En un mundo lleno de imitadores y secuelas, no siempre es fácil inspirarse. Pero de vez en cuando, mezclado entre el mar de la igualdad, descubrirás un verdadero original. No soy la única persona fascinada por el trabajo del cineasta ruso Andrei Tarkovsky. Su breve pero espectacular canon de películas, incluyendo "Ivan's Childhood" (1962), "Andrei Rublev" (1966), "Solaris" (1972), "The Mirror" (1975) y "Stalker" (1979), se encuentra entre las carreras cinematográficas más innovadoras de la historia mundial.
Nacido en la URSS en 1932 y con su carrera principalmente dentro de los confines de la era de la Guerra Fría Unión Soviética, el ex fotógrafo fijo desarrolló un estilo visual como ningún otro. Creyendo que la imagen visual es el medio primordial para transmitir emociones a una audiencia, Tarkovsky siempre favoreció la experiencia táctil de los espectadores con sus películas sobre la estructura narrativa. Esto a menudo puede ser un desafío para las audiencias modernas que esperan tener la trama y el significado de una película expuestos en términos fáciles. Pero Tarkovsky resiste estas tentaciones, creyendo que el arte debe estar abierto a la interpretación, eligiendo en cambio entregar películas densas en imágenes sorprendentes cuyos significados a menudo solo se entienden en múltiples visualizaciones.
A menudo cortaba, aparentemente a voluntad, entre arcos narrativos, personajes e incluso períodos de tiempo sin tener en cuenta la continuidad. A diferencia de las películas de hoy en día, donde los directores aparentemente sienten la necesidad de cortar cada dos o tres segundos, la duración promedio de toma de Tarkovsky fue de aproximadamente un minuto y ocho segundos. Como una olla de cocción lenta, permitiría que la tensión se acumulara dentro del marco hasta que la audiencia simplemente no pudiera soportarlo más, y solo entonces, él cortaría. En resumen, rompió casi todas las "reglas" del cine que probablemente hayas aprendido. Y fue espectacular.
Entonces, ¿cómo diablos lo hizo? ¿Qué es lo que hace que las imágenes de Andrei Tarkovsky sean tan impresionantes? En su completo manual del canal de YouTube Channel Criswell, Lewis Bond analiza al enigmático cineasta en términos que todo fotógrafo/cineasta puede entender. Describe cosas como el uso de Tarkovsky de repetir fondos para agregar textura a sus escenas. Su uso de elementos naturales, como la lluvia, la nieve, el agua y la niebla, tanto para fundamentar sus fantasías en la realidad como para elevar sus realidades al nivel de la fantasía.
Muestra cómo Tarkovsky usaría el silencio para aumentar la tensión y luego introduciría sonidos solitarios en primer plano que subrayarían la experiencia física de los personajes en la escena. Sin preocuparse por los efectos de sonido con el propósito de crear efectos de sonido, Tarkovsky creía que el sonido debería revelar la experiencia emocional del protagonista.
Por ejemplo, en la famosa escena de “El espejo”, en la que la mujer observa impotente cómo su casa arde ante sus ojos, no solo nos encontramos con la imagen deslumbrante de la casa ardiendo, sino que nuestros oídos también se llenan con el sonido crepitante de las llamas. Este tipo de atención al detalle pone a la audiencia directamente en el camino de la experiencia emocional del personaje y nos permite no solo ver lo que está pasando, sino también sentir lo que está pasando.
Sin duda, las películas de Tarkovsky pueden ser un desafío para aquellos menos acostumbrados al cine artístico. Tarkovsky creía que “el arte simboliza el significado de nuestra existencia”. Con objetivos elevados como ese en mente, no sorprende que su particular nivel de arte no sea el tipo de cosas que se pueden digerir en la duración de un corte de salto de Michael Bay.
Pero, si está buscando inspiración y está abierto a presenciar los límites infinitos de la creatividad y la imaginación, le recomiendo encarecidamente que consulte el trabajo de Andrei Tarkovsky. Luego sal y supera tus propios límites creativos y lleva tu arte al siguiente nivel.
[a través del canal Criswell]