Lo que alguna vez fue un pequeño nicho extraño en la fotografía es ahora un fenómeno mundial. La fotografía de comida está creciendo en popularidad si se tiene en cuenta los 32 millones de publicaciones que hay actualmente en Instagram.
La fotografía gastronómica llegó para quedarse, pero no es un género fácil de dominar.
Nuestra guía le brinda algunos de los mejores consejos y trucos para ayudarlo a obtener resultados deliciosos.
Equipo
Cámaras
Lo primero en lo que debe pensar cuando busca un nuevo cuerpo de cámara es el tamaño del sensor.
Ya sea que decidas comprar una cámara con un sensor recortado o invertir en una de fotograma completo, es probable que tu presupuesto determine tu elección.
Lo importante que debe saber es que su cámara y lentes se comportan de manera diferente cuando tienen un sensor recortado que uno de fotograma completo.
Cada cámara tiene un factor de recorte. Este es un número que se usa para describir cuánto recorta la cámara su imagen en relación con el estándar de 35 mm.
Una cámara de fotograma completo coincide con el estándar recortado de 35 mm de una cámara de película tradicional. Tiene un tamaño de sensor de 24 mm x 36 mm. Un sensor recortado es más pequeño que esto y, por lo tanto, es más barato de fabricar para los fabricantes de cámaras. No coincide con muchos lentes y las imágenes finales se ven diferentes.
La Canon Rebel, por ejemplo, tiene un factor de recorte de 1,6. Esto significa que multiplica 1,6 veces la distancia focal de su lente para obtener la distancia focal real en la que se verá como si se tomaran sus fotografías.
En una cámara de fotograma completo, un objetivo de 50 mm se comporta como uno de 50 mm. Pon esa misma lente en una cámara con un sensor recortado, se comporta más como una de 80 mm.
Lentes
Los lentes son donde debe gastar la mayor parte de su presupuesto. Debe verlos como una inversión a largo plazo en su oficio.
Estos son los factores a considerar:
Nitidez
Su mayor preocupación al comprar una lente es la nitidez.
Se prefieren los lentes fijos cuando se fotografía comida porque son más nítidos que los lentes con zoom.
Las lentes con zoom tienen más partes móviles que permiten que funcione el zoom. Esto tiende a resultar en una menor calidad y nitidez de la imagen.
Los lentes fijos suelen ser "más rápidos". Tienen una apertura máxima más grande, lo que permite velocidades de obturación más rápidas.
También le brindan una profundidad de campo mucho más estrecha, lo que le permite aislar su sujeto y obtener ese fondo borroso realmente agradable que todos amamos en la fotografía de alimentos.
La lente de 50 mm
El 50 mm también puede ser un objetivo útil, especialmente si no tienes un zoom. Este objetivo es bueno para tomas aéreas y tablescapes. Sin embargo, puede darte algo de distorsión cuando tomas una foto de estilo retrato. En la fotografía de alimentos, el 50 mm en realidad se considera un objetivo gran angular.
El 50 mm f/1.8 a menudo se conoce como el "ingenioso y cincuenta" porque le brinda resultados decentes a un precio muy bajo. Si recién está comenzando y su presupuesto es ajustado, obtenga este.
La lente de 24-70 mm
Aunque los lentes fijos son ideales, en realidad es muy útil tener una lente de zoom en su equipo, como una de 24-70 mm.
Es muy nítido para un objetivo zoom y realmente versátil. Muchos fotógrafos de alimentos lo consideran un elemento básico en su equipo.
La macro de 60 mm
Si está disparando con un sensor recortado, una macro de 60 mm es una excelente opción.
En un sensor recortado, es más como tener un sensor de 100 mm. Si actualiza a fotograma completo, puede usarlo como lo haría con un 50 mm.
Esta lente le permite obtener tomas de vista de ángulo de 3/4 de su sujeto con un bonito efecto bokeh en un sensor recortado.
Tampoco obtendrá la distorsión en este ángulo que obtendría al disparar con una distancia focal más amplia, como 50 mm.
