Los 50 consejos de edición de vídeo Los siguientes son producto de muchos años de edición de video, muchas horas de investigación y aprendizaje de innumerables errores. Espero que pueda aplicar estos consejos a sus propios proyectos de edición para mejorar la calidad de su trabajo y aumentar su velocidad y eficiencia.
Si prefiere descargar los consejos como un libro electrónico en formato PDF, puede acceder a ellos aquí.
¡Disfrútalo!
1. Mantén el ritmo adecuado:demasiado rápido y perderás gente, demasiado lento y los aburrirás
Como regla general, es mejor cortar una escena demasiado rápido que demasiado lento. No hay nada peor que aburrir a tu audiencia. Dicho esto, confundir a la gente al reproducir una escena demasiado rápido está muy cerca.
2. Determine qué impulsa la escena y comience editándola
Cuando comience a editar algo, descubra qué elemento lo impulsará y utilícelo como la columna vertebral de su pieza. A veces es el ritmo de la música, a veces es una conversación de diálogo, a veces es una secuencia de tomas y otras veces es un motivo como una toma insertada de un reloj que hace tictac que aparece cada pocos segundos. Sea lo que sea, coloca primero el "controlador" en tu línea de tiempo y deja que informe el resto del proceso de edición.
3. Usa tomas de reacción
Las tomas de reacción hacen más que mostrar lo que un personaje piensa o siente sobre un evento en particular. También sugieren lo que el espectador debería sentir, ya sea miedo, conmoción, lujuria, etc. Además, las tomas de reacción le dan al espectador un momento para digerir las cosas a medida que ocurren. Si las imágenes solo mostraran a dos boxeadores peleando en un ring sin cortar las tomas ocasionales de reacción de la audiencia, el espectador rápidamente se sentiría abrumado por la acción constante o simplemente inmune a ella.
Tampoco es bueno. Esto se aplica a la comedia, el terror y casi todos los demás géneros que se te ocurran.
4. Comprime el tiempo para evitar el aburrimiento
Nadie quiere ver a alguien caminar por una habitación, subir un tramo completo de escaleras o comer una comida completa. Corte entre varios ángulos de cámara para comprimir el tiempo y realizar la acción más rápidamente.
5. Amplíe el tiempo para intensificar un momento dramático, una broma, un momento de acción, etc.
A veces, un momento es tan interesante, importante o poderoso que tiene sentido alargarlo un poco. De la misma manera que el corte entre diferentes ángulos de cámara puede comprimir el tiempo, también puede usarse para expandirlo. Mostrar el mismo evento desde múltiples ángulos le permite reproducirlo de manera efectiva durante más tiempo del que realmente tomó. Un buen ejemplo de esto podría ser un jugador de béisbol que se acerca al plato y conecta un jonrón. El tiempo y la emoción de todo el evento pueden extenderse utilizando diferentes tomas del bateador, sus expresiones faciales, el lanzador, la multitud y numerosos ángulos del lanzamiento, el swing y el hit. Mucho más emocionante que jugarlo en "tiempo real".
6. Recuerda la historia y los arcos de los personajes
Mientras edita y selecciona líneas y tomas de sus personajes a lo largo de una película, recuerde siempre lo que sucedió, lo que está sucediendo actualmente y lo que aún no ha sucedido. Asegúrate de que el desarrollo de un personaje fluya adecuadamente a lo largo de la historia.
Por ejemplo, no desea que un personaje parezca demasiado confiado cuando aún no ha desarrollado ese rasgo a través de los eventos de la película. Si alguna vez necesita un poco de ayuda para hacer un seguimiento de cómo fluye su historia y cómo se desarrollan sus personajes, aquí hay algunos consejos útiles de edición de películas. Encuentra todas las escenas que ya has cortado junto con el personaje en el que estás trabajando. Colóquelos uno al lado del otro en el orden en que los tiene en la película y mírelos. De esta manera, puedes ver la progresión y el desarrollo de un personaje muy rápidamente, sin tener que ver toda la película, y rápidamente tendrás una idea de si el orden de desarrollo tiene sentido o debe ajustarse.
