Interesado en convertirse en un destacado director de fotografía? El mejor lugar para comenzar es estudiando a los grandes maestros de la cinematografía.
Comenzaré diciendo que la mejor manera de dominar cualquier parte del cine es simplemente salir y hacerlo. Hazlo y falla e inténtalo de nuevo hasta que lo hagas bien. Sin embargo, aunque ese podría ser el enfoque práctico, definitivamente hay un enfoque más filosófico:estudia el arte de hacer cine y aprende de aquellos que lo han dominado a lo largo de los años.
Cuando analizamos específicamente la cinematografía, tenemos una vasta y rica historia de directores de fotografía legendarios para mirar hacia atrás. Han ayudado a desarrollar el oficio, así como a dar forma a nuevos estilos y técnicas. También son la fuerza impulsora detrás de las innovaciones que hacen avanzar la forma de arte con cada proyecto.
Habiendo tenido la oportunidad de revisar más de una docena de los mejores directores de fotografía de todos los tiempos, aquí están mis conclusiones. Aprendí mucho sobre cómo encontraron y desarrollaron su estilo, cómo trabajan de manera tan experta con los contrastes entre la oscuridad y la luz, y cómo continúan impulsando el arte de la cinematografía, incluso hoy.
Encuentra tu pasión
Una de las partes más fascinantes de la investigación de todos estos notables directores de fotografía ha sido simplemente explorar qué es lo que los motiva a todos. No hace falta decir que la vida de un director de fotografía nunca es fácil. Requiere extrema pasión y dedicación. Tienes que sumergirte por completo en el oficio y trabajar en proyectos las 24 horas del día, los 7 días de la semana para hacer realidad tu visión.
Sin embargo, cuando escuchas a un director de fotografía de renombre como Robert Yeoman hablar en el video de arriba sobre cómo encontrar su chispa creativa, comienza a tener un poco más de sentido. Y, cuando te sumerges en cómo Yeoman da forma a su estilo y visión mientras nutre a un compañero introvertido y creativo como Wes Anderson, obtienes una imagen clara de cuán profunda es su pasión.
Desarrolla tu lenguaje cinematográfico
Del mismo modo, si observa la carrera de otro destacado director de fotografía moderno como Rachel Morrison, puede ver cuán conectados están estos artistas con su oficio. Como muchos directores de fotografía, Morrison habla de cómo creció con una cámara en la mano. Para sobresalir verdaderamente en la cinematografía, debe ser un apasionado del medio y estar constantemente motivado para mejorar su trabajo.
El viaje de un director de fotografía también se determina en la forma en que puede desarrollar su propio lenguaje como un medio para su narración cinematográfica. En el ensayo de video anterior sobre Morrison, puede ver cómo ha podido crear sutilmente un estilo único y una apariencia para muchas de sus películas al emplear varias de las mismas técnicas de filmación y paletas de colores.
Explorar diferentes ángulos
También es interesante explorar los diferentes ángulos y lentes que usan los directores de fotografía para dar vida a sus mundos. A algunos les gusta tomar fotografías muy planas y macro, explorando los sutiles matices de los rostros y las emociones. Mientras tanto, a otros les gusta trabajar en el gran angular para capturar escenarios más grandes que la vida y dar más contexto al espacio y la acción.
Mirando el mundo de gran angular de directores de fotografía legendarios como Wally Pfister, el video de arriba es un ejemplo perfecto de cómo enfocará sus películas. En sus múltiples colaboraciones con Christopher Nolan, así como en sus otros proyectos, Pfister utiliza su enfoque de gran angular para capturar la grandeza de sus sujetos y ayudar a dar vida al alcance de la acción.
Conviértete en un personaje en la escena
Otro consejo divertido que encuentro verdaderamente fascinante proviene del prometedor director de fotografía convertido en director de fotografía Reed Morano, quien ha sido capaz de capturar a sus personajes con una sinceridad y un detalle extraordinarios. Esto se debe en gran parte a su enfoque (que describe más arriba), de “convertirse en un personaje de la escena” con su cámara.
Un buen DP no debe ser solo una mosca en la pared o en el fondo del conflicto y la acción. Un director de fotografía fuerte como Morano quiere estar en el medio de la escena, moviéndose con los personajes, comprometiéndose con ellos y sus emociones, y brindando a la audiencia esa perspectiva POV como si también estuvieran en la sala.
Experimentar pronto y con frecuencia
En muchos sentidos, los que recién se inician en la cinematografía son los más afortunados. Esos primeros años son cuando los directores de fotografía tienen la libertad de explorar y experimentar realmente con el fascinante medio del cine. Si observamos la innovadora cinematografía y la carrera de Matthew Libatique, quien ayudó a dar forma a muchas de las películas más cerebrales de Darren Aronofsky que dirigió, comienza a ver cuánta experimentación ha tenido lugar en el pasado.
Libatique debe gran parte de sus estilos y técnicas innovadores a sus primeros días jugando con las cámaras y jugando con diferentes tipos de películas y velocidades. Sus experimentos realmente perfeccionaron las habilidades en las que confiaría a lo largo de su carrera.
Crear un Lookbook
De todos los directores de fotografía que hemos presentado y entrevistado a lo largo de los años, Bradford Young brinda quizás el mejor consejo que he escuchado para cualquiera que busque ingresar a la cinematografía, o incluso al cine en general. ¡Crea un lookbook! Como afirma en el video de arriba, no solo te ayuda a desarrollar tu propia apariencia y estilo, sino que también te prepara para superar los nervios de comenzar en la industria.