La macro de 100 mm
Una lente excelente para tener en su kit es una lente macro de 100 mm. Este objetivo no es solo para tomas macro o primeros planos, aunque también es excelente para estas.
Al alejarse más de su conjunto, también puede obtener muy buenas tomas de estilo retrato. La distancia focal te dará un gran fondo borroso.
Si opta por la lente macro de 100 mm/105 mm en un sensor recortado, disparará a una distancia focal de 150 mm.
Este será un cultivo muy ajustado, lo que puede ser un problema si el espacio es un problema.
Trípodes
Un trípode es imprescindible para la fotografía de alimentos. Te ayuda a crear imágenes consistentes y libera tus manos para diseñar de acuerdo con lo que ves a través de tu cámara.
El mayor requisito en un trípode es la estabilidad. Un trípode debe poder soportar el peso de la cámara y el objetivo.
Cuando compre un trípode, busque uno con altura y orientación ajustables. Aquí es donde tienes una columna central que puedes mover.
Asegúrese de que tenga pies de goma para evitar resbalones y que tenga una carga útil alta.
La carga útil se refiere a la cantidad de peso que el trípode es capaz de soportar. Debe soportar el peso de la cámara, el objetivo y cualquier otro complemento, como un soporte o un brazo de extensión.
Estilo de comida
El objetivo del diseño de alimentos es hacer que los alimentos se vean lo mejor posible. La mayoría de los alimentos necesitan un poco de preparación para que luzcan presentables para la cámara.
Aquí hay algunas cosas a considerar al abordar el diseño de alimentos:
Use los alimentos más frescos posibles
La comida que tome debe ser lo más fresca posible para que se vea atractiva en sus imágenes. Cuando compre sus ingredientes, asegúrese de comprar los artículos más frescos y de mejor apariencia disponibles.
Siempre ten tu escena, iluminación y cámara listas antes de colocar tu comida en el set.
Cuando esté ajustando la iluminación y la configuración de la cámara, use un sustituto en un color y forma similar a su comida como sustituto. Reemplázalo con tu "héroe" (tu alimento principal) en el último momento, para que se vea lo más fresco y apetitoso posible.
Compre más de lo que necesita
Cuando compre comestibles, asegúrese de comprar más de lo que cree que necesitará para la sesión. La comida se seca, se derrite, se vuelve marrón o comienza a verse poco atractiva en poco tiempo.
Necesita ser reemplazado con artículos más frescos.
Dependiendo de la comida, es posible que también necesite muchos elementos para llenar el marco.
Enchapado
El factor más importante a la hora de elegir los platos en los que presentarás tu comida es el tamaño.
Los objetos pueden verse muy diferentes a la cámara que a los ojos y, a menudo, se ven más grandes de lo que esperamos. Por este motivo, es una buena idea elegir platos más pequeños de los que normalmente usaría.
Presente sus temas en platos de ensalada o platos más pequeños. Los platos grandes pueden empequeñecer al sujeto principal y dominar el encuadre.
Guarniciones
Las hierbas y las especias, y elementos como los picatostes, pueden mejorar sus tragos de comida.
Se pueden atar ramitas de varias hierbas, como el romero, con hilo de cocina para hacer pequeños ramos que se pueden usar para agregar contexto a la historia de la comida.
Puede realzar un plato de sopa simple con un chorrito de crema y una pizca de cebollino picado.
La clave es que tus adornos tengan sentido dentro del contexto más amplio de tu escena. Si vas a disparar salmón con salsa de eneldo y limón, no lo decores con albahaca.
Cuando use hierbas, use las más frescas posibles y reemplácelas a medida que dispara. Se marchitan u oxidan rápidamente. Las hierbas cortadas se pueden mantener frescas en el refrigerador por mucho más tiempo si se envuelven en una toalla de papel húmeda.
Accesorios
Necesitas tener una colección de accesorios para fotografía de alimentos.
Un accesorio es cualquier elemento que usa en el set para mejorar la imagen. En la fotografía de alimentos, esto suele ser utensilios de cocina, como platos y cubiertos, tazones y utensilios para servir, y mantelería.
