Controlar la perspectiva de su audiencia puede ser un desafío cuando se trabaja con un presupuesto limitado. Al filmar una pieza con guión o un proyecto de estilo documental, es posible que no siempre tenga tanto control como le gustaría sobre las cosas que afectan el tono de sus tomas, como la iluminación, las ubicaciones y el diseño de producción. Es posible que tenga poco o ningún dinero para el vestuario y la utilería, que esté limitado a la ubicación donde se encuentran los sujetos de su documental, o que apenas tenga suficiente equipo de iluminación para obtener una toma con la exposición adecuada. Al controlar la perspectiva de su cámara, puede impulsar la reacción de su audiencia a las imágenes que involucran técnicas que se pueden lograr con casi cualquier presupuesto.
Las sutiles tradiciones del lenguaje visual
Así como los pintores suelen preferir un cierto tipo de composición para transmitir una emoción particular, los directores de fotografía han desarrollado un lenguaje visual complejo para contar historias a lo largo de los años. Este lenguaje se cuenta mediante el uso del color, el contraste, el punto de vista, el enfoque y el movimiento. Si bien al principio puede parecer que los largometrajes tienen un aspecto uniforme, al examinarlos de cerca notará que las películas de terror del cine moderno se ven muy diferentes de las comedias románticas (a menos que esté viendo una película como “Warm Bodies ” que cruza ambos géneros).
Los estilos que componen este sistema de narración visual no se formaron de manera arbitraria. Son el resultado de aprender cómo reacciona la gente ante las imágenes. Muchos de los grandes directores de fotografía han estudiado las obras de maestros pintores y artistas de tradiciones que datan de siglos atrás y han incorporado estas técnicas en la forma en que filman. Esto no quiere decir que el lenguaje de la narración visual no haya evolucionado. Si observa escenas de algunos thrillers de la década de 1940 y algunos realizados en los últimos años, verá que comparten algunas similitudes; sin embargo, muchas cosas han cambiado en la forma en que ahora se filma comúnmente el género.
El público se ha sintonizado con las técnicas comunes utilizadas por los directores de fotografía cuando filman ciertos tipos de historias. Si puede incorporar algunas de estas técnicas a sus producciones, puede atraer a la audiencia a su historia de manera más fácil y efectiva.
Encontrar tu historia
El tipo de historia que vas a contar afecta cómo vas a rodarla. Para comenzar, debe averiguar qué tipo de historia está contando. El estilo común de filmar una película de acción de artes marciales es muy diferente al de un drama histórico. Incluso si estás filmando un documental, debes pensar de qué se tratará la historia. Tanto “Enron:Los tipos más inteligentes de la habitación ” y “Salón de baile loco y caliente ” recibieron disparos muy efectivos pero de manera muy diferente.
Piensa y mira historias similares a la tuya. Incluso si tienes una historia que no encaja en un género, mira historias que tengan elementos similares a los tuyos. Entonces, si tienes una película de espadas, sandalias y zombis ambientada en el Imperio Romano, mira cosas como "Spartacus ” y “El amanecer de los muertos luego, encuentra las partes de tu historia que la hacen única. Resáltalos con tu uso de la cámara.
Aprender a manipular y controlar la perspectiva de la cámara para mejorar tu narración mantendrá a tu audiencia interesada.
Esfuércese por la ejecución consistente de la técnica sobre la originalidad. Los westerns todavía encuentran una audiencia, y no los miran para ver algo nuevo. Descubrirá que, a medida que aprenda y domine las habilidades técnicas para controlar sus tomas, su propio punto de vista y sentido de la historia harán que de vez en cuando se tome un pequeño descanso de la tradición visual. A menudo, son estas diferencias sutiles las que pueden tener el mayor impacto en el estilo visual propio.
Los elementos de la perspectiva de la cámara
Lo que ve tu cámara, lo ve tu audiencia. Para usar la perspectiva de su cámara para apoyar su historia, debe aprender a manipular los diferentes elementos de la perspectiva de la cámara. Estos elementos son:velocidad de fotogramas, relación de aspecto, campo de visión, enfoque, profundidad de campo, punto de vista, ángulos, encuadre, movimiento y velocidad.
