1. Comprender las diferencias:
* Escala: Esta es la mayor diferencia. El teatro se trata de proyectar a la fila de atrás; La película se trata de una conexión íntima a través de la lente. Ayúdelos a comprender que las actuaciones más pequeñas y matizadas son clave.
* Proyección versus internalización: El teatro a menudo requiere una proyección externa de la emoción. La película a menudo se beneficia de internalizar las emociones, permitiéndoles filtrarse a través de los ojos y gestos sutiles.
* Tiempo: Los ritmos teatrales son diferentes. La película se basa en el tiempo preciso, a menudo con interrupciones para múltiples tomas. Deben sentirse cómodos repitiendo el mismo momento de manera consistente.
* Continuidad: En el teatro, la actuación es continua. En el cine, está fragmentado. Necesitan mantener la consistencia del personaje a través de múltiples tomas, disparadas fuera de secuencia.
* Micrófono: Los actores de teatro están acostumbrados a proyectar sus voces. Deben tener en cuenta la colocación del micrófono y aprender a modular sus voces para una grabación de sonido óptima, incluso en escenas íntimas.
* Fisicalidad: Los grandes gestos que funcionan en el escenario pueden sentirse exagerados en la película. Necesitan refinar su fisicalidad y centrarse en movimientos más pequeños y deliberados.
2. Comunicación de preproducción:
* Visión clara: Comparta su visión para la película y el personaje específico. Discuta la historia de fondo del personaje, las motivaciones y las relaciones. ¡Dales contexto!
* ensayo (pero diferente): Ensayo, pero concéntrese en la exploración y el descubrimiento, no bloqueando una actuación demasiado temprano. Use el ensayo para ayudarlos a encontrar la vida interna del personaje.
* Detalles técnicos: Explique los aspectos técnicos del cine:ángulos de cámara, iluminación, grabación de sonido. Saber cómo funcionan estos elementos los ayudará a comprender cómo se capturará su rendimiento.
* colaboración: Hazlos sentir como socios en el proceso. Su experiencia e ideas pueden ser valiosas.
* confianza: Construir una relación de confianza. Hágales saber que valore su talento y está allí para apoyarlos.
* Análisis de script: Pase el guión por línea, discutiendo motivaciones, subtexto y cómo cada escena contribuye a la historia general.
3. Dirección en el set:
* Notas específicas y concisas: Evite la retroalimentación vagas como "más emoción". Dé la dirección específica:"Intenta pensar en tu perro de la infancia en este momento" o "Imagina que estás tratando de convencer a tu mejor amigo".
* Centrarse en los objetivos: Recuérdeles el objetivo de su personaje en cada escena. ¿Qué están tratando de lograr?
* "Menos es más": Recuérdeles constantemente que la sutileza es clave. Aliéntelos a reducir su rendimiento y confiar en la cámara para capturar los matices.
* Línea de ojos: Sea muy claro sobre las líneas oculares. La película depende en gran medida de dónde está mirando el actor, especialmente en primeros planos.
* Ajustes físicos: Guía sutilmente su fisicalidad. Ajuste su postura, gestos manuales o expresiones faciales según sea necesario. No tengas miedo de demostrar.
* Control de voz: Monitorear su proyección vocal. Anímalos a hablar con conversación y dejar que el micrófono haga el trabajo. Ajuste su micrófono si es necesario.
* Desglosarlo: No los abrume con demasiada información a la vez. Concéntrese en uno o dos ajustes por toma.
* Paciencia y aliento: Sea paciente y de apoyo. Se necesita tiempo para adaptarse a un nuevo medio. Elogie sus éxitos y ofrece críticas constructivas.
* Use el monitor: Muéstreles su desempeño en el monitor. Esta puede ser una herramienta poderosa para ayudarlos a comprender qué funciona y qué no.
4. Técnicas específicas:
* Monólogo interno: Anímelos a desarrollar un monólogo interno para su carácter. Esto puede ayudarlos a mantenerse conectados con los pensamientos y sentimientos del personaje, incluso cuando no están hablando.
* Memoria de sentido: Si una escena requiere una fuerte respuesta emocional, aliéntelos a usar técnicas de memoria sensorial para acceder a esas emociones.
* improvisación: Use la improvisación para explorar la personalidad y las relaciones del personaje. Esto puede ayudarlos a relajarse y sentirse más cómodos en la cámara.
* Sustitución: Sugiera que sustituyan a una persona o experiencia real por el personaje que está interpretando para aportar autenticidad a su desempeño.
5. Postproducción:
* Dales comentarios: Después de la sesión, dales comentarios sobre su rendimiento. Hágales saber qué funcionó bien y qué pueden mejorar para futuros proyectos.
En resumen: Dirigir a los actores de teatro para cine se trata de cerrar la brecha entre dos estilos de actuación distintos. Al comprender las diferencias, comunicarse claramente y proporcionar orientación específica, puede ayudarlos a aprovechar su talento y ofrecer un rendimiento convincente para la cámara. Recuerde que su entrenamiento teatral es una fortaleza, y su trabajo es ayudarlos a adaptarlo a las demandas únicas del cine.