Al seleccionar sus accesorios, piense en su estilo de fotografía de alimentos y qué tipos de accesorios lo complementarían.
Si tu estilo es realmente limpio y elegante, o más refinado, estos accesorios no tendrían mucho sentido y estarías mejor con piezas más delicadas.
En general, manténgase alejado de los colores muy brillantes y los patrones llamativos, ya que distraen la atención de la comida. Las piezas coloridas pueden agregar un punto de interés, pero necesitan trabajar con la composición general y la sensación de la foto.
No uses muchos accesorios. Un par de accesorios adecuados pueden tener un gran impacto al contar una historia visual, pero demasiados distraerán al espectador y dominarán la imagen.
Al seleccionar sus accesorios, comience con una o dos piezas, tal vez un plato de ensalada neutral y un cuchillo o cuchara vintage. En caso de duda, mantenlo simple.
Fondos
Necesitará una variedad de fondos interesantes sobre los cuales colocar su comida.
Use una variedad de artículos para sus fondos, como tela, papel artesanal o baldosas grandes. También puedes ser creativo y crear el tuyo propio.
Compra láminas de madera y píntalas o tíñelas tú mismo. También hay excelentes recursos en línea para comprar fondos profesionales para fotografía de alimentos y se envían a todo el mundo.
Al fotografiar alimentos, los fondos neutros o de tonos fríos como el azul suelen funcionar mejor.
Iluminación
Modificadores de iluminación
Ya sea que use luz natural o artificial, deberá modificar su fuente de luz.
Un elemento importante en su kit es un difusor. Se trata de un panel de material blanco transparente que se coloca en el borde de la mesa para suavizar la luz que llega a la escena.
También necesitará algunas herramientas simples para rebotar y absorber la luz. Puedes comprar un kit reflector profesional 8 en 1, con discos plegables en una variedad de materiales para usar en tus sesiones, como se muestra a continuación.
El reflector plateado, por ejemplo, puede iluminar su comida, mientras que el reflector dorado agregará calidez. Por lo general, también viene con un difusor.
Para una versión de bricolaje, también puede usar cartón blanco o negro simple comprado en una tienda de manualidades o dólar. El blanco ilumina tu escena, mientras que el negro absorbe la luz.
Estilos de iluminación
Debe tener una idea de cómo quiere que se vea su imagen final antes de levantar su cámara. ¿Quieres que la luz se vea suave y dimensional, o buscas un contraste impactante?
Cuanto mayor sea el contraste entre la luz y la oscuridad, más dramática será su imagen. A menudo, tu sujeto dictará la luz que elijas.
La próxima vez que dispare, fotografíe al sujeto con luz suave y fuerte y observe la diferencia. ¿Cómo afecta cada enfoque al resultado final? Muchos fotógrafos tienden a gravitar hacia uno u otro como parte de su estilo.
Iluminación lateral
Esto es cuando su luz proviene directamente del lado de la comida.
La iluminación lateral es un buen enfoque para muchas de sus fotografías de alimentos. Funciona para la mayoría de las configuraciones y es fácil de usar.
Coloque un reflector o una tarjeta de rebote en el lado opuesto a la luz. Según la cantidad de sombra que desee en el lateral de la comida, acérquela o aléjela, o utilice un reflector más pequeño o más grande.
Al fotografiar escenas blancas y aireadas, aún desea algo de sombra para agregar dimensión.
Retroiluminación
La retroiluminación es cuando colocas la luz detrás de la comida.
Si imaginas la cara de un reloj, son las 12 en punto. Esta es una posición ideal para bebidas o sopas, ya que agrega brillo y resalta las propiedades líquidas de los alimentos.
En general, la retroiluminación es muy favorecedora para la comida. Lo hace brillar y realza su textura.
Sin embargo, puede ser complicado trabajar con él porque puede hacer que la imagen sea demasiado brillante en la parte posterior y demasiado oscura en el frente. Demasiado contraste significa que la parte posterior de la foto se apagará, con una pérdida de detalles que se desdibujará en el sujeto principal. Si no hay suficiente contraste, la foto se apagará o se verá descolorida, que es lo que sucede cuando tomas con demasiada luz.
