La fotografía holística es una forma de desarrollar la apreciación de un artista por el mundo visual. Esto se logra mediante la interacción con ideas desafiantes y el dominio técnico del oficio fotográfico.
Los fotógrafos, en mi experiencia como entrenador de fotografía, tienden a gravitar hacia dos extremos;
1. ciencia
Estoy haciendo un mal uso de "ciencia" para referirme a experiencia técnica y resultados medibles. La artesanía está más cerca, pero el uso popular enturbia el significado.
Los fotógrafos atraídos por esta esfera tienden a concentrarse en los intrincados detalles de su equipo, las reglas fotográficas, los valores de exposición precisos y el balance de color exacto. Son muy protectores con los aspectos más destacados de las fotografías y usan HDR y Photoshop ampliamente, o adoptan una postura de "no manipulación" (y ocasionalmente usan película). El ruido digital es el enemigo y la nitidez es de suma importancia; aunque a menudo se prefieren lentes con aperturas tan amplias como f0.95.
Las preguntas típicas incluyen;
- '¿Cuántos megapíxeles tiene tu cámara?'
- ¿Qué valor de apertura debo usar?
- '¿Qué equipo usaste para tomar esta foto?'
- '¿Cómo obtengo fotografías más nítidas?'
- '¿Adobe RGB es mejor que ProPhoto RGB para paisajes?'
2. Arte
Los fotógrafos, a menudo animados por la fama de Instagram y los "me gusta" de Facebook, creen que la cámara no importa y que una lente principal o un súper zoom es suficiente. Tienden a usar filtros obvios de "arte" de Photoshop e imágenes compuestas. Pueden tener una formación artística y creer firmemente en la importancia de un buen "ojo". Sus fotos tienden a tener un mayor contraste y más saturación.
Hacen menos preguntas;
- '¿Cómo puedo capturar la belleza de esta escena?'
- '¿Cuál es el mejor color para pintar con luz?'
- '¿Cómo obtengo un fondo borroso?'
Por lo tanto, es la cámara la que atrae la atención del fotógrafo o el sujeto; rara vez ambos. La Fotografía Holística pretende corregir este desequilibrio proporcionando una estructura, el Cuarteto.
1. La Idea:
Las fotografías sin un pensamiento o sentimiento detrás de ellas rara vez llaman la atención. Holistic Photography separa este aspecto crucial en dos partes;
– Preservación:
La cámara es una herramienta maravillosa para la reproducción precisa del mundo visual. Nos permite a los fotógrafos capturar una impresión de una escena o sujeto, luego llevarla a través del tiempo y transmitirla por todo el mundo. Este es el reino de la mimesis; mostrar, no decir. El tema es suficiente y hay poca aportación creativa por parte del fotógrafo; aunque a menudo se requiere una gran habilidad con el oficio.
Mucho del arte solía existir únicamente para crear un simulacro exhibible de las posesiones de un patrón; incluyendo personas y animales. Ahora las fotos comerciales normalmente existen para identificar, conservar y vender. Todavía hay algunas personas vivas que piensan que la preservación es todo lo que la fotografía es, o puede ser (¿y tal vez incluso debería ser?).
Ejemplos;
- Fotografía de pasaporte
- Fotografía de producto para catálogos
- Muchas fotografías de paisajes
- Mucha fotografía de arquitectura
- Mucha fotografía escolar y de eventos
- Mucha fotografía de estudio, deportes, mascotas y "familia"
– Expresión:
Algunas pinturas pueden ser fotorrealistas y no decir nada, mientras que otras pueden ser profundamente conmovedoras; los llamaremos Arte. La fotografía también puede ser un medio excelente para la creación de Arte con "A" mayúscula.
La expresión en Fotografía Holística se trata de la transmisión de un pensamiento, idea o sentimiento. En primer lugar, están las fotografías sobre la vida interior y la perspectiva del mundo del fotógrafo holístico.
