9 cortes esenciales que todo editor de video necesita saber

En este video tutorial, vea algunos de los cortes básicos que todo editor debe saber antes de abordar su próximo proyecto de video.

Imagen superior a través de fedota1 .

Para los forasteros y los principiantes, la edición es quizás uno de los elementos más incomprendidos del cine. Muchos asumen que la edición no es más que eliminar los clips defectuosos y acortarlos. En un nivel superficial, eso puede ser cierto, pero cuando convertimos esas suposiciones en preguntas, nos acercamos al arte de editar. ¿Qué es un mal momento? ¿Cuánto acorto ese clip? Estas preguntas centrales y, en última instancia, las respuestas, alterarán la forma en que se digieren los medios.

Ya sea que esté editando en Premiere, Final Cut Pro X, Resolve o Avid, la edición está plagada de decisiones importantes que beneficiarán su historia de manera significativa o se convertirán en un gran detrimento. Estas son técnicas de narración, no detalles técnicos para software específico. Son elementos fundamentales que ayudarán a que su proyecto encuentre su voz y lo haga destacar entre la multitud. Veamos los conceptos básicos imprescindibles que todo editor necesita saber.

Estándar Cortar

En una oración o dos:el comienzo fundamental de la edición es el corte estándar. Este es el corte entre dos clips diferentes uno al lado del otro.

Piense en ello como "disparo, disparo de reacción". Es simplemente el final de una acción y el comienzo de otra. Esto podría ser durante la escena o de escena a escena. No hay mucho significado agregado aquí, pero es esencial saber cuándo un corte como este puede ser útil, o incluso necesario. Si está grabando un comercial o un video corporativo, lo más probable es que solo esté transmitiendo información básica de una manera muy estructurada sin llamarada ni alboroto.

Si bien se puede enseñar la práctica del software de edición (puede aprender DaVinci Resolve aquí), la noción de cuándo cortar un poco no se puede. Hasta cierto punto, es un sentimiento intuitivo. Y como dibujar, lleva tiempo dominarlo. Sin embargo, recomiendo un libro del famoso editor Walter Murch titulado In the Blink of an Eye:A Perspective on Film Editing. . A lo largo de sus 146 páginas, Murch, el editor de Apocalypse Now y Jarhead , repasa los fundamentos sobre la sensación de cuándo cortar y cómo puede ayudar a nutrir la intuición de su editor.

corte en J

En una oración o dos:un corte en J tendrá audio del clip de video anterior que ingresará a la siguiente toma antes de que termine la primera.

El J-cut es una edición absolutamente imprescindible para unir escenas. A veces, puede encontrar que su edición se siente abrupta, a pesar de que es prácticamente sólida. Esta podría ser una edición que une un paisaje de playa con el interior de un automóvil donde dos personas están conversando. Aunque un corte estándar es apropiado, la yuxtaposición de la tranquila playa con el ruidoso interior del automóvil puede parecer nítida. Con un corte en J, puede hacer que esta edición sea menos intensa moviendo el audio debajo del clip 1 y hacer que se desvanezca lentamente a todo el volumen hasta que llegue al comienzo del clip 2. Esto es un corte en J.

Además, se usaría un corte en J (y corte en L) en una escena conversacional para vincular el audio del clip anterior y hacer que la conversación parezca natural. Si solo cortamos al personaje cuando está hablando, la escena puede parecer mecánica.

Como se indica en el diagrama, el corte en J toma su nombre porque el audio del clip 2 pasa por debajo del clip 1 antes de que el clip 1 haya terminado y crea una forma de J.
La idea aquí es llevar a la audiencia a la siguiente toma con el audio Es un efecto simple pero obvio que hará una gran diferencia cuando lo veas y lo escuches en acción.

Corte en L

En una oración o dos:un corte en L tiene audio desde el primer plano sangrado en el segundo plano.

No hay mucho que decir sobre el corte en L, y eso es porque lo he explicado todo en la sección de corte en J. Sí, el corte en L es como el corte en J. Pero en lugar de que el audio del clip 2 ingrese al clip 1, el corte en L arrastra el audio del clip actual a la siguiente toma y crea una forma de L.

Fuera de las escenas conversacionales, a pesar de que este efecto es lo opuesto al J-cut, puede tener un impacto muy diferente en cómo las personas escuchan y ven cómo se desarrollan las escenas. Usando el ejemplo del J-Cut, escuchar el audio del automóvil primero nos invita a la siguiente escena. Si usáramos un corte en L y tuviéramos audio del clip 1, la playa, síganos hasta el clip 2, el automóvil. Promovería una sensación de melancolía o nostalgia sobre ese lugar. El personaje todavía está mentalmente en la playa, mientras que físicamente está en el auto.