Retroiluminación lateral
La retroiluminación lateral es una combinación de los dos primeros tipos de iluminación. Es lo mejor de ambos mundos y es más fácil trabajar con él. Aquí, nuestra luz se coloca entre las 10 y las 11 en punto.
Con este estilo de iluminación, obtiene el brillo de la superficie proporcionado por la retroiluminación sin riesgo de sobreexposición. Tampoco es necesario que refleje tanta luz en la parte delantera de la comida porque la luz llega en un ángulo mayor.
Al usar la retroiluminación lateral, tendrás que jugar con la altura de la luz en relación con la escena, según cómo quieras que caigan las sombras.
Cuanto más cerca esté la fuente de luz de tu equipo, más suave será la atenuación.
Ángulos de cámara
El ángulo de la cámara puede tener un efecto poderoso en la imagen final.
Antes de levantar la cámara, debe pensar qué tipo de comida o plato está fotografiando y qué ángulo de la cámara ayudará a resaltar sus mejores características.
Hay tres ángulos de cámara principales que se utilizan al fotografiar alimentos:desde arriba, ángulo de 3/4 o de frente.
El ángulo de 3/4
El ángulo de 3/4 es cuando la cámara se coloca entre 25 y 75 grados en relación con el sujeto.
El ángulo de 3/4 es un ángulo popular porque es muy versátil. Por lo general, puede mostrar el frente y la superficie del plato, así como los lados.
Este ángulo se ve mucho en la fotografía comercial de alimentos.
El ángulo superior
El ángulo superior es el ángulo de 90 grados. Este se ha convertido en un ángulo muy popular últimamente gracias a Instagram.
Este ángulo definitivamente tiene varios aspectos positivos. Es bueno para encajar varios elementos en una escena, como en un tablescape. Esto también lo convierte en un gran ángulo narrativo. Puede ver una variedad de accesorios, ingredientes o platos de comida en el marco cuando dispara desde arriba. También suele ser más fácil componer la toma con este ángulo que con un ángulo de 3/4 o de frente.
Sin embargo, el ángulo superior no funciona para todos los tipos de alimentos. Elimina la profundidad, lo que le da un toque más gráfico a una imagen, pero no es adecuado para todo tipo de comida.
Con el ángulo superior, lo que más enfatizas es la forma de la comida y varios elementos de la escena.
El ángulo recto
Este ángulo de cámara directo es más adecuado para alimentos "altos", como hamburguesas o montones de brownies o panqueques. Destaca la altura de un plato.
Cuando estás fotografiando hamburguesas y sándwiches, el panecillo o el trozo de pan superior oculta lo que hay dentro, por lo que no tiene sentido tomar la foto desde cualquier lugar por encima de la comida.
Recuerde, el objetivo siempre es centrarse en las mejores características de la comida.
Composición
Las herramientas de composición pueden ayudarnos a hacer mejores fotografías, sin embargo, no todas las herramientas funcionarán para cada imagen.
Antes de comenzar a disparar, conozca el objetivo de su imagen. ¿Cuál es el estado de ánimo? ¿Qué es lo que quieres transmitir? ¿Cuál es el propósito de su inyección y cómo se usará?
La buena fotografía gastronómica evoca las emociones del espectador. La composición es una de las principales herramientas que nos ayudan a hacer esto.
Línea
La línea es el elemento más básico en la composición visual. Las líneas guían la vista a través de una fotografía hacia puntos y elementos focales clave y mantienen el ojo del espectador enfocado en la imagen.
Hay un par de cosas a tener en cuenta al trabajar con líneas. Cuando se usan líneas para dirigir la mirada del espectador, deben apuntar al sujeto principal o al marco.
Las líneas tampoco deben apuntar nunca fuera del marco, ya que los ojos se verán obligados a abandonar la imagen. Esto debilita la imagen y puede hacer que el espectador pierda interés.
Regla de las probabilidades
La regla de las probabilidades establece que al fotografiar un grupo de objetos, tener un número impar de elementos en el encuadre es mucho más interesante visualmente que tener un número par de elementos.
