia la distancia del patrimonio.
Bien, repasemos. ¿Cuántos de ustedes notaron el problema con esta escena en su primera lectura? No, no es que un asesino solo use zapatos planos, es que hemos cambiado el tiempo en esa oración no menos de tres veces. ¿Lo entendiste? Si es así, felicidades. Necesitamos más personas como usted en el departamento de continuidad. Por otro lado, si te lo perdiste, probablemente te estabas concentrando en la tarea visual en cuestión, y no en la gramática simple, así que también es bueno para ti.
Escenarios como este a menudo se desarrollan durante "Brain Games", el exitoso programa de televisión nominado al Emmy de The National Geographic Channel que actualmente se encuentra en su quinta temporada. Jason Silva presenta esta mirada fascinante no solo sobre cómo funcionan las cosas, sino también sobre cómo la verdad a veces difiere de nuestra percepción. "Exploramos la percepción y la percepción errónea, y todas las formas en que nuestras experiencias pasadas informan nuestra realidad cotidiana".
Fue mientras miraba el programa con mi familia una noche que se me ocurrió; gran parte de lo que hacemos en la edición y, de hecho, lo que todos hacemos en el cine y la televisión depende de los conceptos que transmiten en el programa. Seguro que hay un arte en nuestra profesión. En la superficie, tomamos una historia, planeamos tomas, elegimos ángulos, editamos cosas; todos estos elementos y más se implementan en la creación de lo que esperamos sea recibido como una obra de arte. Pero hay una ciencia detrás de nuestro arte sobre la que quería saber más. Esto me llevó por la madriguera del conejo de la naturaleza humana, la filosofía y la maravilla. Como llegaría a descubrir, Silva fue la guía perfecta para este viaje.
No "¿Cómo?", sino "¿Por qué?"
Como creadores cinematográficos, conocemos la retórica publicada en libros, revistas especializadas y escuelas de cine:Cortar en movimiento, cortar en diálogo, cortar por continuidad, igualar colores, compensar el audio del video, disolver suavizando un corte. Los buenos creadores saben utilizar estos conceptos para crear una nueva realidad en la que se sitúa nuestra historia. Pero “cómo” implementamos estos conceptos no siempre es suficiente. A veces, algunos o todos estos no funcionan, a veces son realmente inapropiados o simplemente no se aplican. ¿Por qué es eso?
Si podemos tener un poco de Yoda aquí por un minuto, hay una creencia arraigada entre filósofos, científicos y mecánicos por igual (una combinación extraña, lo sé), de que para perfeccionar una habilidad no es suficiente simplemente saber cómo funcionan las cosas. . Se cree que los verdaderos maestros también deben poseer el conocimiento de por qué funcionan las cosas. Seguramente si entendiéramos por qué funcionan, entonces tendríamos una mayor comprensión de cuándo usarlos y cuándo no. ¿Qué tiene la percepción, la luz, la emoción del movimiento, la naturaleza humana que hace que estas ediciones funcionen o no? ¿Esta comprensión más profunda no te convertiría en un mejor videógrafo? En eso nos vamos a centrar hoy.
Volvamos a nuestro juego del principio. ¿Por qué crees que funcionó ese juego? En este caso, se trata un poco de prestidigitación, un poco de distracción y un poco de entender nuestra profesión. Hemos estructurado el párrafo para que se concentre en los aspectos de dirección del contenido, no en la estructura adecuada del párrafo. Piénselo como ese viejo acertijo en el que le dan una larga lista de personas que subieron y bajaron del autobús y luego, en lugar de una pregunta de matemáticas, le preguntan quién es el conductor del autobús. Finalmente, estamos jugando con sus experiencias. Si ha estado en una producción como esta, no es raro describir la acción en una especie de taquigrafía, ignorando las formalidades de etiqueta como el tiempo y la gramática.