7. Sigue cortando
A veces, las ideas no comienzan a fluir hasta que comienzas a ver algo en tu línea de tiempo. Cuando te encuentres con un obstáculo creativo, no te rindas. Sigue editando y probando diferentes formas de abordar una escena, promoción, lo que sea. Eventualmente harás algo que te inspirará y te pondrá en el camino correcto.
8. Los cortes coincidentes funcionan tanto para la imagen como para el audio
Todo el mundo ha visto un corte de imagen de una escena con un primer plano de un globo ocular a otra escena con una toma del sol de tamaño similar, o alguna variación de este tipo de corte de coincidencia de imagen. Pero no olvide que también puede hacer coincidir el audio cortado. He aquí un ejemplo.
En la escena A, una mujer dice:“Nunca robaría algo de su tienda, señor. Vaya, la única persona que conozco que ha robado algo es…” — corte a la escena B donde un hombre grita “¡Fletcher!”, señalando al hermano menor de la mujer mientras sale corriendo de una tienda con un televisor. Los cortes de coincidencia para audio son una excelente manera de conectar ideas entre escenas. Sea creativo:hay muchas posibilidades.
9. Primero cortar en bruto, luego refinar
No se preocupe por trabajar en los pequeños detalles de un corte mientras lo diseña por primera vez. Primero descubra su estructura aproximada y luego comience a ajustar los marcos y el audio. Esto le permitirá la velocidad y la flexibilidad más creativas mientras crea la pieza, sin atascarse en minucias.
10. Planos cortados en una escena de diálogo entre cláusulas, respiraciones o justo antes de entregas intensas
Aprovecha los picos de intensidad durante una escena de diálogo, así como los momentos de pausa o contemplación. Todos son buenos puntos naturales para cortar de un personaje a otro donde el corte pasará desapercibido.
11. Corte en movimiento
Este es uno de los consejos de edición de video más fundamentales que existen. La forma más fácil de hacer que un corte sea invisible es cortar durante algún tipo de movimiento. Puede ser el movimiento de un personaje, como un giro de cabeza, un gesto con la mano o un puñetazo. O bien, puede recortar el movimiento de la propia cámara. A menudo, la cámara girará, desplazará, inclinará y girará alrededor de la pantalla. Recortar estos movimientos ayudará a enmascarar tus ediciones y crear una experiencia más fluida para el espectador.
12. Motiva tus cortes
Cuando los cortes están motivados, parecerán más naturales y no molestarán al espectador. Use esto a su favor para crear una pieza que fluya suavemente. Un ejemplo simple de esto es un primer plano en la cara de un personaje mientras sus ojos miran fuera de la pantalla, lo que motiva un corte a algo que está mirando.
13. Usar tomas insertadas
Los planos de inserción son primeros planos de los elementos de una escena (un juego de llaves en el mostrador que el personaje principal se olvidó de traer cuando salió corriendo del apartamento a toda prisa) o acciones muy particulares que están sucediendo (un mano recogiendo una copa de vino de la mesa). Las tomas insertadas pueden ayudar a cambiar las escenas, definir más completamente lo que sucede al enfocar la atención del espectador y proporcionar información sobre un entorno al mostrar los detalles que están presentes en él. Los planos insertados también brindan una gran diversidad en las composiciones de planos dentro de un corte, rompiendo la monotonía de los planos medios que tienden a plagar una pieza.
14. Observa los ojos de un actor para saber cuándo cortar
Por lo general, los ojos de un actor te darán una buena indicación de cuándo es el momento de pasar a otro personaje, a un objeto en la escena o simplemente a un ángulo de cámara diferente. Se puede pensar en un movimiento de ojos como una versión pequeña de movimiento de corte, así como una forma de motivar una edición. Cuando no estés seguro de cuándo cortar, ¡mira a los ojos!
15. Utiliza el movimiento de la cámara para acelerar el ritmo
Una excelente manera de dar la impresión de intensidad y acción es hacer uso del movimiento de la cámara. Obviamente, la disponibilidad de tomas con una cámara en movimiento se determina durante la filmación, pero si las tiene disponibles y quiere acelerar un poco la acción, no olvide usarlas. Además, cuando pasa de una toma en movimiento a otra, automáticamente siempre corta en movimiento y, por lo tanto, tendrá más oportunidades para realizar ediciones fluidas. Como resultado, podrá reducir la duración de las tomas individuales y acelerar el ritmo también de esa manera.
