La mayoría de los cineastas principiantes tienen variaciones de la misma pregunta; '¿Cómo puedo hacer que mis películas se vean más profesionales? ¿Más, cinematográfico?’ Durante generaciones, los cineastas se han preguntado:¿Cómo consigo ese aspecto de película?
Buena pregunta. Después de todo, nada es más desalentador que poner el corazón y el alma en un proyecto solo para que parezca el padre de alguien haciendo películas caseras.
Entonces, ¿cómo consigues esa apariencia cinematográfica en cualquier cámara, con cualquier presupuesto?
Conseguir el aspecto cinematográfico:¿cómo se hace?
No busque más. Estos 19 consejos harán que tus películas se vean menos como una película casera y más, bueno... una película.
Esta guía está diseñada para principiantes que recién comienzan a hacer sus propias películas, pero que no están seguros de cómo capturar hermosas imágenes cinematográficas que compitan con la calidad que ven en el trabajo profesional.
1. Grado de color
La mayor diferencia entre las imágenes de aspecto profesional y el vídeo de aspecto amateur es la gradación del color. Manos abajo. Detener las prensas.
Ahora, eso no quiere decir que todos los demás elementos de su película no sean importantes. Están. Es solo para ilustrar la gran diferencia que puede hacer la clasificación de color.
La gradación de color y la corrección de color son esencialmente cuando corrige y estiliza los colores de sus tomas en la publicación.
Un consejo esencial para la gradación de color es disparar en RAW. RAW es solo un formato de archivo sin comprimir que almacena todos los datos capturados por su sensor, lo que le permite producir imágenes de mayor calidad.
Disparar en RAW suele ser tan simple como cambiar una configuración de la cámara.
El otro beneficio de esto, aparte de las imágenes de mayor calidad, es que sus tomas tendrán la menor cantidad de información posible. Esto le permitirá tener más libertad para calificarlos con color en la publicación.
Los LUT pueden ser extremadamente útiles cuando se gradúa el color de su propio metraje. Aplicarlos a sus clips puede ayudarlo a llegar rápidamente a un excelente punto de partida para que pueda modificar su metraje desde allí.
Si desea algunas LUT gratuitas geniales para una gradación de color fácil, no puede equivocarse con estas 7 LUT gratuitas de Lutify.me y 9 LUT gratuitas de FILM CRUX.
2. Composición
Esencialmente, la composición es lo que hay en el marco de tu toma, así como también cómo se organizan los elementos dentro de tu toma.
Existe una teoría infinita sobre lo que constituye una buena composición y qué arreglos en particular funcionan mejor para qué circunstancias, pero aquí hay algunos consejos de composición rápidos y sucios para comenzar.
La regla de los tercios
Probablemente hayas oído hablar de esto antes. Divida su marco en tercios horizontal y verticalmente, luego coloque puntos de interés donde se cruzan estas líneas divisorias. Posiciona elementos importantes como el horizonte a lo largo de las propias líneas.
Sala principal
Si un personaje está mirando al cuadro a la derecha, entonces, por lo general, debe colocarse al cuadro a la izquierda. Esto hace que la toma sea más cómoda para el espectador al crear un espacio abierto frente al personaje llamado sala principal o espacio principal.
[Consejo] Líneas guía – Utilice líneas naturales en su escena para dirigir la mirada del espectador hacia su imagen. Estos pueden ser cualquier cosa, desde líneas de profundidad en una perspectiva de uno o dos puntos, hasta otros elementos o elementos dentro de la toma que conducen hacia el sujeto o un punto de interés.
Enderezar las líneas del horizonte
Un buen consejo es enderezar las líneas del horizonte que se cruzan a lo largo de la toma. Es mejor hacer esto mientras disparas, aunque se puede hacer después si es necesario.
Tenga en cuenta que no tiene que seguir ninguno de estos. Piense en ellos menos como reglas y más como pautas. Cuando no sabe lo que está haciendo, estos son un excelente lugar para comenzar.
Pero, si quiere pensar en ellas como reglas, recuerde que las reglas se pueden romper. Sin embargo, el mejor consejo sería aprender las reglas primero y luego romperlas.
3. Buzón
Si alguna vez has visto una película de Wes Anderson o Quentin Tarantino, definitivamente has visto el formato de pantalla ancha antes.