Velocidad de fotogramas y relación de aspecto
Lamentablemente, para muchas producciones, las decisiones sobre qué relación de aspecto o velocidad de fotogramas utilizar no son creativas, sino que se basan en la distribución final del proyecto o en las limitaciones técnicas del equipo que se utiliza. Incluso en línea, la velocidad de fotogramas máxima admitida por muchos anfitriones de video es de 30 fps. 
La mayoría de las cámaras asequibles solo disparan a 24, 25 o 30 fps.
La relación de aspecto para la mayoría de los equipos de video modernos es 1,78:1 (16X9), aunque algunas cámaras admiten el estándar de película de 1,85:1 (Academia), pero los formatos más amplios como 2,35:1 (alcance) que son populares para grandes películas épicas no lo son. Compatible con cámaras de cine de alta gama sin perder resolución al recortar o estirar una imagen más estrecha.
Campo de visión
Todo lo que cae dentro del marco de la imagen que captura una cámara es su campo de visión. El campo de visión de una cámara está determinado por dos factores, la distancia de la cámara al sujeto y la distancia focal de la lente. El uso de una lente con una distancia focal corta le brinda un amplio campo de visión que le permite capturar una gran cantidad de fondo con su sujeto. Los lentes con amplios campos de visión también reducen la percepción del movimiento de la cámara, lo que los convierte en una opción popular para las tomas de acción con cámara en mano. Una lente con una distancia focal larga le brinda un campo de visión estrecho que permite lograr primeros planos con la cámara más alejada del sujeto. También se utilizan lentes con campos de visión estrechos para reducir la profundidad de campo y hacer que el sujeto se destaque del fondo.
Hay diferentes tipos de tomas comunes en producción que se nombran para describir su campo de visión en relación con el sujeto. Estas tomas incluyen:gran angular, gran angular, medio, primer plano y primer plano adicional. Algunas tomas amplias se conocen como tomas de establecimiento porque incluyen el área alrededor de los sujetos y dan una sensación de ubicación en un entorno. Sin tomas establecidas, el público puede sentir que no sabe dónde se desarrolla la historia. No es raro cambiar de un plano medio, donde el sujeto se encuadra desde aproximadamente la cintura hasta la parte superior de la cabeza, a un primer plano, donde el sujeto se encuadra aproximadamente desde la parte superior del pecho hasta la parte superior de la cabeza. , pero el campo de visión en estas diferentes tomas debe permanecer igual.
La consistencia del campo de visión en los diferentes tipos de tomas que tome puede ser muy importante para mantener el estado de ánimo y el tono de su historia. Si encuadra a sus sujetos con todos los primeros planos y todos los planos medios con el mismo campo de visión, ayuda a transmitir una sensación de estabilidad al estado de ánimo de una escena; luego, si hay un cambio dramático en la historia, puede romper con este patrón de filmación para ayudar a mejorar el cambio dramático. Por el contrario, si el tono de la historia es parejo y el campo de visión en el mismo tipo de tomas cambia constantemente, puede sacar a la audiencia de la historia. Este tipo de inconsistencia del campo de visión a menudo se señala como un signo de una producción de baja calidad o de "grado B".
Enfoque y profundidad de campo
La mayoría de las veces, querrá que el sujeto de su toma esté enfocado, pero es posible que desee que estén desenfocados o que entren y salgan de foco para respaldar su confusión, lesión o algún otro tipo de trauma. El uso del enfoque en tomas para enfatizar ciertas áreas del encuadre se puede controlar cambiando la profundidad de campo. Una toma con una gran profundidad de campo tiene objetos en primer plano, medio plano y fondo enfocados. Una toma con poca profundidad de campo solo tiene enfocado el medio plano; si su sujeto es lo único en el medio de este tipo de toma, realmente se destacará. El ojo humano se siente naturalmente atraído por las cosas que están enfocadas, por lo que las tomas con personajes con poca profundidad de campo se han vuelto muy populares en los dramas modernos y las comedias románticas. También se puede usar una profundidad de campo reducida para ocultar cosas en el fondo que no se verían atractivas enfocadas. En las películas de acción, el héroe casi siempre se representa visualmente como si estuviera al mando de su entorno, por lo que solo se utilizan tomas con profundidades de campo medianas y grandes para el héroe.
