1. Planificación y narración de cuentos:
* Conozca los objetivos de su historia y escena: Antes de pensar en las imágenes, comprenda lo que quiere lograr con la escena. ¿Qué emociones quieres evocar? ¿Qué información de la trama debe transmitirse? ¿Cuál es el estado interno del personaje?
* Estructura narrativa fuerte: Una escena bien estructurada tiene un claro comienzo, medio y final. Debería contribuir al desarrollo general de la trama o el personaje.
* Metáforas de subtexto y visual: Use elementos visuales para comunicar cosas que no se declaran explícitamente en el diálogo. Una puerta cerrada podría representar aislamiento, una vela parpadeante podría significar la esperanza de desvanecimiento.
* ritmo: Controle el ritmo de la escena. El ritmo lento puede crear tensión o enfatizar momentos tranquilos. El ritmo rápido puede generar emoción o urgencia.
2. Composición y encuadre:
* Regla de los tercios: Divida el marco en nueve partes iguales con dos líneas horizontales y dos verticales. Colocar elementos clave en este sentido o en sus intersecciones crea una composición más atractiva y equilibrada visualmente.
* Líneas principales: Use líneas (carreteras, cercas, ríos, etc.) para guiar el ojo del espectador hacia el tema principal o crear una sensación de profundidad.
* Espacio negativo: Las áreas vacías alrededor del tema pueden crear una sensación de aislamiento, amplitud o anticipación.
* Enmarcado dentro de un marco: Use elementos en primer plano (ventanas, puertas, arcos) para enmarcar el sujeto y agregar profundidad y contexto.
* Simetría y asimetría: La simetría puede crear una sensación de orden y estabilidad. La asimetría puede crear tensión e interés visual.
* en primer plano, medio, fondo: Use estas capas para crear profundidad e interés visual.
* ángulo de la cámara:
* Level de los ojos: Neutral, relatable.
* Ángulo alto: Hace que el sujeto parezca vulnerable o pequeño.
* Ángulo bajo: Hace que el sujeto parezca poderoso o imponente.
* ángulo holandés (inclinado): Crea una sensación de inquietud, desorientación o caos.
* sobre-el-hombro (OTS): Muestra la relación entre dos personajes.
3. Iluminación:
* Iluminación de tres puntos: Una configuración de iluminación estándar que usa una luz de llave (fuente de luz principal), llena de luz (para suavizar las sombras) y la luz de fondo (para separar el sujeto del fondo).
* Luz natural: Use la luz natural para su ventaja, pero tenga en cuenta la hora del día y las condiciones climáticas. Los reflectores pueden ayudar a rebotar la luz y llenar las sombras.
* Luz artificial: Experimente con diferentes tipos de luz artificial (tungsteno, fluorescente, LED) para crear diferentes estados de ánimo.
* Temperatura de color: La luz cálida (amarillenta/naranja) puede crear una sensación acogedora o nostálgica. La luz fría (azulada) puede crear una sensación de frialdad o inquietud.
* dura vs. luz suave: La luz dura crea sombras duras, mientras que la luz suave crea sombras más difusas.
* silueta: Retroceso a un sujeto para crear un esquema oscuro.
* Chiaroscuro: Usando fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad para crear un efecto dramático.
4. Movimiento de la cámara:
* tomas estáticas: Puede crear una sensación de estabilidad u observación.
* Pan: Movimiento horizontal de la cámara en un eje fijo.
* Tilt: Movimiento vertical de la cámara en un eje fijo.
* Zoom: Cambiar la distancia focal de la lente para que el sujeto parezca más cerca o más lejos.
* Dolly (toma de seguimiento): La cámara se mueve en una pista o dolly, siguiendo el sujeto o revelando el entorno.
* tiro de grúa: La cámara se mueve verticalmente en una grúa, lo que permite una amplia gama de perspectivas.
* Handheld: Crea una sensación de inmediatez y realismo. (¡Use con moderación y con control!)
