En el festival de cine de Tribeca de este año, varios documentales nuevos revelan el poder de contar historias con una cámara. Aquí están nuestros pensamientos.
Martha:Una historia ilustrada
Cuando New York Post La fotógrafa Martha Cooper peinó Alphabet City en busca de imágenes de relleno en la década de 1970, el arte callejero era un acto de transgresión emergente y efímero. El graffiti no era su tema como fotógrafa, todavía. Tenía algo en común con estos forasteros anónimos que creaban sus propios mundos en paredes de ladrillo. Su juego estaba creando alegría de lo que estaba alrededor. Cooper se sintió atraído entonces por el asombro, especialmente porque pertenecía a niños que se divertían en barrios deteriorados mientras la economía inmobiliaria de la ciudad de Nueva York iba mal. Las imágenes que Cooper encontró entre las noticias eran mágicas en medio de la desolación cotidiana. Es posible que reconozca a algunos de los niños que fotografió:un niño que sostiene una boca de incendios que sale a chorro, un joven con una paloma posada en su mano con el horizonte de la ciudad de Nueva York de fondo. Artistas como Shepherd Fairey y Banksy se han apropiado de las imágenes de Cooper en homenaje.
Gran parte del trabajo inicial de Cooper en la ciudad de Nueva York presentaba etiquetas en negrita en el fondo. Más tarde encontró espíritus afines en los grafiteros y se hizo famosa por documentar su trabajo en su libro de fotos Arte subterráneo . El primer documental de Selena Miles, Martha:Una historia ilustrada, continúa con la amplia influencia de ese volumen, al que tantos artistas y entusiastas del arte callejero se refieren como "la Biblia".
La película atrae inmediatamente a los espectadores a "Marty" Cooper y su trabajo. A los 34 años, se convirtió en la primera mujer en trabajar como fotógrafa en el Publicar y comenzó a construir el tesoro de efusivo trabajo catalogado en Martha:A Picture Story . Cada secuencia de diapositivas de archivo de rápido éxito y corte ágil y exacto es un gancho en el documental contagiosamente vibrante. Martha:una historia ilustrada es una película sobre cómo se difundió la cultura visual antes de internet. La emoción de descubrir esa cultura y, para Cooper, cómo fue haberla visto primero y haberla difundido, es el latido del corazón de la película. Una banda sonora llena de funk y ritmo combina tanto con la energía de Cooper como con la de sus admirados seguidores.
Miles es un cineasta australiano autodidacta que ha hecho una película de alta fidelidad con Martha:A Picture Story. . El público puede ver a la actual Cooper de unos 70 años paseando con grafiteros encapuchados, discutiendo el ímpetu de su trabajo. La emoción que la llevó de regreso a la calle por la noche con estas figuras anónimas es tan potente y ligera de corazón. Cuando un curador le dice a Cooper que la gente no se toma las caras sonrientes tan en serio cuando se trata de fotografías, su risa rebota a través de la galería blanca y rancia que los rodea. Cooper recorre los muros de grafiti independientes protegidos por puertas en Miami y se pregunta si sus imágenes aún pueden ser relevantes cuando el medio es tan contenido y fácil de instagramear. Martha:una historia ilustrada demuestra la utilidad de los espíritus como el de Cooper a medida que las ciudades se aburguesan y las etiquetas y los murales no autorizados, el registro de la historia de un pueblo, se cubren con pintura.
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Todo lo que puedo decir
El líder de Blind Melon, Shannon Hoon, era conocido en su círculo íntimo por filmar casi todos los momentos desde 1990 hasta el día de su muerte en 1995. Esos momentos evocadores y privados fueron unidos por los directores Danny Clinch, Taryn Gould y Colleen Hennessy, quienes también dan crédito a Hoon. como director El resultado es un tributo agridulce y desgarrador al innegable potencial de Hoon como cineasta.
Los compañeros de banda de Hoon lo regañan constantemente por "jugar con su cámara de video" antes de los espectáculos de alto riesgo; su novia de la secundaria, Lisa, exige que deje de rodar cuando están solos. Los momentos a lo largo de la película contrarrestan suavemente sus críticas y afirman el valor supremo de la cámara como mensajera. El cantante/guitarrista graba la televisión cuando estalla la noticia de los disturbios de Los Ángeles y un reportero menciona a un “fotógrafo aficionado” (George Holliday) que filmó y publicó un video crucial de la policía golpeando a Rodney King. El video de Blind Melon para "No Rain" es la razón por la cual el sencillo alcanzó el número siete en las listas de Billboard un año después del lanzamiento del álbum, nos enteramos a través de las imágenes de Hoon.
Su sensibilidad va desde pacientemente neorrealista hasta tiernamente ridícula y discordantemente personal. Un hombre del Medio Oeste de principio a fin, Hoon aparece como un alma inquebrantable pero amable. Tira una mala crítica por el inodoro ante la cámara y graba una llamada telefónica con su padre en la víspera de una sentencia de cárcel por un DUI. Hoon engaña a la cámara mientras conduce por el país amish cerca de su ciudad natal de Lafayette en la cúspide de mudarse a Los Ángeles, nada en una piscina con sus nuevos compañeros de banda destinados a la fama y toma la primera llamada telefónica en la sala de partos con Lisa y su hijita. Son los pequeños y aburridos momentos intermedios los que también educan nuestros sentidos sobre quién era Noon y qué significaba su cámara para él.
