i. Preparación y planificación:establecer las bases para la creatividad
* 1. Defina su visión:
* ¿Qué historia quieres contar? Esta es la parte más crucial. Estás apuntando a:
* misterio?
* fortaleza?
* vulnerabilidad?
* surrealismo?
* Joy?
* Una era específica (retro, futurista)?
* Comentario social?
* Escriba su concepto central en una oración o dos. Por ejemplo:"Un retrato que muestra la fuerza interior del modelo a través de la luz y la oscuridad contrastantes, evocando una sensación de resiliencia".
* Board e inspiración: Recopile imágenes, pinturas, imágenes de películas, texturas, colores y cualquier otra cosa que se alinee con su visión. Los sitios web de Pinterest, Instagram y Art son excelentes fuentes. Esto ayuda a visualizar su estética deseada. No copie directamente, pero úselo como trampolín.
* Técnicas de investigación: Explore técnicas de fotografía creativa específicas que desea probar (más sobre estas más adelante).
* 2. Selección y colaboración del modelo:
* Elija un modelo que complementa su visión: Considere su personalidad, mirada y disposición a experimentar. Un buen ajuste hace una gran diferencia.
* Comunica tu visión: Explique claramente su concepto, el estado de ánimo que está buscando y la estética general. Comparta su pizarra de humor.
* involucra el modelo: Pide sus aportes e ideas. La colaboración conduce a resultados más creativos. Su energía y confianza deben reflejar la visión.
* 3. Ubicación exploración y permiso (si es necesario):
* Considere la atmósfera: La ubicación debe mejorar su historia. Piense más allá de los lugares típicos de retratos.
* Busque elementos interesantes: Arquitectura única, fondos naturales, texturas, patrones y fuentes de luz.
* Scout en diferentes momentos del día: Observe cómo cambia la luz y cómo afecta el estado de ánimo de la ubicación.
* Obtener permisos: Si dispara en propiedad privada o en espacios públicos que requieren permisos, haga la documentación necesaria.
* 4. Equipo:
* Cámara: La cámara DSLR o la cámara sin espejo es ideal, pero un teléfono inteligente puede funcionar en un apuro.
* lentes: Elija lentes según su visión.
* 50 mm: Versátil, ideal para retratos con buen fondo desenfoque.
* 85 mm: Excelente para retratos halagadores con profundidad de campo poco profunda.
* 35 mm: Se puede utilizar para retratos ambientales, que muestra más de los alrededores.
* gran angular: Puede crear perspectivas dramáticas y distorsionadas (use con moderación).
* Iluminación:
* Luz natural: La hora dorada (poco después del amanecer y antes del atardecer) es hermosa. Los días nublados proporcionan luz suave y difusa. Aprenda a usar reflectores para rebotar la luz y completar las sombras.
* Luz artificial (luz de velocidad/estribas): Esencial para controlar la luz y crear efectos dramáticos. Considere softboxes, paraguas y geles.
* Accesorios:
* Reflector: Rebota luz para llenar las sombras.
* difusor: Suaviza la luz dura.
* geles: Agregue color a sus luces.
* Props: Considere los accesorios que mejoran su concepto (vea el siguiente paso).
* trípode: Para imágenes nítidas con poca luz o cuando se usa exposiciones largas.
* 5. Propiedades y vestuario:
* Elija accesorios estratégicamente: Los accesorios deben ser significativos y contribuir a la historia. Evite los accesorios que distraen o cliché. Ejemplos:libros, máscaras, flores, artículos vintage, instrumentos musicales.
* Armario como narración: La ropa debe complementar el modelo y el estado de ánimo general. Considere paletas de colores, texturas y siluetas. Colaborar con un estilista si es posible.
* cabello y maquillaje: Estos son cruciales para establecer el tono. El maquillaje natural o el maquillaje audaz pueden mejorar el aspecto. Considere el estilo de cabello para acompañar el tema.
ii. Disparo:dar vida a tu visión
* 1. Comunicación y postura:
* Directo con amabilidad: Guíe a su modelo a través de poses. Demostrar si es necesario.
* Enfoque en las emociones: Fomentar expresiones genuinas. Hable con su modelo para evocar los sentimientos deseados.
* Experimento con poses: No tengas miedo de probar poses no convencionales. Considere plantear inspiración de las pinturas renacentistas.
* Momentos sinceros: Capture los momentos sinceros entre poses para expresiones auténticas.
* 2. Mastering Lighting:
* Comprender la dirección de la luz:
* Iluminación frontal: Plano, minimiza las sombras.
* Iluminación lateral: Crea sombras y reflejos dramáticos.
* Backlighting: Crea una silueta o luz de borde.
* iluminación superior: Puede lanzar sombras poco halagadoras.
* Experimente con relaciones de iluminación: La relación entre la luz clave (luz principal) y la luz de relleno determina el contraste en su imagen.
* Temperatura de color: Tenga en cuenta la temperatura de color de su fuente de luz (luz diurna, tungsteno, etc.). Use la configuración de balance de blancos para corregir los moldes de color o para crear estados de ánimo específicos.
* 3. Técnicas creativas (¡aquí es donde el 'creativo' realmente comienza!)