El formato de pantalla ancha es la práctica de transferir una toma de película en una relación de aspecto de pantalla ancha a una relación de aspecto estándar. Esto crea dos barras negras o mates en la parte superior e inferior de la imagen que muchas personas asocian con una apariencia cinematográfica.
Ahora, probablemente no necesites tomar una película de 16:9 y adaptarla a un televisor de tubo de 4:3, y probablemente no estés filmando en un 70 mm como lo hizo Tarantino para The Hateful Eight, pero si te gusta este estilo, puedes emularlo bastante fácilmente usando uno de los dos métodos a continuación.
Configuración de exportación
Una excelente manera de obtener un buzón es exportar su película en la relación de aspecto que desee. Si desea que su película se muestre como 2:40:1, simplemente haga la composición en su NLE con esos ajustes y luego exporte su película terminada de la misma manera.
Dependiendo de dónde se muestre su película, los buzones se agregarán automáticamente en función de su espectador.
Plantillas de buzón
Otra excelente manera de agregar buzones a su película es simplemente usar plantillas de buzones. Estas son esencialmente imágenes tipo buzón (barras negras) que puede simplemente arrastrar y soltar sobre su material de archivo. Fácil. Estos fantásticos buzones gratuitos se basan en películas icónicas como The Revenant y Los odiosos ocho .
Ahora tenga en cuenta que el método que utilice debe basarse en su proyecto. Noventa y nueve de cada cien veces, nadie se dará cuenta ni le importará qué método usa, pero en algunas circunstancias, el lugar donde se proyecte su película tendrá un impacto en cómo se muestra.
4. Profundidad de campo reducida
Tener poca profundidad de campo es cuando el sujeto está enfocado y el primer plano y el fondo de la toma están desenfocados. Esto crea un efecto bokeh, la cualidad estética del desenfoque en las áreas desenfocadas de la toma.
Para obtener una profundidad de campo reducida, desea utilizar una lente con un f-stop bajo. Cuanto menor sea el f-stop, menos área estará enfocada. Cualquier cosa por debajo de f2.8 le dará un bokeh decente, pero f1.8 o menos se verá increíble.
Tenga en cuenta que cuanto más bajo sea el f-stop, más difícil será mantener el sujeto enfocado. Practique con un f-stop más alto y luego vaya bajando con el tiempo a medida que mejora.
Los lentes Prime son perfectos para esto. Los lentes fijos dejan pasar más luz que los lentes con zoom, por lo general son mejores para filmar con poca luz y tienen muchos otros beneficios para los cineastas.
Una lente principal de 50 mm f1.8, o ingeniosa cincuenta, es perfecta para filmar con poca profundidad de campo, y probablemente debería ser la primera lente en el arsenal de cualquier nuevo cineasta. Además, es barato.
Otra cosa a tener en cuenta es que probablemente no desee una profundidad de campo reducida todo el tiempo. Por ejemplo, en tomas amplias o cosas como tomas aéreas o de paisajes, es probable que desee tener todo enfocado, por lo que, en esas circunstancias, generalmente es mejor disparar en un número f más alto.
Otro gran beneficio de disparar con poca profundidad de campo es que puede ayudar a ocultar las ubicaciones de disparo que no son óptimas. Si el fondo está borroso, será menos probable que la gente se dé cuenta de que es el sótano de tu abuela.
5. Seguimiento lento
Una toma de seguimiento es cualquier toma en la que la cámara se mueve hacia adelante, hacia atrás o al lado del sujeto. Piense en la cámara como si estuviera sobre rieles, lo que a menudo se hace para lograr tomas de seguimiento en una película.
Los travellings lentos y perfectamente fluidos suelen asociarse con un aspecto cinematográfico. Pueden ayudarlo a generar tensión fácilmente, dar al espectador una sensación de asombro o asombro, y pueden crear mucho interés visual.
No necesita una plataforma rodante, rieles, un control deslizante o un cardán para obtenerlos. Puede usar la computadora de mano, pero si lo hace, casi definitivamente querrá usar...