Silva es licenciado en filosofía y es un orador principal y cineasta por derecho propio. En sus palabras, “la realidad está acoplada a la percepción y la percepción puede ser “mediada” por la cultura, el lenguaje, la electrónica, la música, etc. Al final, nuestra subjetividad es “colaborativa”, una colaboración entre sujeto y objeto”.
Bien, muchos de ustedes probablemente estén perdidos. Nada de esto pertenece al arte de la cinematografía, ¿verdad? Y sin embargo lo hace. “La ciencia y el arte son dos caras de la misma moneda…”, advierte Silva, “…[son] dos “lenguajes” para ayudarnos a comprender la realidad. Ambos son igualmente importantes”. Con eso en mente, adoptemos un enfoque más realista y enfocado a la ciencia detrás de nuestro arte.
Todos entendemos que existen estas imágenes que aparecen en una pantalla que las personas (y, a veces, mi gato) miran y se entretienen. Todos sabemos que puedes sacar los fragmentos irrelevantes del metraje de la cámara y acortarlos en una historia condensada. Muchos de nosotros hemos ido un paso más allá y hemos llegado a comprender que uno puede modificar esas ediciones y tomas para que se unan a la perfección en un nuevo trabajo que no solo entretenga, sino que de hecho influya en la emoción, la opinión e incluso el comportamiento. Se pueden usar diferentes estilos de disparo y edición para lograr este propósito.
Concentrémonos un poco en una edición. A veces funcionan y nos arrastran más en la escena. A veces fallan y nos eliminan del contenido. Edward Dmytryk argumentó en su libro "Sobre la edición de películas" que cada corte debe hacerse en un punto preciso y perfecto. Esto no quiere decir que su contenido le proporcionará de inmediato el punto de edición perfecto, solo que para el contenido, la continuidad y la emoción siempre hay un punto de edición ideal donde las tres consideraciones están perfectamente equilibradas para mover la historia y la audiencia como queremos. deseo.
Comprender el tiempo y el ritmo
Como espectadores, existe una comprensión esencial cuando vemos una película o un video. Considéralo la función más fundamental de la “suspensión de la incredulidad”. Cada espectador reconoce y, de hecho, espera que el tiempo se condense y que el tedio diario que nos lleva de un punto de la trama al siguiente se elimine [con suerte]. Estamos viendo una historia, no la vida entera de una persona tal como sucede. Esta es la noción de diseño de escena de "llegar tarde, salir temprano" llevada al extremo. La audiencia no quiere ver lo mundano o lo irrelevante, así que se lo quitamos, dejando solo la historia que nos interesa. Un método común de edición efectiva es cortar la acción. Esto significa que cambia su disparo actual mientras hay movimiento y lo empareja con el movimiento del disparo entrante, en esencia, continúa la acción. Esta es una edición básica, pero puede tener muchos más matices que eso.
“Ciertamente, hay ideas sobre cómo percibimos el mundo que podrían ser útiles al editar”, dice Silva. “‘Brain Games’ tiene que ver con la edición. Los juegos funcionan o no, y trabajamos con expertos en cerebro, guionistas de televisión y excelentes editores para asegurarnos de que todo salga bien”.
Aquí hay un ejemplo. Una persona enciende un automóvil y se aleja de la acera. Luego corta a una toma similar de esa persona caminando por un camino y entrando en un edificio. Como espectador, reconocemos instantáneamente que la persona necesitaba estar en algún lugar, que necesitaba un automóvil y que ahora acaba de llegar a su destino. Sin embargo, ¿qué es lo que nos llevó a esa conclusión? El meollo del asunto es la necesidad de nuestro cerebro de dar sentido a lo que vemos en el mundo que nos rodea. Necesitamos que el mundo tenga algún tipo de sentido lógico, y una progresión de movimiento es vital en nuestra búsqueda para comprender nuestro lugar en el universo. Así nuestro cerebro llena los espacios en blanco. Tome primero la idea de que el automóvil se mueve en la misma dirección en que caminan. Tu ojo seguirá al coche y percibirá que la transición es suave y el movimiento no se interrumpe. Nuestro cerebro entonces puede hacer la conexión de que el viaje fue directo, que de hecho estamos continuando el mismo viaje, o a través de la línea. Una cosa lleva a la siguiente.