* Movimiento intencional de la cámara (ICM): Mueva deliberadamente su cámara durante una larga exposición para crear desenfoque de movimiento. Esto puede agregar una sensación de dinamismo o surrealismo.
* Doble exposición: Combine dos o más imágenes en una. Esto puede crear efectos soñados o surrealistas. Algunas cámaras tienen esto incorporado, o puede hacerlo en el procesamiento posterior.
* Lente Flare: Use la lente FLARE creativamente para un aspecto soñador o etéreo. Dispara directamente al sol (tenga cuidado de no dañar los ojos).
* Pintura de luz: Use una linterna u otra fuente de luz para "pintar" la luz sobre su sujeto durante una exposición larga.
* Reflexiones: Use espejos, charcos u otras superficies reflectantes para agregar profundidad e interés a sus imágenes.
* siluetas: Coloque su sujeto con un fondo brillante para crear una silueta.
* bokeh: Cree un fondo borrosa utilizando una apertura amplia (bajo número F) y una larga distancia focal.
* Uso creativo de la velocidad de obturación: Obturador rápido para el movimiento de congelación. Obturador lento para el desenfoque de movimiento.
* Uso de geles de color en luces: Experimente con geles para introducir colores.
* 4. Composición:
* Regla de los tercios: Divida su imagen en nueve partes iguales con dos líneas horizontales y dos verticales. Coloque su sujeto en la intersección de estas líneas o a lo largo de una de las líneas.
* Líneas principales: Use líneas para guiar el ojo del espectador a su tema.
* Enmarcado: Use elementos en la escena para enmarcar su sujeto (por ejemplo, puertas, arcos, árboles).
* Simetría y patrones: Use la simetría o los patrones de repetición para una composición visualmente atractiva.
* Espacio negativo: Use espacio vacío para crear una sensación de equilibrio y llamar la atención sobre su tema.
* 5. Experimente y rompa las reglas:
* Una vez que comprenda las reglas de la fotografía, ¡no tenga miedo de romperlas! Experimente con diferentes técnicas y composiciones para encontrar su propio estilo único. Esto es clave.
* Tomar riesgos. No todas las tomas funcionarán, pero así es como aprendes y creces.
* Revise sus imágenes mientras dispara y realiza ajustes según sea necesario.
iii. Postprocesamiento:pulir su obra maestra
* 1. Software: Adobe Lightroom, Capture One, Photoshop son los estándares de la industria. Las alternativas gratuitas incluyen GIMP y Darktable.
* 2. Ajustes básicos:
* Exposición: Corrija el brillo general de la imagen.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre las áreas más ligeras y más oscuras de la imagen.
* Balance de blancos: Corrija los moldes de color y garantice colores precisos.
* Respalos y sombras: Recupere los detalles en los reflejos y las sombras.
* Claridad y Dehaze: Agregue la nitidez y reduzca la neblina.
* 3. Edición creativa:
* Calificación de color: Ajuste los colores para crear un estado de ánimo o estilo específico.
* EDITAR Y BURNING: Aligere u oscurece áreas específicas de la imagen para enfatizar ciertas características o crear una sensación de profundidad.
* retoque: Retire las imperfecciones, suaviza la piel y mejore las características. Tenga en cuenta el retroceso.
* Agregar texturas: Texturas de superposición para agregar interés visual.
* Agregar efectos: Experimente con efectos como grano de película, viñeta o desenfoque.
* Conversión en blanco y negro: Cree imágenes dramáticas y atemporales convirtiéndose en blanco y negro.
* 4. Retoque la piel (use con moderación): Evite el retroceso excesivo. El objetivo es mejorar, no crear una versión poco realista del modelo. Use la separación de frecuencia u otras técnicas para suavizar la piel mientras preserva la textura.
* 5. Toques finales:
* afilado: Agregue una capa final de afilado para hacer que la imagen establezca.
* Reducción de ruido: Reducir el ruido (granidad) en la imagen.
* Crop: Recorte la imagen para mejorar la composición.
iv. Práctica y experimentación
* Practica regularmente: Cuanto más dispares, mejor te volverás.
* Analice su trabajo: Critice sus propias imágenes e identifique áreas de mejora.
* Busque comentarios: Comparta su trabajo con otros fotógrafos y solicite críticas constructivas.
* Mantente inspirado: Continúe mirando el trabajo de otros fotógrafos, artistas y cineastas para mantenerse inspirados.
* Experimento constantemente: Nunca dejes de probar nuevas técnicas y enfoques. Los mejores retratos creativos provienen de superar los límites de lo que es posible.
Takeaways de teclas:
* La visión es primordial: Comience con una idea clara.
* La colaboración es clave: Trabaja con tu modelo, estilista y otros creativos.
* La iluminación lo es todo: Domina el arte de la luz.
* Experimente y rompa las reglas: No tengas miedo de probar cosas nuevas.
* El postprocesamiento es una extensión de su visión: Úselo para mejorar sus imágenes.
* Práctica, práctica, práctica: Cuanto más dispares, mejor serás.
Siguiendo estos pasos, puede crear una fotografía creativa de retratos que sea técnicamente sólida y artísticamente convincente. ¡Buena suerte y diviértete creando!