6. Estabilización de deformación
La estabilización de deformación es un efecto que ayuda a suavizar las imágenes inestables en la publicación. Si utiliza Adobe Premiere o After Effects, el estabilizador de deformación ya está integrado. De lo contrario, es probable que ya haya una versión de estabilización de deformación dentro de su programa de edición, y también hay disponibles complementos y software de estabilización de terceros.
No confíe en el estabilizador de deformación. Casi siempre es mejor obtener la toma que desea en la cámara, pero cuando no tiene suficiente equipo, dinero y tiempo, eso no siempre es posible.
7. cardanes
Si tienes el dinero para un gimbal, es una gran inversión. Un gimbal es básicamente un estabilizador de cámara portátil o montado diseñado para ayudarlo a obtener tomas cinemáticas suaves y sin esfuerzo.
La diferencia entre una toma manual temblorosa y una toma suave y estabilizada es la noche y el día, y puede agregar muchas capas de valor de producción a su trabajo.
De hecho, además de una cámara, lentes y un trípode, un gimbal podría ser el mejor dinero que puede gastar en un equipo de cámara.
8. Antenas
Nunca antes en la historia las tomas aéreas habían estado al alcance de los cineastas independientes. Hace solo una década, literalmente tenías que alquilar un helicóptero para obtener tomas aéreas.
Los tiempos han cambiado.
Ahora, casi cualquier dron disponible comercialmente puede ayudarlo a obtener impresionantes tomas aéreas para sus películas.
Las antenas son perfectas para establecer tomas. Cuando el sujeto va a una nueva ciudad o ubicación, una buena antena puede ayudar a establecer el tono y la vibra de las escenas por venir mientras muestra este nuevo entorno.
Casi todas las películas taquilleras las usan para establecer nuevos lugares, pero las antenas también son perfectas para películas de viajes, documentales sobre la naturaleza y, por supuesto, deportes de acción.
9. Cámara Lenta
Todo se ve mejor en cámara lenta. Saludos a Dave Chappelle.
El único problema con la cámara lenta es que es fácil dejarse llevar. Debido a que incluso las acciones más mundanas se ven increíbles en cámara lenta, se vuelve convincente comenzar a filmar todo de esa manera hasta el punto en que lo que estás filmando ya no sirve para la historia.
Recuerda, primero la historia.
Si desea disparar en cámara lenta, solo necesita disparar en una velocidad de fotogramas más alta. La mayoría de las películas se filman a 24 fps, lo que normalmente asociamos con ese aspecto cinematográfico.
Para cámara lenta, simplemente grabe en algo así como 60 fps y luego conviértalo a 24 fps en la publicación. Esto hará que su metraje se reproduzca en un poco menos de la mitad de la velocidad. Cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas, más lento será cuando se reproduzca a 24 fps.
10. Administrar aspectos destacados
Los reflejos quemados son una gran tragedia que les sucede a muchos cineastas novatos. Es esencialmente cuando las partes brillantes de tu escena pierden todos los detalles hasta que se vuelven completamente blancas.
Esto sucede mucho con cámaras baratas o cuando filmas escenas brillantes sin exponer correctamente o usar filtros UV. Sin embargo, hacer estas dos cosas bien hará que los reflejos quemados sean cosa del pasado.
Exposición adecuada
Siempre debe tratar de exponer sus tomas correctamente, incluso cuando las altas luces no son un problema. La exposición se trata de equilibrar la velocidad de fotogramas (normalmente, 24 fps si estás grabando para lograr un aspecto de película), la velocidad de obturación (normalmente, aproximadamente el doble de la velocidad de fotogramas; 1/50 si estás grabando a 24 fps), tu ISO y tu iluminación.
Este video lo desglosará para que nunca más tenga que estar en la oscuridad. Boom… juego de palabras.
Filtros UV
Los filtros UV te salvarán la vida. Realmente no. Pero te ayudarán a evitar que los reflejos se apaguen en tus tomas.
Un filtro UV es básicamente una pequeña lente (por así decirlo) que se atornilla en el extremo de la lente de la cámara para igualar la iluminación de la toma.
En cierto modo, reduce las luces para estar más cerca de las áreas más oscuras de las tomas al filtrar parte de la luz que llega al sensor de la cámara.