¿Qué pasaría entonces si, en cambio, hacemos que el automóvil se mueva de izquierda a derecha y cortemos a la persona que camina de derecha a izquierda? En este caso, el cerebro percibiría una discontinuidad. Sabe que no puede llegar a la derecha viajando a la izquierda, por lo que se envía lo que podría denominarse un mensaje de "error". Algo está mal, y vuelve a lo que sabemos sobre nuestro mundo instintivamente. El cerebro nos dice que nos hemos perdido algo. En algún momento que no vimos, el viajero cambió de dirección. Nuestra comprensión llena los vacíos, percibiendo que la única forma en que esto podría haber sucedido es si ha pasado más tiempo mientras “parpadeamos” de lo que pensábamos. Ahora hemos utilizado la noción de corte en movimiento para transmitir un paso de tiempo más largo. Tal vez la persona incluso se detuvo en algún lugar de camino a su destino.
¿Qué otras cosas podemos transmitir además del tiempo? ¿Qué pasaría si en lugar de cambiar de dirección, alteráramos la velocidad de una o ambas acciones? Aquí entra en juego la capacidad humana de leer el lenguaje corporal. Si el auto se aleja apresuradamente, la audiencia concluiría que el sujeto tiene prisa, está ansioso o enojado. Se apresuran a llegar a algún lugar o alejarse de algún lugar. Una persona con prisas no va a ir despacio si tiene la adrenalina alta. Asimismo, si contrarrestamos este movimiento rápido del automóvil con una caminata lenta hacia el edificio, retratamos que la persona ha tenido tiempo de calmarse, que ya no está enojada, ansiosa o tensa. Vuelven a tener el control. Ha pasado una cantidad de tiempo más larga en la que han cambiado de humor.
¿Es posible que podamos llevar esto más lejos y transmitir un período de tiempo aún más corto o más largo? Ahora cambiemos la ubicación de la edición entre las dos tomas. Esta vez el auto comienza a alejarse, pero lo aguantamos más tiempo, viéndolo alejarse. En este punto, podemos estar convencidos de que están abandonando una situación en lugar de simplemente trasladarse de un lugar a otro. Si estuviéramos persiguiendo a esta persona y se subiera a un coche y se fuera, de hecho la estaríamos viendo irse, como una presa que se escapa. El depredador estaría contemplando simultáneamente si valdría la pena continuar persiguiéndolo, calculando a dónde podría ir su objetivo a continuación y deseando que su objetivo no se hubiera escapado. Hay un momento de contemplación allí. Es este momento el que le damos a la audiencia cuando extendemos las imágenes salientes. Esa larga contemplación también transmitirá un paso de tiempo aún más largo entre ella y la siguiente escena. A medida que nuestro sujeto se aleja, se ralentiza en relación con nuestra posición y perspectiva, por lo que también podría cronometrarse.
Del mismo modo, una caminata más larga en la toma entrante le daría a la audiencia más pausa para pensar en lo que sucederá a continuación. Nuestro sujeto está pensando en lo que sucedió en el automóvil y lo que sucederá cuando entren al edificio a medida que se acercan. ¿Podría haber sentimientos de consecuencias más duraderas o un sentido más profundo de planificación? Considere lo que podría pensar si acortara el viaje, pero tuviera una caminata larga. ¿Quizás un sentido más profundo de determinación? ¿Qué tal un viaje largo en automóvil, pero una caminata lenta y corta? Es la percepción y la empatía lo que podemos agradecer por crear una situación tan compleja en torno a un único punto en el tiempo.