16. Los cortes de salto no siempre son malos
Audiencias más indulgentes ahora. Hace una década o dos, solía ser una regla estricta y rápida que nunca se debe hacer un corte de salto. Ya no es así. Claro, un corte de salto en una escena emocional y dramática aún puede ser un poco incómodo y distraer. Pero los saltos en la acción, el terror e incluso la comedia se han vuelto mucho más aceptables que antes. Los cortes de salto pueden darle a su pieza una sensación estilística y vanguardista y también sirven como un dispositivo para asustar o sorprender a la audiencia. Sin embargo, como con la mayoría de las cosas, el truco es no abusar de ellas.
17. Corta cuando tu espectador esté distraído
Este consejo de edición de video es un poco general, pero quería incluirlo porque ilustra un concepto general importante. Ya sea que esté cortando el movimiento, los grandes sonidos o los momentos intensos, la clave es generalmente cortar cuando el espectador está distraído. Piense en ello como un mago que distrae a su audiencia con florituras e historias, desviando su atención del juego de manos detrás de escena que prepara su truco. Este consejo te guiará extremadamente bien en innumerables situaciones de edición.
18. Los fundidos a negro inician nuevas escenas; las disoluciones cruzadas indican el paso del tiempo
Este es un consejo bastante básico, pero es bueno recordarlo. Hay muchos editores que intentan evitar el uso de cualquiera de estos efectos, ya que creen que se puede hacer una buena edición con cortes rectos debidamente motivados. Sin embargo, creo que los desvanecimientos y disoluciones todavía tienen su lugar en las circunstancias adecuadas. Solo asegúrese de usarlos con moderación y correctamente.
19. Asegúrate de que los ángulos de la cámara entre tomas similares cambien al menos 45°
Si tiene que pasar de una toma a otra toma del mismo sujeto, intente asegurarse de que el ángulo de la nueva toma sea al menos 45° diferente al primero. De lo contrario, el corte será discordante y parecerá un error. Si no puede cortar a un ángulo lo suficientemente diferente, intente cortar a otro sujeto, o cierre la brecha con una toma de inserción.
20. Varíe la distancia de su cámara al cortar tomas del mismo sujeto
Esto es similar a la regla anterior. A menos que esté recortando algo estilísticamente, es mejor tener un cambio sustancial en la distancia de la cámara cuando recorta o recorta el mismo sujeto. Por ejemplo, intente no pasar de un primer plano extremo a un primer plano. Intente pasar de una ECU a una toma media o ancha en su lugar. Se sentirá un poco más natural y ayudará a mantener el corte casi invisible, que suele ser el objetivo.
21. Use disoluciones en cabezas y colas de audio para evitar estallidos
Casi todos los programas de edición tienen una forma bastante rápida de aplicar fundidos y fundidos de audio. Úselos en los bordes de sus clips de audio para desvanecerse suavemente dentro y fuera de los efectos de sonido, diálogo, tono de la habitación, música, etc. Incluso si solo tiene espacio para aplicar una disolución de 1 o 2 fotogramas después de pronunciar una palabra, utilícela. Estas disoluciones suavizarán la mezcla de audio y evitarán los "estallidos".
22. Sumerja la música y los efectos de sonido en el diálogo
Si su diálogo y narración son difíciles de escuchar, el espectador se confundirá momentáneamente mientras trata de dar sentido a lo que se acaba de decir. Esto es agotador para el espectador y, en última instancia, causa frustración, pérdida de interés y dificultad para sumergirse en la pieza.
23. No uses efectos visuales cursis
Nada grita "aficionado" más que toallitas de estrellas, bengalas brillantes y rizos de página. A menos que su video tenga la intención de parecer retro/cursi, evite estos efectos como la peste.
