i. Planificación y preproducción:la base para el éxito
* El guión es el rey: El script es el elemento más crucial. Debe diseñarse específicamente para una sola toma, con transiciones naturales, arcos de carácter claros y diálogo que sirve a la coreografía de la cámara.
* El bloqueo lo es todo: Cada movimiento, cada pausa, cada línea de diálogo está intrincadamente vinculada a la posición y el movimiento de la cámara. Los meses de ensayos son estándar.
* El ritmo es clave: El script necesita desarrollar tensión, liberarla y mantener el compromiso sin el beneficio de la edición.
* Ubicaciones limitadas/consideraciones de espacio ajustado: Limitar la cantidad de ubicaciones o mantenerlos unidos es crucial. Los espacios ajustados pueden ser tanto un beneficio (crear claustrofobia/intimidad) como un desafío (limitando el movimiento de la cámara).
* coreografía de la cámara: Aquí es donde el director, el director de fotografía y los operadores de cámaras se convierten en bailarines.
* storyboards/pre-visualización detallados: Cada movimiento de la cámara está asignado. Se recomienda encarecidamente la previa visualización (usando la animación por computadora o incluso los stands simples).
* Ensayos de la cámara: Innumerables ensayos con la tripulación de la cámara solo para perfeccionar el movimiento, los tirones de enfoque y el encuadre.
* Soporte de la cámara: Las estadicamas son comunes, pero las muñecas, las grúas e incluso el trabajo de mano pueden emplearse, dependiendo del estilo y las ubicaciones.
* Preparación del actor:
* La memorización es primordial: Los actores deben tener sus líneas, bloqueo y señales perfectamente. La improvisación generalmente se desaconseja.
* resistencia física: Los actores deben estar físicamente en forma para manejar el rendimiento largo e ininterrumpido.
* Consistencia del personaje: No hay espacio para el error. Deben permanecer en el personaje durante toda la toma.
* "Siguiendo la cámara": Los actores deben ser conscientes de dónde está la cámara y ajustar su rendimiento en consecuencia, sin hacerlo obvio.
* Consideraciones técnicas:
* sonido: Los micrófonos de boom son esenciales para capturar el diálogo. Los micrófonos inalámbricos pueden usarse para los actores que se mueven rápidamente o lejos de la cámara. Insonorizar el set es aún más crucial de lo habitual.
* Iluminación: La iluminación debe ser consistente y cuidadosamente diseñada para seguir la cámara. A menudo se usan luces prácticas dentro del set. También se pueden usar luces de movimiento, cuidadosamente cronometradas.
* Enfoque: Los tiradores de enfoque son cruciales. Deben anticipar los movimientos de los actores y mantener un enfoque agudo a lo largo de la toma.
* potencia: Asegure una potencia ininterrumpida para todo el equipo (cámara, luces, sonido).
* Planes de contingencia: ¿Qué sucede si alguien flube una línea? ¿Qué sucede si sopla una luz? Tener "outs" predeterminados o formas de reiniciar con gracia una escena es vital.
* Comunicación:
* Sistema de comunicación claro: Un sistema de comunicación robusto (auriculares) es esencial para que el director se comunique con la tripulación de la cámara, el sonido, la iluminación y otro personal clave.
* Givers de señal designados: Se pueden designar miembros específicos de la tripulación para dar señales a los actores.
ii. Producción:El arte de la toma de costuras
* ensayos de vestir: Los ensayos de vestimenta completa con actores, cámara, sonido, iluminación y toda la tripulación son esenciales. Aquí es donde identifica y soluciona los problemas restantes.
* Take After Take: Espere hacer muchas tomas. La perfección es el objetivo, pero incluso pequeños errores pueden arruinar una toma. La paciencia y un compromiso con la excelencia son clave.
* "The Secret Cut": A menudo, los episodios de un solo disparo no son * verdaderamente * una toma. Un corte casi imperceptible a veces se oculta dentro de una bandeja de látigo, detrás de un objeto o durante un breve momento de oscuridad. Esto permite un reinicio si es necesario, o para fusionar las mejores partes de dos tomas. Esto generalmente está mal visto y rompe el espíritu de un solo disparo, pero a veces se usa como último recurso.
* Mantener energía: Mantener el nivel de energía alto tanto para el elenco como para el equipo durante los largos días de tiro es un desafío. Los descansos regulares, el aliento positivo y la comunicación clara son cruciales.
* Resolución de problemas en la marcha: Incluso con una planificación meticulosa, las cosas inevitablemente saldrán mal. El director y la tripulación deben poder identificar rápidamente los problemas y encontrar soluciones sin interrumpir el flujo de la toma.
* Elige tus batallas: A veces, se puede pasar por alto un error menor si el rendimiento general es fuerte. El director debe decidir cuándo detenerse y restablecer y cuándo dejar pasar un pequeño error.
iii. Postproducción:el esmalte final (mínimo, pero importante)
* costura sin costuras (si es necesario): Si se usó un "corte secreto", el equipo de postproducción debe combinar sin problemas los dos tiros.
* Corrección de color: Puede ser necesaria una corrección sutil de color para garantizar la consistencia durante todo el episodio.
* Mezcla de sonido: La mezcla de sonido cuidadosa es esencial para garantizar que el diálogo sea claro y que el paisaje sonoro es inmersivo.
* Efectos visuales (raros): Los efectos visuales rara vez se usan en episodios de un disparo, pero podrían emplearse para mejoras o correcciones sutiles.
Consideraciones clave para múltiples episodios de un solo disparo:
* Aprenda de cada episodio: Trate cada episodio como una experiencia de aprendizaje. Documente lo que funcionó, lo que no lo hizo y use esas lecciones para mejorar el próximo episodio.
* diferentes estilos y desafíos: Varía el estilo y los desafíos de cada episodio. No solo repita la misma fórmula. Experimente con diferentes técnicas de cámara, ubicaciones y enfoques de narración de cuentos.
* Equipo especializado: Construye un equipo que tenga experiencia en un cine de un disparo. Tener un grupo central de actores, operadores de cámara y técnicos que entiendan los matices de esta técnica mejorará en gran medida sus posibilidades de éxito.
* Consideraciones presupuestarias: Los episodios de un solo disparo pueden ser caros, especialmente en términos de preproducción y tiempo de ensayo. Factoriza esto en tu presupuesto. También pueden tener menos cambios de ubicación que un episodio estándar y, por lo tanto, ser más baratos de esa manera.
Ejemplos de episodios exitosos de un solo disparo:
* "Homicide:Life on the Street" - "Subway" (1997)
* "er" - "emboscada" (1997)
* "The West Wing" - "Stardown" (2000)
* "Scrubs" - "My Old Lady" (2003) - * Parcial * One -Shot
* "How I Met Your Mother" - "Mosbius Designs" (2009) - * Parcial * One -Shot
* "Community" - "Remedial Chaos Theory" (2011) - * Multi -camera, técnicamente un disparo por línea de tiempo *
* "MR. Robot" - "EPS2.0_UNM4SK -PT1.TC" (2016)
* "BoJack Horseman" - "Fish Out of Water" (2016) - Un ejemplo brillante de usar la animación para una sensación de un solo disparo con una increíble narración visual.
* "inquietante de la casa de la colina" - "Dos tormentas" (2018)
La filmación de un episodio de un solo disparo es una empresa de alto riesgo y de alta recompensa. Requiere una gran cantidad de planificación, habilidad y dedicación. Sin embargo, cuando se ejecuta bien, puede ser una experiencia cinematográfica realmente notable e inolvidable. Hacerlo varias veces multiplica los desafíos y el potencial de innovación. ¡Buena suerte!