Discontinuidad Personal
Hemos hablado mucho sobre lo que podemos hacer que el espectador piense y vea, pero ¿qué hay de hacer que se pierda cosas? A menudo, esto es tan importante, si no más, que lo que ven. Es importante recordar que en el 99 por ciento de todas las situaciones de edición, el contenido es más importante que la continuidad. Si tiene que elegir entre restarle valor al contenido y tener un automóvil en el fondo de su toma que cambia de color, el contenido debería ganar siempre. Si su material es lo suficientemente atractivo, los espectadores no deberían mirar el fondo para empezar. Sin embargo, nunca debería haber un caso en el que el cambio sea tan abrupto que domine el contenido. Aquí es donde nuestra manipulación psicológica vuelve a entrar en juego.
Como elemento básico para llevar el tocino a casa, el mundo de la información médica es donde he pasado la mayor parte de mi tiempo editando durante gran parte de la última década. Este campo es un ejemplo perfecto de dónde el contenido debe tener prioridad sobre la continuidad. Grabamos discusiones en vivo entre expertos. La información científica debe ser clara y concisa. A menudo, se debe cortar un tartamudeo o una declaración errónea, incluso si eso significa que el brazo de alguien salta de ubicación de una toma a la siguiente, sin embargo, se sorprendería de lo raro que es que alguien que no es editor se dé cuenta. La razón de esto es que nos hemos vuelto bastante capaces de encubrir este tipo de ediciones. De nuevo, sin embargo, quiero hablar sobre por qué esto funciona.
Vamos a volver al concepto de distracción nuevamente. En primer lugar, los espectadores tienen un interés creado en prestar mucha atención al contenido. Si escuchan atentamente y piensan en lo que se dice, es menos probable que presten demasiada atención a las imágenes. Al contrario de lo que mucha gente cree, los humanos no son verdaderos multitarea. Este concepto es un ejemplo de los tipos de temas explorados en “Brain Games” (temporada uno, episodio dos). Algunas personas son buenas para alternar entre tareas con bastante rapidez, pero eso no es lo mismo que la forma en que su computadora moderna puede ejecutar dos o más programas en paralelo. Lo que esto significa es que si el espectador se concentra en un aspecto del programa, es probable que se le escapen otros aspectos.
El truco entonces es hacer que los espectadores se centren en el aspecto correcto en el momento adecuado. Pero, ¿qué podemos hacer si nuestro tema no es tan importante que el diálogo requiere la plena intención del espectador? Podemos usar otras distracciones. Los charcos de luz y oscuridad funcionan muy bien, ya que nuestro ojo siempre se siente atraído por la luz. Se pueden usar destellos o reflejos especulares para atraer la atención a un punto particular de la pantalla. Los colores brillantes como el rojo o el naranja pueden llamar la atención de la misma manera y hacer que las secciones se destaquen del resto, un método común que se usa en las pinturas. Esto se puede ver a menudo en escenas de fiestas o bodas, donde el personaje principal está en un vestido rojo y todos los demás están en azul, verde, gris y negro. Este simple truco es responsable de por qué nosotros, como audiencia, nunca notamos la discontinuidad en el fondo de cualquier escena de fiesta, y lo desafiaría a encontrar cualquier escena de fiesta grande donde no haya problemas de continuidad. El cerebro cambia la precisión por la velocidad ("Brain Games", temporada tres, episodio seis), asimilando la mayor cantidad de información posible pero procesando solo lo que es importante. Por supuesto, podemos apuntar hacia atrás una vez más al movimiento y usarlo para que se enfoquen donde queremos.
Hacer cine es un arma de tres filos.