Punto de vista
El punto de vista es cuando la cámara filma una escena (o toma única) como si la estuviéramos viendo desde la perspectiva del sujeto. Ese sujeto podría ser una persona, un animal o incluso un sujetapapeles. A menudo, el punto de vista de una cámara puede afectar la forma en que las personas interpretan la escena. Las tomas POV de plomo han existido desde la era del cine mudo. 
Estas tomas te llevan a la perspectiva o los ojos del personaje principal. Desde la película El proyecto de la bruja de Blair , los cineastas incluso han utilizado tomas POV principales como el único punto de vista de la cámara. Las cámaras de seguridad proporcionan el segundo uso más común del punto de vista en los largometrajes; sin embargo, el más genial y menos utilizado es el punto de vista del capó o el parachoques de un automóvil. Utilizado ampliamente en la década de 1970, se ha convertido en un elemento básico de las escenas de persecución de automóviles desde entonces.
Ángulos
Los ángulos pueden transmitir cosas sobre los personajes de manera subconsciente. Por ejemplo, cuando el héroe triunfante se acerca para salvar el día si se usa un ángulo bajo, sugiere que el personaje es noble, valiente y poderoso. Los ángulos bajos también pueden dar a los sujetos una sensación abrumadora haciéndolos más grandes que la vida o amenazantes. Los ángulos altos a menudo hacen que las personas parezcan pequeñas, débiles o insignificantes, por lo que si a nuestro héroe le dispararon desde arriba, podríamos pensar que está asustado, aterrorizado o incapaz.
Los ángulos a la altura de los ojos o los ángulos estándar permiten interpretaciones más neutrales y, a menudo, parecen más personales. La mayoría de las comedias románticas se filman desde este ángulo. Los ángulos bajos que no están nivelados se conocen como ángulos holandeses. Los ángulos holandeses se usan comúnmente en los thrillers y las películas de terror para retratar el peligro, ya que tienden a dar a la audiencia una sensación de inquietud.
Encuadre
Algo tan aparentemente simple como dónde está el sujeto en el encuadre y hacia dónde mira puede tener un gran impacto en su producción. En las noticias y comerciales de televisión, el sujeto suele estar en el centro del encuadre y mirando directamente a la lente de la cámara. En las películas, los sujetos suelen estar descentrados y rara vez, si es que alguna vez lo hacen, miran directamente a la cámara. Este tipo de encuadre se basa en la regla de los tercios que divide la pantalla en nueve partes con tres planos horizontales y tres verticales. En el cine, los personajes se desplazan hacia el lado derecho o izquierdo de la pantalla, que serían los planos verticales uno y tres. Cuando las personas están encuadradas en el centro, plano vertical dos, se usa para romper la cuarta pared o incomodar a la audiencia según el contexto. A veces, en el cine, incluso ves situaciones en las que los actores están casi fuera de cuadro o solo sus sombras están en el cuadro para sugerir acciones ocultas o su retiro de una escena o situación.
Movimiento
La forma en que mueves la cámara también debe coincidir con tu historia. Si está filmando una película ambientada en la corte real francesa en el siglo XVIII, entonces muchos movimientos elaborados de carretillas y grúas pueden funcionar bien. Del mismo modo, si está contando un drama descarnado del centro de la ciudad, entonces su audiencia puede recibir bien imágenes de mano ligeramente temblorosas. Si cambiaste los dos estilos, es posible que la audiencia no acepte que las historias se cuenten de una manera visual y desconocida.
Hay muchos términos diferentes para el movimiento de la cámara y, a menudo, están relacionados con los diferentes tipos de soporte de cámara que se utilizan.
El movimiento de los trípodes es panorámico (girar la cabeza del trípode hacia la izquierda o hacia la derecha) e inclinar (inclinar la cabeza del trípode hacia arriba o hacia abajo). Dado que una persona con una cámara de mano puede imitar los movimientos del trípode, se utilizan los mismos términos para tomas de mano.
El movimiento del carro o deslizador es carro adentro (se acerca al sujeto), carro afuera (se aleja del sujeto), camión (mueve la cámara hacia la izquierda o hacia la derecha), travelling (la cámara se mueve con el movimiento del sujeto mientras mantiene el campo de visión del mismo tamaño. También se puede hacer con la mano.)