11. Disparos de barrido
Cuando piensas en épica, la mayoría de la gente imagina tomas amplias y amplias. La cámara rodando sobre el precipicio de una enorme cascada mientras una bandada de grullas se desliza sobre las copas de los árboles debajo.
O lo que sea.
Estos tipos de tomas agregarán aún más valor de producción a sus películas. Nuevamente, los drones son perfectos para esto. Pueden mostrar el alcance y la escala de un entorno en particular de una manera que es difícil de hacer disparando desde el suelo.
Cuando obtenga tomas panorámicas, tenga cuidado de no mover la cámara demasiado rápido. El espectador debe poder ver claramente lo que sucede para que estas tomas tengan el efecto deseado.
12. Grano de película
Otra forma sorprendente de hacer que su película se vea más cinematográfica es agregar grano de película.
El grano de la película es solo el grano o la granularidad que se crea de forma natural cuando se filma con película procesada.
Obviamente, las cámaras digitales no tienen grano de película, por lo que si desea obtener el aspecto, la mejor opción es obtener superposiciones de grano de película.
Cinetic Studios tiene algunos gratis, pero si realmente quieres ponerte picante, holygrain hace algunos hermosos que definitivamente le darán a tus películas una calidad estética y texturizada.
13. Iluminación
La iluminación es, bueno... iluminación. no te voy a mentir La iluminación es aburrida... pero es importante.
Te sorprendería la cantidad de iluminación que puede afectar el aspecto y el estilo de una toma. La misma escena se puede iluminar de diez maneras diferentes, cada una de las cuales tiene un impacto dramático en el estado de ánimo, la sensación, el aspecto y la vibración del producto terminado.
Puedes filmar con la iluminación disponible, como Emmanuel Lubezki en The Revenant, o puedes filmar con iluminación estilizada como Nicolas Winding Refn en... bueno, todo lo que hace Nicolas Winding Refn.
14. Destellos de lente
Al igual que el grano de la película, los destellos de lente fueron un fenómeno creado al filmar con un equipo defectuoso que ahora se ha convertido en una estética visual que muchos cineastas ahora emulan intencionalmente en su trabajo.
Un destello de lente es solo un artefacto visual creado por la luz que rebota dentro de la lente de una cámara para crear un "destello" en la película o el video que se está grabando.
Todavía puedes crear destellos en la mayoría de los lentes modernos haciendo brillar o reflejando las luces en la cámara o disparando a una fuente de luz brillante como el sol (asegúrate de usar protección UV para no dañar el sensor).
Sin embargo, la mayoría de las lentes que se fabrican hoy en día están diseñadas para evitar destellos innecesarios, por lo que si realmente desea obtener el aspecto, obtenga una lente más antigua o use destellos o superposiciones de lentes digitales.
Video Copilot vende un increíble complemento para Adobe After Effects llamado Optical Flares que incluso ha sido utilizado en películas por el mismísimo rey de los destellos de lentes, J.J. Abrams.
15. anamórfico
Hablando de J. J. Abrams, si has visto alguna de sus películas, notarás que tienden a tener un estilo particular. Súper 8 y el Star Trek las películas en particular tienen un aspecto anamórfico distinguido que estilísticamente rinde homenaje a las películas de Steven Spielberg de los años 80.
La apariencia anamórfica generalmente se asocia con destellos de lente largos y horizontales, aberración cromática y viñetas alrededor del exterior de la imagen, y una distorsión en la que los bordes del marco parecen más comprimidos.
Esto hace que las líneas rectas de una toma parezcan curvarse maravillosamente cuando llegan a los bordes exteriores del marco.
Y se ven geniales.
Si desea obtener un aspecto inspirado en el anamórfico similar, pero no puede permitirse disparar con lentes anamórficos, puede emular el aspecto en la publicación. Este tutorial desglosa los diferentes elementos y cómo crearlos.
16. Reducción de ruido
El ruido es la ruina de la existencia del cineasta independiente. Es esa materia granulada desordenada que normalmente aparece en las áreas más oscuras de la toma y, por lo general, se crea cuando no llega suficiente luz al sensor de la cámara.
Si tiene buena iluminación y expone sus tomas correctamente, o si su cámara funciona muy bien en situaciones de poca luz como la Sony a7s II, probablemente no será un gran problema.
Pero ese no es siempre el caso.
