Moda cinematográfica vienen y van, pero esa no es razón por la cual los cineastas emergentes no deberían experimentar con la tendencia del momento.
Cada año, comenzamos a ver un aumento en el contenido con alguna técnica cinematográfica específica en el centro de atención. Tanto es así que no puedes sintonizar a tu creador de contenido favorito sin verlo. Y también hay quienes llegan a resentir el uso entusiasta de ciertos métodos cinematográficos. Entonces, ¿por qué tanto alboroto?
Como puedes ver en el video de arriba, Jakob Bowen — de The Buff Nerds — se siente incómodo con el uso excesivo de gimbals en los últimos años (hablaremos más sobre esto más adelante). Por mi parte, me estremezco al cargar un cortometraje para ver que ha sido calificado con el M31 LUT muy usado en exceso. Si el inframundo existe, sin duda está cubierto de naranja y verde azulado. Las modas y las tendencias van y vienen a un ritmo tan rápido que es difícil recordar cuál era la técnica de temporada la primavera pasada.
Durante la última década, hemos visto un aumento en las siguientes técnicas de cineastas aficionados y semiprofesionales en línea:
- Poca profundidad de campo
- Tomas deslizantes/de seguimiento
- Lapsos de tiempo
- Cardán
- VR/360
- Dron
Nueva tecnología, bajo costo
En la primavera de 2011, finalmente tuve en mis manos la 5D Mk II. A partir de ese día (durante todo el verano), casi todo lo que fotografié fue a f/1.2. Por supuesto, casi todo también estaba borroso y rápidamente se enfocaba y desenfocaba. Sin embargo, había anhelado una profundidad de campo reducida durante años. Y después de pasar muchos meses investigando cómo agregar un adaptador de 35 mm a la Canon HV20, y años anhelando una cámara que pudiera incluso remotamente producir una sensación "cinematográfica", definitivamente no estaba dispuesto a comenzar a usar la configuración de apertura correctamente.
Esta mentalidad no me llevó muy lejos. Fue divertido pero poco práctico.
Con el aumento de las cámaras asequibles de fotograma completo, la profundidad de campo reducida y el enfoque en bastidor se apoderaron de la comunidad cinematográfica de YouTube como un virus en una ciudad abarrotada. ¿Podría incluso llamar a un video de viaje un video de viaje si no tuviera un enfoque en bastidor desde una flor hacia el pintoresco paisaje detrás? No, no podrías. Por supuesto, con el auge de filmar absolutamente todo con una gran apertura, los foros cinematográficos se llenaron de voces descontentas preocupadas por el uso excesivo de la poca profundidad de campo. La profundidad de campo reducida debe utilizarse como una herramienta cinematográfica para dirigir el enfoque, no para crear un efecto bokeh en la gasolinera solo para hacer que la escena parezca "fílmica".
En un artículo de 2011 para Filmmaker Magazine , "¿Es la profundidad de campo superficial una moda pasajera?", Michael Murie destacó algunos comentarios de profesionales sobre la moda de la profundidad de campo superficial a principios de la década de 2000.
Internet (y los profesionales de la industria) no tuvieron mucho tiempo para discutir, ya que poco después de la gran cantidad de tomas con poca profundidad de campo, de repente todo se convirtió en lapsos de tiempo. Lapsos de tiempo en movimiento de la Vía Láctea, lapsos de tiempo de la misma ubicación durante diferentes estaciones, lapsos de tiempo de la cámara moviéndose de otro mundo a través de una ciudad llena de gente. Si hubo algo que cambió dinámicamente a lo largo del día, o incluso del año, podrías apostar a que había un cineasta o un fotógrafo sentado en algún lugar creando magia.
Entonces, ¿de dónde vienen exactamente estas modas?
No es como si un día alguien en algún lugar inventara una nueva técnica y de repente todos quisieran participar. Todos los métodos, menos la realidad virtual, se han utilizado en el cine y la televisión durante décadas, que es precisamente la razón por la que estas técnicas se vuelven tan populares. Por primera vez desde que vio estas técnicas empleadas en la pantalla grande, el pequeño consumidor finalmente puede replicar la toma, por solo una fracción del costo.