El movimiento de la grúa o el pescante consiste en subir o bajar el brazo (inclina el brazo hacia arriba o hacia abajo). Las grúas y los pescantes a veces se denominan brazos.
El movimiento de la lente de zoom es acercar (aumentar la distancia focal) o alejar (disminuir la distancia focal). Si bien un acercamiento o alejamiento tiene un efecto similar al de una plataforma rodante, la profundidad de campo de la toma cambia con el zoom; además, la mayoría de los objetivos zoom distorsionan la imagen al hacer zoom, lo que también altera el aspecto de la toma. Un acercamiento o un carro en la cara de un sujeto puede hacer que su expresión facial sea más notoria.
Velocidad
Los efectos como la cámara lenta o lapso de tiempo afectan la forma en que la audiencia percibe los eventos. La cámara lenta creada al filmar a altas velocidades de cuadro y reproducir a una velocidad normal se puede usar para lograr una serie de respuestas diferentes y actualmente se ve con mayor frecuencia en las películas de acción para enfatizar una acción espectacular de un héroe como un espartano que salta dramáticamente en el aire cuando está a punto de derribar a su enemigo. El lapso de tiempo se crea tomando imágenes fijas o secuencias de video durante un largo período de tiempo y comprimiéndolas en un corto período de tiempo. Esto puede hacer que las personas sientan que el tiempo pasa volando o puede indicar una transición dramática. Un ejemplo común sería ver las fases de la luna pasar rápidamente para sugerir que ha pasado un mes en la historia.
Conclusión
Una de las mejores maneras de aprender a controlar la perspectiva de su audiencia con su trabajo de cámara es estudiar otras imágenes de grandes historias que sean similares a la suya y ver cómo lo logró el director de fotografía. La mayoría de los géneros cinematográficos tienen películas que han revolucionado la forma en que se filmó ese tipo de película, como “Stage Coach ” para westerns, “Blade Runner ” para ciencia ficción y “Die Hard ” para películas de acción. Estudiar este tipo de películas para ayudarlo a comprender qué opciones de tomas se usaron para impulsar estas historias lo ayudará a tomar decisiones similares en sus proyectos. Por supuesto, no hay sustituto para la experiencia práctica, así que asegúrese de practicar lo que ha visto.
Barra lateral
Efectos visuales de perspectiva forzada y profundidad de campo
La perspectiva forzada es la ilusión de que dos objetos tienen la misma escala y existen en el mismo plano de profundidad. Antes de CGI, los creadores de modelos creaban conjuntos elaborados con agujeros o "ventanas". Al colocar este set muy cerca de la cámara, colocarían a los actores muy lejos en el fondo. Esto dio la ilusión de que los actores estaban realmente dentro de este modelo y que el modelo era real. Otro uso de la perspectiva forzada fue hacer que los objetos parecieran más grandes o más pequeños. Este efecto, un elemento básico de las películas de ciencia ficción anteriores a CGI, se logró poniendo en escena a un actor (u objeto) cerca de la cámara para que pareciera más grande que la vida y colocando un objeto (o actor) lejos en el fondo para que pareciera pequeño en comparación con el objeto de primer plano.
La perspectiva forzada con profundidad de campo también se puede utilizar para efectos visuales en la cámara. En la aplicación más común, la cámara hace un zoom completo y acorta la profundidad de campo. Luego, los actores que corren, conducen o están parados reaccionan a una serie de señales como la pirotecnia. Ante la cámara, los actores aparecen justo en medio de una explosión o choque cuando en realidad pueden estar a varios cientos de metros de distancia. Debido a la perspectiva de la cámara y la profundidad de campo reducida, el público experimenta la ilusión de que todo esto sucede en el mismo plano de existencia.
Con los avances en CGI y la presencia continua de 3D, la perspectiva forzada y las técnicas de profundidad de campo ahora son efectos prácticos utilizados principalmente por cineastas de bajo presupuesto; sin embargo, los directores de grandes presupuestos como Peter Jackson y Christopher Nolan todavía los usan en la actualidad.
Odin Lindblom es un editor y director de fotografía galardonado cuyo trabajo incluye películas, comerciales y videos corporativos.