A menudo, el tema se utiliza como símbolo o como parte de una paleta; la fotografía no se trata solo de los objetos representados. Lo que sabemos y creemos afecta físicamente lo que vemos, por lo que la fotografía holística incluye formas de desarrollar el escurridizo "ojo artístico".
También son importantes aquellas fotografías comerciales que van más allá de la representación racional y se adentran en el contenido emocional. Un retrato dice más sobre el carácter de un modelo que solo su aspecto. Un anuncio de autos vende una visión de otra vida.
Ejemplos;
- Fotografía artística
- Fotografía conceptual
- Fotografía abstracta
- Algunas fotografías publicitarias
- Algunas fotografías de paisajes
- Algunas fotografías de retratos
- Algo de fotografía documental y editorial
- Algunas fotografías de bodas
2. La Luz:
La luz es crucial para todos, y especialmente para los fotógrafos. La luz es bastante predecible y esta sección se trata introduciendo principios clave que permiten al fotógrafo holístico identificar o crear la luz "adecuada" para la fotografía prevista en muchas situaciones diferentes. El proceso de mirar la Luz se divide en tres partes;
– Observar: Nuestra principal fuente de luz es normalmente el sol o un flash artificial. Esta es la luz de la llave. Las otras fuentes de luz y la luz reflejada por los objetos en la escena proporcionan luz de relleno.
Podemos identificar muchos factores, como el contenido de color, la intensidad, la duración, el carácter y la dirección de las luces que inciden sobre nuestra escena y sujeto.
Al comprender los principios fundamentales, podemos entender cómo analizar la luz y optimizar el posicionamiento de nuestro sujeto para aprovecharla al máximo. La pregunta siempre es:"¿Dónde están mis fuentes de luz?"
– Controlar: Si estuviéramos contentos con lo que el mundo nos presenta, todavía estaríamos viviendo en cuevas. De ello se deduce que es deseable tomar el control de la iluminación en su escena.
Podemos hacer esto ajustando y refinando las fuentes de luz ya presentes, o agregando más; generalmente destellos artificiales. Los reflectores sirven para hacer rebotar la luz. Las sedas pueden suavizarlo. La iluminación gelificada puede colorearlo. Si el presupuesto es lo suficientemente grande, hay pocos efectos que el fotógrafo no pueda lograr.
– Captura: Esta subsección normalmente proporciona la mayor parte del material para un programa de estudios de fotografía "completo". Abarca cómo reacciona la cámara a la luz, incluida la apertura, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO. Se enfatiza la comprensión de la aplicación creativa de estas tres variables más el uso de filtros.
Los modos de exposición y la compensación se enseñan aquí junto con la modificación de la respuesta de la cámara al color usando el balance de blancos. Técnicas como las imágenes HDR y los efectos en la cámara encajan en esta área.
3. La Composición:
La fotografía es un medio bidimensional que representa el mundo visual tridimensional. Por lo tanto, debemos confiar en los trucos para crear la ilusión de profundidad y perspectiva. También necesitamos componer los elementos de nuestras fotografías para asegurarnos de que nuestro tema sea claro y nuestro significado pretendido sea evidente.
Afortunadamente, la Estética, que tiene como objetivo lograr esto, está bien establecida y hay muchos principios de los que podemos aprender y aplicar. La composición se divide en dos partes;
– Comando: Una cámara captura una impresión más objetiva del mundo que nuestra experiencia subjetiva. Por tanto, para realizar fotografías que conmuevan a nuestro público, debemos aprovechar ciertos efectos creados por la cámara.
Por ejemplo, podemos controlar la perspectiva usando la Técnica de la Pirámide que cubre el posicionamiento de la cámara y la elección de la distancia focal. Más allá de técnicas en la cámara como la optimización de la profundidad de campo para comunicar nuestro mensaje, también podemos dirigir a nuestro sujeto dentro de la escena.