Todo lo que puedo decir lo explica directamente. Un reportero le pregunta a Hoon sobre las referencias religiosas en las letras de canciones como "Holyman", y él responde:no cree en la religión, pero describe su experiencia de Dios como "sentarse solo y hablar con alguien", el ritual que ha mantenido. con su cámara. Hoon es visto y conocido más plenamente por la cámara que nunca le falta. Esa comunión era algo que quería compartir con el mundo. Es hacia el final cuando lo dice directamente. “Quiero meterme en el cine”, confiesa. Blind Melon es demasiado grande, la vida es demasiado ocupada, dice. Y ya es bastante difícil recuperarse en el camino después de intentar la rehabilitación de drogas y alcohol. Hoon se grabó en la cama de un hotel diciéndole a Lisa por teléfono lo mucho que necesita bajarse del autobús de la gira y estar allí cuando su hija diga sus primeras palabras. Es la última imagen del archivo de Hoon, tomada horas antes de que lo encontraran inconsciente en ese autobús el día de su muerte.
La canalización respetuosa realizada por el equipo de cineastas, especialmente la edición de Gould, fue nada menos que una empresa espiritual. El resultado de su cuidado es una película inquietante que se siente fiel a la visión de Hoon expresada en sus imágenes y palabras. Después de estar tan envuelto en el mundo de Hoon, es factible imaginar al músico eufórico por la forma que ha tomado su trabajo. Si tan solo el final pudiera cambiar.
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Un niño de Coney Island
Por cada aspirante a figura pública dotada e interesada en contar su propia historia, otra es incapaz de sintetizar su experiencia y atraer a los demás. Carreras enteras pueden depender de estas fuerzas. Los medios notoriamente utilizan jugadores de la NBA incomprendidos como líneas principales para chismes y dramas. Cuando Zatella Beaty afecta profundamente a Iverson salió en 2014, el público finalmente absorbió la historia completa detrás del exterior irreverente del 11 veces All Star de la NBA. Películas como la suya trascienden años de fragmentos de sonido escuchados por los fans.
Hay un momento en A Kid From Coney Island cuando Stephen A. Smith lo explica perfectamente. La razón por la que los fanáticos de los Knicks odiaban tanto a Stephon Marbury, dice, es que nunca formó una relación sólida con alguien (un periodista, un entrenador) que pudiera difundir el mensaje de quién es y de dónde viene. Los cineastas Coodie Simmons y Chike Ozah (video "Through The Wire" de Kanye West) han hecho esto para Marbury con una profundidad conmovedora en Un niño de Coney Island. La urgencia que sienten los amigos y la familia de Marbury por transmitir su transformación es innegable en este documental, gracias a entrevistas filmadas en ángulos muy variados en configuraciones vibrantes adaptadas a cada tema. Incluso se usa plastilina para articular escenas del ascenso presionado de Marbury a los Minnesota Timberwolves a los 20 años.
El rapero y camarada cercano Fat Joe, la madre y los hermanos de Marbury, y colegas de la corte facilitan un sorprendente rango emocional. La película se desarrolla a la velocidad del baile callejero de Nueva York al contar la historia de las bien intencionadas pero fallidas zapatillas de baloncesto de $15 de "Starbury" (LeBron arruinó todo con su crítica negativa), su personalidad estándar choca con el infamemente difícil entrenador de los Knicks, Larry. Brown, y su deseo desde la primera infancia de sacar a su familia de la pobreza con un contrato de la NBA. Vemos al Marbury actual en carne y hueso cuando parte a China en el exilio y se convierte en una nueva persona después de que la muerte de su padre casi lo aleja por completo del baloncesto.
Las escenas filmadas en una barbería de Coney Island después de que Stephon se retira muestran al nativo de Nueva York expresando sus objetivos de una manera que nunca antes pudo. Le dice a un niño pequeño que tiene planes de unirse a la NBA que, seguro, podría hacer eso, o podría ser el presidente si quiere. “Sabes que mi documental será sobre ti”, le dice Marbury.
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Pantalones cortos de The Queen Collective
Para bautizar el esfuerzo de Queen Latifah por nutrir a los cineastas y acelerar la equidad racial y de género detrás de la cámara, dos documentales cortos se proyectaron en Tribeca antes de debutar en Hulu este fin de semana. “Ballet After Dark” anuncia la distintiva voz del director B. Monet con un perfil de Tyde-Courtney Edwards. Fundó el llamado programa de terapia de baile para sobrevivientes de trauma. Mientras Edwards cuenta su propia historia, los bailarines parecen interpretar el ataque y las secuelas en modos de arte escénico. La forma bordea lo experimental mientras usa elementos ingeniosos para proteger una narrativa fundamentada. Este es un equilibrio difícil de alcanzar. Monet demuestra que se puede hacer con elegancia. Las secuencias de ballet en conjunto filmadas en un gran edificio abandonado hacen eco de los descansos en el documental de Heidi Ewing y Rachel Grady de 2012 Detropia, cuando se mostró a un joven cantante de ópera probando la acústica de la ruina durante breves interludios. La coreografía inspirada actúa como una limpieza tanto para el sujeto como para el espectador que se encuentra con los beneficios de la terapia de baile de una manera visceral y activa.
B. Monet habló en el escenario sobre cómo la tutoría basada en procesos a través de The Queen Collective a través de Procter &Gamble ha cambiado su vida. Apareció en el estreno junto a Haley Elizabeth Anderson, quien dirigió el cortometraje "If There Is Light". Esa película muestra a una madre navegando por el infierno de la falta de vivienda en la ciudad de Nueva York mientras está enferma a través de los ojos de su hija de 14 años, Janiyah, quien narra la película con franqueza. Los dos cortometrajes de The Queen Collective dan testimonio de la persistencia inquebrantable, algo que los cineastas dijeron que aprendieron cuando se relacionaron con cuentas bancarias vacías y siguieron trabajando a pesar de sentirse invisibles. Latifah le dijo a la directora Dee Rees en una introducción el viernes cómo las mujeres en los equipos de sus proyectos están hambrientas de mentores. Ella quiere ayudar.