24. Programa tu edición de música para lograr el máximo impacto
Guarde su música hasta los momentos de importancia y luego comience a reproducirla, o edite la música para que las secciones más grandes e intensas ocurran en los momentos adecuados del corte. Le dará una pista al espectador y le hará saber que lo que está viendo es significativo de alguna manera, ya sea porque un momento es de suspenso y algo aterrador está por suceder o porque lo que está viendo es una parte importante de la historia.
Por supuesto, hay muchas excepciones a esta regla, pero si puedes hacer un esfuerzo para usar la música con moderación, tendrá mucho más impacto en tu pieza.
25. Use compresores en el diálogo y la narración según sea necesario
Los compresores sirven para equilibrar los altibajos de una pieza de audio. Tienen muchos usos, pero uno de mis favoritos es aplicar un ligero compresor a las líneas de diálogo y narración que, de otro modo, serían difíciles de escuchar en secciones con muchos otros efectos de sonido o música. El compresor potenciará algunos de los niveles más bajos del diálogo, asegurando que las palabras no se pierdan ni se escuchen mal. Solo tenga cuidado de no subir demasiado el compresor, de lo contrario terminará con un habla de robot con un sonido muy artificial.
26. Asegúrate de que tus niveles de audio no estén al máximo
Este es uno de los consejos de edición de películas más básicos, pero es fácil perderlo de vista. Preste especial atención durante las escenas con mucha acción o sustos, ya que las inevitables múltiples pistas de audio pueden llevar su mezcla al rojo muy rápidamente.
27. Mezcla siempre en estéreo o mejor, nunca en mono
La mezcla en estéreo le brinda la capacidad de desplazar el audio hacia la izquierda y hacia la derecha para obtener efectos de sonido más geniales (automóviles que pasan, una voz que llama desde fuera de la pantalla, etc.). Las mezclas estéreo generalmente también tienden a sonar menos turbias y le brindan un poco más de margen de audio antes de que comience a alcanzar su punto máximo.
28. Use reverb y d-verb para crear ring-outs en paradas de música
Este es un truco realmente genial que se usa todo el tiempo en la industria de los tráileres, pero es útil en todos los tipos de edición. Si necesita que su música se detenga en un punto antes de su final natural pero no quiere que suene demasiado abrupto, intente esto. Encuentra un tiempo fuerte de la música en el área donde te gustaría que terminara la música. Elimine cualquier cosa en esa pista de música después del tiempo y aplique un efecto de reverberación o d-verb al tiempo ahora final. Cambie la longitud y el tipo del efecto del verbo según la duración que desee que suene. Esto le dará una buena parada de música limpia que se resuelve y no suena abrupta. Excelente para detenerse en un momento de impacto o justo antes de que se entregue el remate de una broma.
29. Usa audio para transicionar escenas
Un excelente consejo de transición de video es colocar el audio de la siguiente escena debajo del final de la actual. Por ejemplo, cuando dos personas terminan una conversación en su apartamento y deciden hacer un viaje a París, el sonido de un avión aterrizando se desvanece gradualmente debajo del video del final de su conversación. Luego puede pasar al avión que aterriza en París sin que parezca demasiado repentino o inesperado. Esto es muy similar a motivar un corte, en el sentido de que le indica al espectador y le permite saber qué esperar para que no se confunda o se sorprenda involuntariamente.
Hay muchas formas más creativas de usar el audio para la transición entre escenas, pero esta es una de las más básicas y útiles.
30. Utilice el diseño de sonido para dar forma a momentos y generar y liberar tensión
No siempre tienes que confiar únicamente en tu música para desarrollar el estado de ánimo de una escena. No tenga miedo de usar drones, golpes, gemidos metálicos y otros elementos útiles de diseño de sonido para ayudar a construir la atmósfera de una escena y guiar las emociones de su espectador. Usar el diseño de sonido de manera efectiva requiere un poco de práctica, pero te permite actuar esencialmente como un compositor mientras estás editando y realmente tener control sobre el estado de ánimo y el tono.
31. Personaliza y usa atajos de teclado
Todo el mundo tiene su propia forma de trabajar con una computadora, pero algunos son simplemente más rápidos. I have always found that using keyboard shortcuts when editing — or doing anything on the computer — will DRASTICALLY increase the speed at which an editor can work.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
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Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!