Un lookbook tampoco tiene que ser tan claro y conciso como se ve en el ejemplo anterior, como explica Young. Para propósitos prácticos, la práctica de lookbooking en realidad informará a su mente y ojo cinematográficos para reconocer looks y estilos que eventualmente puede desarrollar en sus propias composiciones.
Utilice la cinematografía para crear sonido
Uno de mis ejemplos favoritos del poder de la cinematografía proviene de The Quiet Place , por la directora de fotografía Charlotte Bruus Christensen. En esta película, Christensen hace lo impensable al crear sonido a partir de la práctica silenciosa de la cinematografía.
Originalmente formado en el estilo y la filosofía del cine Dogma 95, a lo largo de los años, Christensen desarrolló un enfoque naturalista de la cinematografía. Su enfoque le da a la cineasta la capacidad de usar imágenes para hablarle al público de maneras que son mucho más profundas y ruidosas que solo los personajes y el movimiento.
Comprender la importancia del contraste
Otra conclusión importante al analizar las carreras de tantos directores de fotografía estimados es cuán enfocados están todos en el contraste y la importancia de la oscuridad y la luz. Estos son realmente los bloques de construcción fundamentales absolutos de cómo se construyen las imágenes y tomas. Entonces, mientras que un director de fotografía puede enfocarse en otros elementos de color y composición, los contrastes siempre están al frente de sus mentes.
Quizás no haya mejor ejemplo de esto que con el director de fotografía de Steven Spielberg, Janusz Kamiński. Kamiński filmó secuencias tan famosas como la escena inicial de la "oración de las velas" de La lista de Schindler . En la entrevista anterior, Kamiński expone cuán importante estos contrastes entre la luz y la oscuridad informan su cinematografía, así como quién es él como artista.
Usa tu cámara como una extensión de ti mismo
Esta cita suena cierta para cualquier DP experimentado que haya pasado una cantidad significativa de tiempo detrás de una cámara. En cierto punto, el arte de la cinematografía deja de ser una tarea y se convierte simplemente en una extensión de uno mismo. La cámara básicamente se convierte en una extremidad, o un tercer ojo, para que un DP vea y capture el mundo que lo rodea.
Mirando algo de la cinematografía ejemplar y alucinante de Ellen Kuras (quien filmó una de mis películas favoritas Eternal Sunshine of the Spotless Mind ) como ejemplo, puede comenzar a comprender qué tan cierto es este concepto. Con solo mirar su proyecto más famoso, realmente tienes la sensación de que su cámara es similar a su visión mientras observamos algunos de los momentos fascinantes, pero verdaderamente humanos, de la película que pasan ante nuestros ojos.
Sé el colaborador de tu director
Este probablemente debería ser evidente, pero si quieres ser un director de fotografía exitoso, ¡trabaja con grandes directores! Este es ciertamente el caso del legendario Robert Richardson, quien ha trabajado con grandes directores como Oliver Stone y Quentin Tarantino. Sin embargo, el truco no es solo trabajar con grandes directores. En realidad, es ser un gran colaborador tú mismo.
Richardson ha encontrado trabajo una y otra vez con algunos de los nombres más importantes de la industria debido a su capacidad para ser un socio creativo. Además, es un astuto servidor del oficio de la cinematografía mientras está en el set. Se necesita una combinación perfecta de compatibilidad y comunicación para asociarse con un gran director y ayudarlo a hacer realidad su visión.
Recordar Siempre Dar Servicio a la Historia
Similar al consejo anterior, otro principio de la gran cinematografía es recordar siempre que la historia es lo primero. Al mirar hacia atrás en la cinematografía del difunto Michael Chapman, quien fue uno de los primeros colaboradores de Martin Scorsese en películas como Taxi Driver y el toro salvaje en blanco y negro , obtenemos un fuerte sentido de la historia en cada fotograma.
En el video de arriba, Chapman atribuyó el éxito de su trabajo a su constante enfoque en servir a la historia. Compartió su enfoque con Scorsese, y este enfoque es la razón por la que ambos lograron tanto éxito.
Sé parte de un movimiento cinematográfico
También es interesante mirar hacia atrás en la historia de la cinematografía para reconocer diferentes épocas y movimientos. Cuando Caleb Deschanel se inició en el cine y la cinematografía en los años 60 y 70, el Hollywood clásico seguía siendo la norma. Sin embargo, a medida que avanzaba, rápidamente se encontró formando parte de un nuevo movimiento. Junto a contemporáneos como Robert Richardson y Roger Deakins, Deschanel introdujo la cinematografía en un nuevo y moderno estilo de Hollywood.
Esto no significa que debas simplemente copiar lo que están haciendo tus colegas. En cambio, significa que, al igual que Deschanel, es importante reconocer que no tienes que hacer las cosas de la misma manera que siempre se han hecho. En su lugar, busque nuevos estilos y técnicas en cada esquina.
Hacer avanzar el arte
Finalmente, uno de los mayores sellos distintivos de lo que hace que un director de fotografía en activo sea un verdadero maestro de la cinematografía es su voluntad de impulsar la forma de arte. Hay miles de directores de fotografía súper talentosos que trabajan en proyectos en todo el mundo. Sin embargo, sobresalir en una industria altamente competitiva requiere cierta disposición para adoptar nuevas tecnologías y oportunidades.
Como un verdadero provocador de la innovación, debemos mencionar la firme voluntad de Steven Soderbergh de impulsar la industria. Soderbergh realiza DP en muchos de sus propios proyectos bajo el seudónimo de Peter Andrews. Si bien muchos directores y ejecutivos de estudio están haciendo películas más grandes, llamativas y costosas, Soderbergh continúa adoptando la nueva tecnología de video para teléfonos inteligentes como una forma de abrir el cine a una nueva generación de aspirantes a directores de fotografía.