De hecho, queda claro que todos estos métodos que empleamos durante la producción y la posproducción para influir en nuestros espectadores tienen una base en la naturaleza humana y una explicación en la ciencia, pero se necesita el lado artístico para implementar estos métodos de manera efectiva. Silva, a quien le apasiona contar historias y crear momentos de asombro en nuestros espectadores, está de acuerdo en que lo artístico no puede pasarse por alto ni eclipsarse. “Ciertamente, existen técnicas brillantes para editar, pero al final hay un ritmo, un don, que no se puede aprender:es ese flujo al que te conectas”. Señala a Leonardo Dalessandri, cineasta detrás de “Watchtower of Turkey” por su influencia en este campo, y lo considera el “Mozart de la edición”. Al final arte, ciencia y naturaleza son caras de una misma moneda. Nuestro trabajo representa eso:Su visión, su percepción y la verdad de la pantalla.
En este punto de mi viaje de comprensión, me enfrento a un enigma, algo tangencial, pero relevante para la exploración de por qué funcionan las técnicas cinematográficas. Si dentro de nuestras obras podemos dar forma a la realidad, y la realidad es subjetiva, ¿qué pasa entonces con la experiencia compartida? Ciertamente, este es uno de los principales objetivos por los que nos esforzamos al llegar a la audiencia en general con nuestras construcciones cinematográficas. ¿La realidad es diferente entonces para cada espectador? Ciertamente, esto podría explicar por qué podría tener cien personas saliendo de una sala de cine y muchas le dirán detalles y puntos de la trama que son menos que idénticos a los demás. Una vez más, Silva tiene una visión maravillosa. “Como ha escrito David Lenson, encontramos que la realidad es un jardín de caminos que se bifurcan de experiencias posibles:persona, multiplicado por lugar, multiplicado por tiempo. No hay una realidad "única". Joseph Campbell incluso nos dijo que no se puede usar la palabra "realidad" sin comillas". Como cineasta, es tranquilizador que podamos conectarnos con muchos, pero en un nivel personal para cada individuo. En muchos sentidos, es lo que nosotros, como artistas, esperamos lograr en última instancia, un trabajo que les hable a todos, pero que signifique algo ligeramente diferente para todos.
Al final del día, todos volveremos a nuestros guiones, cámaras y editaremos las líneas de tiempo y continuaremos nuestro trabajo como lo hacemos habitualmente, instintivamente, como nos han enseñado, como hemos aprendido. Dudo que alguna vez, de hecho, espero que no lo haga, mire un corte y diga:"Debería editar de esta manera porque la ciencia me lo dice". Sin embargo, por mi parte, descubrí que obtuve una nueva visión de mi trabajo que quizás no tenía antes. A través de la exploración de la ciencia, encontré una nueva comprensión no solo en la mecánica y la física de nuestro trabajo, sino también en el arte de nuestro trabajo. Comprender la ciencia detrás de nuestros métodos no nos hará brillantes donde antes no lo éramos, no hará que las cosas "hagan clic" de repente, pero puede hacer que encontremos la toma correcta más rápido o el punto de edición perfecto antes. Tal vez hará que nuestras historias sean más atractivas, nuestros mensajes más significativos y nos ayude a conectarnos mejor con nuestra audiencia.
La quinta temporada de “Brain Games” se estrena el domingo 14 de febrero a las 9:00 p. m., hora del Este, y se repite en varios momentos durante la semana.
Barra lateral:Más de Jason Silva
Silva dice que National Geographic lo trajo a bordo después de ver su serie de videos virales "Shots of Awe", que se puede encontrar en youtube.com. “‘Shots of Awe’ es un proyecto apasionante:una serie de microdocumentales destinados a alterar la conciencia del espectador y ayudarlo a ver el mundo de una manera nueva. Exploramos la tecnología, la innovación y la creatividad”. Los videos en conjunto han sido vistos más de 20 millones de veces. Silva nos dice que personas influyentes como Ron Howard y Richard Branson han compartido la serie con otros. “Me apasiona el tema del “asombro”:¿cómo el cine, cómo los medios catalizan AWE:cómo podemos contar historias, editar historias, para ser experiencias catárticas para los espectadores? “Shots of Awe” tiene que ver con esto. Compruébalo en https://www.youtube.com/user/ShotsOfAwe
Peter Zunitch es un editor galardonado en Nueva York