Para obtener más información sobre los cortes J &L, consulte nuestro tutorial a continuación.

Los tres cortes anteriores sientan las bases para la mayoría de las ediciones y, aparte de algunas transiciones, no hay muchos otros arreglos para sus medios. Sin embargo, lo que puede el cambio es cómo se perciben tus ediciones, y esto será dictado por lo que edites junto a la toma activa.

Veamos una serie de técnicas utilizadas por los profesionales.

Corte de salto

En una oración o dos:un corte de salto es donde una sola toma se corta hacia adelante en sí misma, haciendo que el sujeto aparezca esporádicamente a través del marco. Por lo general, se usa para indicar un cambio en el tiempo.

El corte de salto ofrece una forma rápida y entretenida de mantener a tu audiencia enganchada. La técnica es simple:toma un clip largo (toma larga) y córtalo, dejando que tus personajes salten en el tiempo. Es una vista discordante, pero gracias a las comedias y los vloggers de YouTube, el corte de salto se ha arraigado en nuestro subconsciente colectivo como una forma viable de acelerar una escena.

Debido a la naturaleza intrusiva del corte de salto, no es una técnica que se emplee a menudo en la televisión o el cine. Eso es porque nos hace conscientes de la edición. Cuando se ha utilizado en el cine, suele servir para el efecto cómico.

Sin embargo, como señaló el cineasta David F. Sandberg (Shazam ), también tiene el propósito de probar juntos productos prácticos en películas de terror y acción.

Montaje

En una oración o dos:el montaje es una serie de clips que muestran un cambio en el tiempo, la persona o la ubicación.

El montaje ha aparecido en algunas de las mejores películas de acción, comedias e incluso películas de terror en un elemento básico cinematográfico. El montaje muestra el paso del tiempo y captura el desarrollo de los personajes de la manera más fluida posible.

Usado en películas de acción, o en películas que intentan evocar la semejanza nostálgica de un montaje de acción de los años 80, este corte se usa típicamente para mostrar al protagonista entrenándose para la próxima gran cosa. Mientras Rocoso no fue la primera película en usar un montaje, es difícil discutir el impacto que tuvo la película de boxeo con la popularidad de los montajes, especialmente con el tema de la superestrella "Gonna Fly Now".

Desde Rocky, el montaje de entrenamiento se ha utilizado en innumerables medios, desde stop motion hasta anime.

Puede crear un montaje de varias maneras diferentes. Mientras que el corte de salto depende de la ubicación y la escena, el montaje es una secuencia. Pon una canción pegadiza sobre las imágenes de tus personajes intentando lograr un objetivo. Córtelo, manténgalo en la longitud correcta y tendrá un montaje exitoso. Para pasajes largos de tiempo, asegúrese de cambiar los clips con una disolución cruzada

Si está filmando un montaje de entrenamiento, asegúrese de incorporar lo siguiente para una secuencia de montaje más elaborada:

• Múltiples disfraces
• Varias horas del día
• Varios patrones climáticos

Corte en acción

En una oración o dos:Cortar en la acción es donde se cortaría de un plano a otro ángulo que coincida fluidamente con la acción del primer plano

Quizás el corte más significativo y conocido es "cortar en acción". ¿Así que qué es lo? Es solo eso:cortar en medio de un personaje que realiza alguna acción, como moverse, girar la cabeza, patear, saltar, correr, etc. Es solo una forma perfecta de llevar los ojos de la audiencia de un plano a otro sin darse cuenta de que había alguna vez un corte. Este corte solo es posible si tiene suficiente cobertura de tomas, incluidas tomas amplias, cercanas y medias. Esto le dará más con qué trabajar cuando esté editando.

En el ejemplo anterior, la acción de corte sigue el swing del jugador de béisbol. Como el corte coincide con la acción de la toma anterior, tiene una sensación de energía cinética.

Mira al menos sesenta segundos de la pelea principal del Capitán América:Soldado de Invierno secuencia a continuación. Cortar en acción ayuda a promover una sensación de energía con las ediciones.

La acción, por naturaleza, es cinética. Lanzas una piedra a una ventana, la ventana se romperá y la piedra caerá por el otro lado. Sin embargo, ver eso como un espectador es pasivo, y el cine te permite hacer que estos momentos sean activos. En el cine, la acción no solo debe verse; también hay que sentirlo.

