Fase 1:Conceptualización y planificación
Antes de que levantes tu cámara, ¡Brawstorm! Aquí es donde realmente brilla la parte "creativa".
1. Defina su visión:
* tema/estado de ánimo: ¿Qué historia quieres contar? ¿Qué emoción quieres evocar? Piense en temas como:
* surrealismo: Sueño, ilógico, yuxtaposiciones inesperadas.
* Resumen: Concéntrese en formas, colores, texturas, en lugar de una representación literal.
* Fantasía: Cuentos de hadas, mitos, elementos de otro mundo.
* nostalgia: Evocando una era o sentimiento pasado.
* oscuro/gótico: Malhumorado, dramático, a veces macabro.
* Minimalista: Simple, limpio, centrándose en elementos esenciales.
* Conceptual: Explorando una idea o comentario social.
* Paleta de colores: ¿Cómo quieres que los colores contribuyan al estado de ánimo? Considere colores complementarios, esquemas monocromáticos, colores análogos, etc.
* Imágenes de referencia: ¡Reunir inspiración! Mira pinturas, películas, fotografía de otros artistas. Pinterest, Instagram, Behance son tus amigos. *No copie directamente, pero úselos como trampolín.*
2. Selección del modelo:
* Encuentre el ajuste correcto: La personalidad y las características de su modelo deben alinearse con su visión. Si está tratando de transmitir fuerza, busque a alguien que se proyecte naturalmente. Si necesita a alguien etéreo, elija a alguien cuyas características se inclinan en esa dirección.
* Lanzamiento del modelo: Siempre, siempre, siempre obtenga una versión de modelo firmado. Esto lo protege legalmente y le da permiso para usar las imágenes.
* colaborate: Hable con su modelo sobre su concepto. Obtenga su opinión. Un esfuerzo de colaboración a menudo produce los mejores resultados.
3. Ubicación, accesorios, vestuario y maquillaje:
* Scoutación de ubicación: Encuentra una ubicación que complementa tu tema. Considerar:
* Urban: Muros de graffiti, edificios abandonados, áreas industriales.
* Naturaleza: Bosques, campos, playas, montañas.
* Studio: Proporciona el máximo control sobre la iluminación y el fondo.
* Inicio: Ofrece intimidad y conexión personal.
* Props: Los accesorios pueden agregar contexto, simbolismo e interés visual. Pensar en:
* elementos vintage: Libros antiguos, muebles antiguos, relojes.
* Elementos naturales: Flores, hojas, ramas, piedras.
* tela y texturas: Drapes, bufandas, encaje.
* formas abstractas: Espejos, prismas, esculturas.
* Armario: La ropa debe reforzar el estado de ánimo y el tema.
* Styling: Considere el corte, el color, la textura y el ajuste de la ropa.
* DIY: No tengas miedo de crear tus propias piezas de vestuario o alterar las existentes.
* maquillaje: El maquillaje puede alterar dramáticamente un retrato.
* Natural: Mejora las características del modelo sutilmente.
* dramático: Colores en negrita, formas inusuales, efectos especiales.
* temático: Coincide con el concepto general (por ejemplo, maquillaje teatral, maquillaje de fantasía). *Si es posible, contrate a un maquillador.*
4. Sketch &Storyboard:
* Planifique sus disparos: Dibuja tus ideas. Storyboard La secuencia de tomas que desea capturar.
* ángulos y composición: Piense en diferentes ángulos, perspectivas y composiciones. Experimentar:
* Regla de los tercios: Coloque elementos clave a lo largo de las líneas o en las intersecciones de una cuadrícula de 3x3.
* Líneas principales: Use líneas para guiar el ojo del espectador.
* Simetría y asimetría: Crear equilibrio o tensión.
* Enmarcado: Use elementos en primer plano para enmarcar el tema.
* Espacio negativo: Use espacio vacío para crear una sensación de calma o aislamiento.
Fase 2:disparo (configuración de iluminación y cámara)
1. La iluminación es clave: La iluminación da forma al estado de ánimo y revela detalles.
* Luz natural:
* Hora dorada: La hora después del amanecer y la hora antes del atardecer. Luz cálida, suave y halagadora.
* Días nublados: Difuso, incluso una luz que minimiza las sombras.
* Sombra abierta: Luz sombreada a partir de la luz del sol directo pero aún brillante y aireado.
* Luz artificial:
* estrobos de estudio: Fuentes de luz potentes y controlables.
* Speedlights: Unidades de flash portátiles.
* Luz continua: Paneles LED, lámparas, etc.
* Técnicas de iluminación:
* Luz dura: Crea sombras y reflejos fuertes.
* luz suave: Crea transiciones suaves y menos sombras.
* Iluminación de borde: Crea un halo alrededor del tema.
* Backlighting: Siluetas el sujeto.
* geles de color: Agregue color a la luz para obtener efectos dramáticos.
* Modificadores: Use paraguas, softboxes, reflectores, cuadrículas y snots para dar forma y controlar la luz.