– Importancia: La luz es energía y el color es nuestra reacción a las longitudes de onda predominantes. La evidencia científica ha demostrado que el color tiene un efecto fisiológico y psicológico en las personas. La comprensión de la psicología del color se cubre en la sección sobre Luz, pero la composición de los colores dentro del marco también afecta su significado.
Comprender los símbolos, ya sean culturales o instintivos, le da al fotógrafo holístico la fluidez necesaria en el lenguaje visual para crear metáforas y narraciones.
4. El tiempo:
Aparentemente, el mundo tiene 4.540 millones de años. La fotografía promedio se hace en aproximadamente 1/250 de segundo. ¿Por qué elegir un momento particular en el tiempo para capturar la disposición de las cosas?
Las montañas crecen y se erosionan durante milenios, mientras que un jab para ganar un título mundial puede durar milisegundos. El movimiento se puede capturar en diferentes momentos para crear significados opuestos.
La duración de la exposición también afecta la forma en que se muestra el movimiento, e incluso puede ajustarse para desfamiliarizarse con el tiempo. La iluminación también cambia con el tiempo, por lo que la comprensión de la luz requiere atención al tiempo. El tiempo se divide en dos partes;
– Momento: Cartier-Bresson, el fotógrafo callejero surrealista, pensó que cada escena tenía un "momento decisivo" cuando todos los elementos de la imagen se juntaban momentáneamente para contar la historia de toda la escena. Diferentes fotógrafos verán diferentes momentos porque su interpretación de la escena es única.
Sin embargo, hay algunos conceptos útiles para saber. Por ejemplo, la investigación sobre microexpresiones dice que las verdaderas emociones de las personas se muestran momentáneamente en la cara. Las cámaras de película de alta velocidad, como las fabricadas por RED, pueden capturarlos. El tiempo también está relacionado con la composición; una persona parece diferente si es fotografiada en diferentes momentos cuando camina. Si sus piernas se muestran juntas, parece que están holgazaneando, y si están a mitad de camino, se ven decididos.
– Duración: ¿Cuánto dura un momento? Realmente estamos capturando un período de tiempo. La duración que elijamos afecta cómo aparece la fotografía; y por lo tanto su significado potencial. Las imágenes de balas en vuelo usan ráfagas de luz de flash de alta velocidad para congelar el movimiento que, de otro modo, sería invisible a simple vista. Por el contrario, la fotografía de campo ultraprofundo de las galaxias requirió que el telescopio Hubble usara una velocidad de obturación de diez días.
Estos son extremos; en esta fotografía la duración de la toma fue suficiente para desdibujar el movimiento del brazo del herrero; pero lo suficientemente rápido como para que el resto de la fotografía aparezca nítido.
Las entradas y salidas:
Separadas del cuarteto pero aún importantes, estas dos categorías analizan el equipo necesario para crear la fotografía. Las entradas incluyen la cámara, las lentes, los trípodes, el equipo de iluminación, los filtros, etc. Los resultados incluyen opciones de impresión, encuadres, pantallas digitales, computadoras, software de edición de imágenes y esos imanes de nevera con broches navideños.
Así el Cuarteto – la idea, la luz, la composición y el momento – proporciona la estructura para la fotografía holística y los entresijos nos llevan de la captura a la exhibición. Puedes ver el video del Cuarteto de Fotografía Holística
Mi experiencia de aprender fotografía fue como una pintura de Seurat o un dibujo de Rolf Harris; construyendo lentamente el panorama general a partir de ideas y técnicas específicas. La fotografía holística ayuda a acelerar y profundizar el aprendizaje al comenzar primero con el esquema completo y luego proporcionar el material para que el individuo desarrolle su propia habilidad y visión únicas y conecte el material aprendido previamente.
La fotografía me ha dado un profundo aprecio por el mundo que ni siquiera podía imaginar cuando empecé. Además de una forma de preservar, se ha convertido en una forma de ver, comprender y expresar; que sigue desarrollándose. Es por eso que creé Holistic Photography:para ayudar a mi propio progreso y compartir el proceso con los demás. Espero que sea de utilidad.