La incursión inicial de Canon en el mercado de videos de aficionados a profesionales desencadenó una reacción en cadena en la industria de equipos y accesorios. Los consumidores finalmente tuvieron acceso a cámaras que, hasta cierto punto, estaban creando resultados que habían estado restringidos a la pantalla grande. Pero había un vacío que necesitaba ser llenado. Si bien los consumidores podían disparar a pantalla completa a f/1.8, no podían mover la cámara de la misma manera que lo hacían las producciones cinematográficas. Todavía tenías que alquilar una pista y una plataforma rodante, o buscar en YouTube para descubrir cómo construir la tuya propia.
Al principio, la nueva "alternativa económica" a menudo no es tan económica, no para cineastas de bajo presupuesto o sin presupuesto. Tome el MōVI, por ejemplo. Si no está familiarizado con la plataforma, estoy seguro de que puede recordar maravillarse con las imágenes detrás de escena de la operación de cámara en patines, deslizándose desde la calle hasta el taxi.
Como dijo Danny Greer en una publicación PremiumBeat de los archivos, "El sistema de cámara MōVI está configurado para cambiar por completo la estabilización de la cámara en la industria de producción de video profesional".
Fue completamente revolucionario porque el estabilizador se construyó alrededor de la estabilización giroscópica y los acelerómetros. No hay necesidad de los pesados chalecos Steadicam y las pesas cuando este equipo hace el mismo trabajo con más agilidad y menos configuración. Pero estaba el precio de $14,995, no necesariamente un punto de entrada de bajo presupuesto para un estabilizador para su 5D.
Sin embargo, cuando una nueva tecnología como esta ingresa al mercado, también puede contar con el hecho de que, unos años más tarde, veremos tecnología similar a una fracción del costo, como el Ronin M, que puede obtener completamente nuevo. por $800. Esa es una gran diferencia en el precio. Por supuesto, hay razones, como puede ver a continuación.
Dejando a un lado la discusión de MōVI vs. Ronin, el punto es que este tipo de tomas de estabilización en realidad solo fueron producidas por producciones de primer nivel porque no es como si todos los entusiastas tuvieran $ 50,000 en el banco para un ARRI Trinity. ¿Pero para un Ronin-M? Absolutamente. Por lo tanto, vamos a ver una gran cantidad de contenido que consiste únicamente en imágenes capturadas en un gimbal, porque nunca antes los entusiastas y los aspirantes a cineastas habían podido imitar el movimiento de la cámara desde la pantalla grande a un costo tan bajo. Para volver al video de Jakob que aparece en la introducción, afirma correctamente lo siguiente:
Jakob continúa diciendo que "tienes que usar esas herramientas cinematográficas (gimbal) a tu disposición para provocar una emoción, o decirle a la audiencia cómo se supone que se debe sentir, en este momento". Estoy de acuerdo (mirando las imágenes de tu dron y la clasificación M31). Sin embargo, ¿es esta una postura que debemos tomar? Al igual que las tendencias de la moda y la evolución de la música, este no es un proceso que nosotros, como individuos, podamos detener o cambiar. Pero, ¿hay necesidad de hacerlo? Las tendencias y modas en el contenido en línea rara vez (en el momento de su popularidad) se trasladan a los largometrajes y la televisión y, en esencia, son solo los jóvenes creadores de contenido que se divierten con herramientas que no estaban disponibles hace diez años.
Como descubrí al filmar todo en f/1.2, creo que aquellos que crean contenido (y abusan de una técnica) aprenderán a comprender el valor del método. También creo que los nuevos creadores de contenido de hoy aprenden que el uso de la tecnología para lograr una toma específica parecerá más profundo cuando se usa con moderación, para provocar una emoción. Pero por el momento, los creadores de contenido tienen la habilidad figurativa de volar a la luna. Eso es algo para deleitarse, no descartarlo.