2. Configuración de la cámara:
* Aperture (F-Stop):
* Apertura ancha (por ejemplo, f/1.8, f/2.8): Profundidad de campo poco profunda (fondo borroso). Bueno para aislar el tema.
* apertura estrecha (por ejemplo, f/8, f/11): Profundidad profunda de campo (todo en foco). Bueno para paisajes o retratos grupales.
* Velocidad de obturación:
* Velocidad de obturación rápida (por ejemplo, 1/250, 1/500): Congele el movimiento.
* Velocidad de obturación lenta (por ejemplo, 1/30, 1/15): Crea un movimiento de movimiento. *Requiere un trípode.*
* ISO: Sensibilidad a la luz. Manténgalo lo más bajo posible para minimizar el ruido.
* ISO bajo (por ejemplo, 100, 200): Imagen limpia.
* ISO alto (por ejemplo, 800, 1600+): Más ruido, pero te permite disparar con poca luz.
* Modo de enfoque:
* Autofocus de un solo punto (AF-S o One-Shot): Se centra en un punto específico.
* Autococus continuo (AF-C o AI Servo): Rastrea sujetos en movimiento.
* Enfoque manual: Te permite concentrarte manualmente. Útil para un enfoque preciso o cuando el enfoque automático está luchando.
* Modo de medición:
* Medición evaluativa/matriz: Analiza toda la escena y promedia la exposición.
* Medición de manchas: Medición de la luz en una pequeña área de la escena.
* Medición ponderada en el centro: Medición de la luz en el centro de la escena.
3. Dirigir su modelo:
* La comunicación es clave: Comunique claramente su visión al modelo.
* posando:
* Comience con poses básicas: Luego ajuste y refine gradualmente.
* Presta atención a las manos: Las manos pueden transmitir emoción. Evite la colocación incómoda de la mano.
* ángulo del cuerpo: La inclinación del cuerpo crea posturas más dinámicas y halagadoras.
* Guía con tu voz: Dé instrucciones específicas ("Incline la cabeza ligeramente hacia la izquierda", "Relaja los hombros", "mira justo más allá de la cámara").
* fomentar la expresión: Ayude al modelo a conectarse con la emoción que está tratando de transmitir. Hable con ellos sobre el tema, reproduce música que establece el estado de ánimo y aliéntelos a ser ellos mismos.
* Rompe el hielo: Hazlos cómodos charlando y haciendo bromas.
Fase 3:postprocesamiento (edición)
1. Software: Adobe Lightroom, Adobe Photoshop, Capture One.
2. Ajustes básicos:
* Exposición: Ajuste el brillo general.
* Contrast: Ajuste la diferencia entre áreas de luz y oscura.
* Respalos y sombras: Recupere los detalles en las áreas más brillantes y oscuras.
* Blancos y negros: Establezca los puntos blancos y negros.
* Claridad y textura: Agregar o reducir la nitidez y los detalles.
* Vibrancia y saturación: Ajuste la intensidad de los colores.
3. Técnicas de edición creativa:
* Calificación de color: Cambie los colores en la imagen para crear un estado de ánimo específico. Use tonificación dividida, calibración de color o ajustes de color selectivos.
* Dodge &Burn: Aligere (esquivar) o oscurecer (quemar) áreas específicas para mejorar los reflejos y las sombras, las características de escultura y crear profundidad.
* retoque: Retire las imperfecciones, la piel suave y refine los detalles. ¡Sea sutil! El retroceso excesivo puede hacer que la imagen se vea antinatural.
* Compuesta: Combine múltiples imágenes para crear una imagen compuesta. Esto se puede usar para agregar elementos que no estuvieron presentes durante la sesión, o para crear escenas surrealistas o fantásticas.
* Agregar texturas y superposiciones: Agregue texturas o superposiciones para crear un efecto visual único.
* Efectos especiales: Use filtros o complementos de Photoshop para crear efectos especiales como fugas de luz, bengalas o distorsión.
4. afilado: Afila la imagen como el paso final.
5. Corrección de color y calibración: Asegúrese de que su monitor esté calibrado para mostrar con precisión los colores.
Consejos para el éxito:
* Experimento: No tengas miedo de probar cosas nuevas. ¡Rompe las reglas!
* Práctica: Cuanto más dispares, mejor te volverás.
* Estudio: Aprende de otros fotógrafos. Analice su trabajo e intente comprender sus técnicas.
* Obtener comentarios: Comparta su trabajo con los demás y solicite críticas constructivas.
* Desarrolle su estilo: Encuentra tu propia voz y perspectiva únicas.
* ¡Diviértete! Disfruta del proceso de creación.
Consideraciones importantes:
* Ética: Tenga en cuenta la comodidad y seguridad de su modelo.
* Copyright: Respeta los derechos de autor de los demás.
* Inspiración versus imitación: Inspírate en otros artistas, pero no copie su trabajo.
* Conozca su equipo: Familiarícese con su cámara y equipo de iluminación.
Siguiendo estos pasos y abrazando su creatividad, puede crear fotografías de retratos impresionantes y memorables. ¡Buena suerte!