Si necesita eliminar el ruido en sus tomas, puede hacerlo en un grado u otro con un complemento como Neat Video. Neat Video es un complemento de reducción de ruido que está disponible para casi todos los NLE que puedas imaginar y funciona bastante bien.
Sin embargo, no es perfecto, y la reducción de ruido tiene un costo. Puede distorsionar los detalles de su metraje y hacer que la imagen sea menos atractiva de alguna manera, pero hay ocasiones en las que vale la pena pagar ese precio para eliminar el ruido no deseado.
17. Deslizadores / Plataformas rodantes
Si bien los gimbals son el nuevo rey del movimiento de la cámara y los drones gobiernan los cielos, los controles deslizantes y las plataformas rodantes todavía tienen su lugar.
Un control deslizante es básicamente un artilugio que permite que la cámara se "deslice" por él de forma manual o automática.
Una plataforma rodante es básicamente cualquier cosa sobre la que se coloque la cámara y que ruede.
Ambos son geniales. Ambos varían en precio desde 'muy barato' hasta '¿por qué estás comprando eso?' Ambos pueden ayudarte a obtener bellas tomas cinematográficas.
18. Transiciones
Una transición es cualquier momento en que un tiro va a otro. Esto puede ser tan simple como un corte básico, hasta algo tan complicado como este video completo:
Las transiciones estilizadas son perfectas para los cineastas de viajes en los que todo el concepto se trata típicamente de mostrar las ubicaciones de formas nuevas o espectaculares, pero se utilizan en todas las facetas de la realización de películas y pueden ayudar a aumentar instantáneamente el valor de producción percibido de su trabajo.
Las transiciones en la cámara son cuando disparas para crear un efecto de transición en la cámara.
También puede descargar transiciones que puede usar en publicaciones que ya se realizaron para usted.
Ten mucho cuidado. El uso excesivo puede ser extremadamente perjudicial para una película, por lo que aquí hay algunas buenas pautas a seguir.
Primero la historia
En general, siempre querrás concentrarte en contar la mejor historia y hacer que todo lo que hagas acentúe y trabaje para ese objetivo.
No abusar
Puede ser tentador incluir tantas transiciones como sea posible en su proyecto. Tenga cuidado de no usarlos en exceso o abusar de ellos, para que su impacto no se reduzca también.
Mantente constante
Si una toma va de izquierda a derecha, la siguiente probablemente se verá mejor si va de izquierda a derecha, y la transición también. Usa tus transiciones para guiar la mirada del espectador y agregar interés visual sin arruinar el atractivo estético.
19. Movimiento de cámara simulado
A veces, simplemente no tiene un cardán, controles deslizantes o plataformas rodantes, especialmente cuando recién está comenzando. Un gran truco para agregar algo de dinamismo a una toma de trípode aburrida es agregar un movimiento de cámara simulado en la publicación.
El truco aquí es ser sutil. Los movimientos de cámara extremos en las tomas con trípode en la posproducción tienden a parecer falsos porque los diferentes elementos en la toma no se paralizan correctamente (cruzándose uno delante o detrás del otro) como lo harían con un movimiento de cámara real.
Los zooms o el seguimiento de tomas de entrada y salida se pueden hacer simplemente creando fotogramas clave en la escala de su toma en su NLE. Por ejemplo, si la escala al principio de la toma es '100', establezca un fotograma clave.
Luego vaya al final de su toma y cambie la escala a '102', lo que debería establecer automáticamente otro fotograma clave. Una vez que lo reproduzcas, debería dar la ilusión de que la cámara está rastreando o acercándose lentamente.
Las tomas panorámicas o inclinadas se pueden realizar creando fotogramas clave en la posición de la toma de la misma manera. Simplemente aumente la escala de su disparo también para que no se corte en los lados, arriba o abajo a medida que se mueve.
Conseguir el aspecto cinematográfico:en conclusión
Los mejores cineastas no solo tienen una gran visión en la cabeza, sino que también pueden obtener la mejor representación de esa visión en la pantalla para que otros la vean.
Con suerte, esta publicación lo ayudará a lograrlo.
Marque esto, consúltelo con frecuencia y, si conoce a alguien que se está iniciando en la realización de películas, con suerte este artículo también puede ayudarlo.