* skinicam: Proporciona un movimiento suave de la cámara mientras el operador está caminando o corriendo.
5. Diseño de sonido:
* sonido diegético: Sonido que se origina desde dentro de la escena (diálogo, efectos de sonido, música de una radio, etc.).
* sonido no dietético: Sonido que se agrega en la postproducción (puntaje musical, narración, etc.).
* Efectos de sonido: Use los efectos de sonido para mejorar el realismo y el impacto de la escena.
* foley: Creando efectos de sonido grabando sonidos cotidianos en un estudio.
* ambiente: El ruido de fondo de la escena (por ejemplo, viento, tráfico, aves).
* Silencio: La ausencia de sonido puede ser tan poderosa como el sonido.
6. Edición:
* Corte en acción: Transición entre disparos durante un movimiento para crear un flujo perfecto.
* montaje: Una secuencia de tomas cortas utilizadas para comprimir el tiempo o transmitir un estado de ánimo particular.
* Corte transversal (edición paralela): Cortar entre dos escenas diferentes que están sucediendo simultáneamente.
* Corte de salto: Una transición abrupta entre disparos que crea un efecto discordante. (Use intencionalmente)
* l-cut y j-cut: El audio de un disparo sangra a la siguiente, creando una transición más suave. El audio de L Cut de la primera toma continúa en el segundo disparo. El audio de corte J del segundo disparo comienza antes del corte visual.
7. Efectos visuales (VFX):
* Se utiliza para mejorar el realismo, crear escenarios imposibles o agregar un toque visual. Desde mejoras sutiles (por ejemplo, eliminar las imperfecciones) hasta entornos CGI completos.
Consideraciones clave para lograr un aspecto "cinematográfico":
* Relación de aspecto: Considere usar una relación de aspecto más amplia (por ejemplo, 2.39:1 o 2.35:1) para crear un aspecto más cinematográfico. Esto se puede lograr mediante el cultivo en la postproducción.
* Profundidad de campo: La profundidad de campo superficial (donde solo una pequeña porción de la imagen está en foco) puede usarse para llamar la atención sobre el sujeto y crear una sensación de separación del fondo. Esto requiere usar aperturas más anchas (números F más bajos).
* Calificación de color: Ajuste los colores del metraje en la postproducción para crear un estado de ánimo o estética específica.
* elección de la lente: Diferentes lentes crean diferentes perspectivas. Las lentes de gran ángulo pueden exagerar la distancia y hacer que la escena se sienta más grande. Las lentes de teleobjetivo compriman el espacio y hacen que el sujeto parezca más cercano.
* Resolución y velocidad de cuadro: Mientras que 4K es común, la resolución no es el factor * único *. Considere la velocidad de fotogramas:24 fps es la velocidad de fotogramas cinematográfica tradicional.
* Diseño de producción y disfraces: La apariencia general de la escena es crucial. Las paletas de colores consistentes, los accesorios auténticos y los disfraces bien diseñados contribuyen a una experiencia cinematográfica.
Notas importantes:
* Práctica y experimentación: La mejor manera de aprender estas técnicas es practicar y experimentar. Dispare imágenes de prueba, vea películas y analice cómo los cineastas usan estos elementos.
* Rompe las reglas: Una vez que comprenda las reglas, no tenga miedo de romperlas. A veces, las escenas más memorables son las que desafían la convención.
* menos es a menudo más: No intentes meter demasiadas técnicas cinematográficas en una escena. Concéntrese en utilizar algunas técnicas de manera efectiva para lograr su efecto deseado.
* La tecnología no garantiza "cinemato": Puede hacer escenas cinematográficas convincentes con equipos básicos. El enfoque debe estar en la narración y la composición.
Al dominar estas técnicas y aplicarlas cuidadosamente, puede crear escenas que sean visualmente impresionantes, emocionalmente atractivas y verdaderamente cinematográficas. ¡Buena suerte!