Sin embargo, el término acción no define algo orientado a la acción como un ladrillo arrojado por la ventana. Podría ser tan simple como un detective abriendo un maletín filmado en un plano medio, y al estar el maletín medio abierto, cortamos un primer plano. Pero la acción de la apertura de la caja permanece constante en todo momento, manteniendo la energía cinética del movimiento.

Transversales

En una oración o dos:el corte cruzado es una forma de edición que establece dos secuencias en ubicaciones separadas para que ocurran al mismo tiempo.

Si bien parece más desafiante de lo que es, la transversalidad es una manera perfecta de contar dos historias simultáneamente. Por lo general, estas dos narrativas se desarrollan simultáneamente, por lo que cortará entre ambas. La técnica es tan simple como mostrar a un personaje haciendo algo, luego pasar a otro personaje en otro lugar haciendo otra cosa y luego volver al primer personaje. Perfeccionar el tiempo y el "reloj de juego" narrativo puede ser difícil, pero es una excelente manera de contar dos historias a la vez. El objetivo de la transversalidad es generar suspenso y crear una sensación de alcance:un mundo lo suficientemente grande como para que valga la pena verlo.

Uno de los ejemplos más notables de transversalidad es Origen de Christopher Nolan. . Hacia el final de la película, los personajes se desplazan a través de varias capas de "mundos de ensueño", y los eventos de cada mundo se sienten uno dentro del otro. A lo largo del acto final, estamos continuamente yendo y viniendo entre líneas de tiempo.

Debido a la naturaleza transversal, solo funciona con una planificación minuciosa. Si está pensando en crear una historia con elementos transversales involucrados, un consejo rápido sería ensamblar ambas ediciones primero y luego editar las secuencias compiladas juntas.

cortes

En una frase o dos:un corte es la suspensión de una secuencia filmada de forma continua mediante el corte de una toma de otra cosa.

Sirviendo más como relleno que cualquier otra cosa, los cortes son tomas insertadas en una escena que ayudan al espectador a comprender el entorno de los personajes. Puede hacer esto tirando de B-roll en el lugar. Los cortes pueden ser planos generales, primeros planos o planos medios. Solo asegúrate de no cortar en medio de una línea o momento sustancial.

En el clip de arriba, desafortunadamente, hay un movimiento de la cámara a mitad de la secuencia. Sin embargo, si cortamos a una inserción, podemos enmascarar el error del operador (ficticio).

No hay mucha información que deba explicarse sobre los cortes; hacen exactamente como se titula. A menudo encuentro que los cortes pueden servir como una curita cuando hay un problema con el metraje, pero aún necesitamos el audio. Tal vez alguien patea el trípode y la cámara se sacude abruptamente, o el talento se desenfoca demasiado. Si es así, use un corte para enmascarar el error. Por supuesto, como se indicó, solo puede hacer esto si el material ya ha sido grabado.

Match Cut

En una oración o dos:un corte coincidente es una edición que usa elementos de la toma anterior para pasar a la siguiente escena. La escena anterior suele ser completamente diferente de la primera escena.

Quizás el corte visualmente más deslumbrante, el corte de coincidencia le permite transportar los ojos del espectador a la siguiente toma antes de que se den cuenta de que sucedió. La idea es simple:cortas mientras tu personaje se mueve o hace algo y termina el movimiento en otro lugar o con otro personaje en la siguiente toma. Esto crea un movimiento fluido que mantiene los ojos de tu audiencia moviéndose en la dirección que quieras.

El corte de coincidencia no se usa con frecuencia ya que llama la atención sobre la edición; se vuelve notable cuando desea que la edición permanezca invisible. Sin embargo, cuando se usa, y cuando se usa correctamente, el match cut ha terminado produciendo algunos de los cortes más memorables del cine. Podría decirse que el ejemplo más notable está en 2001:A Space Odyssey con el hueso a la estación espacial cortado.

Si bien se usa principalmente con imágenes, un corte de coincidencia también se puede implementar con sonido. Un ejemplo rápido sería un villano escondido a punto de disparar su arma hacia el protagonista, y justo cuando aprieta el gatillo, cortamos la campana de una iglesia en un lugar diferente. Como el dong de la campana y el estampido del arma comparten propiedades audibles fuertes similares, el corte coincidirá perfectamente.

Para obtener más información sobre trucos y consejos de edición, consulte algunos de nuestros artículos anteriores aquí:

• Cómo editar sus propios videoclips
• 5 consejos rápidos para comenzar con After Effects
• Limpieza de videos ruidosos en 30 segundos
• 10 tipos de tomas y ángulos que todo cineasta debe conocer
• Kit de herramientas de edición de video:más de 220 animaciones gratuitas, ajustes preestablecidos, superposiciones y más