Los números impares crean una sensación de equilibrio y armonía y proporcionan un punto de descanso para nuestros ojos, mientras que los números pares de objetos pueden dividir nuestra atención y competir entre sí.
Cuando hay más de cinco elementos en una imagen, se vuelve difícil para la mente registrar el número más alto. Por esta razón, es una buena idea componer muchos elementos en grupos. de números impares siempre que sea posible.
Regla de los tercios
La regla de los tercios pretende ayudarte a ubicar los elementos principales y el punto focal dentro de la composición.
Piensa en una cuadrícula imaginaria que divide la imagen en nueve partes iguales, como una cuadrícula de tres en raya. La proporción es 1:1 por rectángulo.
La regla de los tercios es un excelente lugar para comenzar. Ayuda a añadir armonía a tus imágenes y te ayuda a dar los primeros pasos en la composición como nuevo fotógrafo. De hecho, puede funcionar para muchas imágenes, particularmente paisajes.
Sin embargo, cuando se trata de fotografía de alimentos, esta regla puede ser limitante. Puedes terminar creando imágenes desequilibradas e incómodas.
Phi Grid es un concepto similar que es más poderoso que la regla de los tercios. Ambas cuadrículas se ven casi iguales, pero las líneas centrales de la Phi Grid están más juntas.
La red Phi
Rejilla Phi
Phi Grid es una expresión de la proporción áurea . Te ayuda a crear una imagen equilibrada y naturalmente agradable.
Phi Grid sigue la proporción de 1:1.618, una proporción que es una constante en la naturaleza y hacia la que gravitamos automáticamente.
Aparece en todo el mundo natural, desde la concha de un nautilus hasta el número de pétalos de una flor.
Puede encontrar la proporción áurea en todo el mundo que nos rodea, aunque nadie puede explicar exactamente por qué existe de esta manera.
Puede utilizar este conocimiento en su fotografía. Pensar en cómo se mueve el ojo a través de una imagen e incorporar alguna expresión de la proporción áurea lo ayudará a crear imágenes que el cerebro reconocerá como estéticamente atractivas y armoniosas.
Espacio negativo
El espacio positivo es el espacio ocupado por su tema principal. El espacio negativo es un área donde tus ojos pueden descansar. Brinda equilibrio, un poco de espacio para respirar y enfatiza el tema.
El espacio negativo puede representar el movimiento y dar contexto a una imagen. También puede darle al espectador la idea de que hay una historia más allá de lo que ve el ojo.
En la fotografía de alimentos, existe una tendencia a fotografiar con mucho espacio negativo debido a la ubicación del texto, especialmente cuando se trata de trabajos en revistas, empaques de productos o anuncios.
Cuando una imagen no hace uso del espacio negativo, puede parecer un poco claustrofóbico y desordenado. Además, cuando suceden demasiadas cosas en una imagen, el espectador no está seguro de dónde mirar.
Repetición
Los elementos repetidos también agregan interés a una imagen. La repetición puede ocurrir espontáneamente en el sujeto o puede crearse mediante elementos agregados, como accesorios e ingredientes de apoyo.
A veces, los patrones pueden volverse monótonos, por lo que romper un patrón puede crear una fotografía más fuerte.
Hay varias formas de crear una ruptura en el patrón, como una ruptura en el color, la forma, el tamaño o la textura. El lugar donde colocas este descanso es crucial; desea colocarlo en uno de sus puntos focales o a lo largo de las líneas que se cruzan.
Color
El color es una parte importante de una composición. Evoca emociones y crea una sensación de estado de ánimo dentro de una imagen.
Los colores fríos y oscuros, como el azul marino y el negro, retroceden, mientras que los colores claros o cálidos, como el amarillo, hacen que los objetos avancen.
Los fondos y los colores de la superficie que son demasiado brillantes pueden restarle valor a nuestro sujeto; deben elegirse de acuerdo con el estado de ánimo que desea crear, así como en armonía con los elementos elegidos.
Las combinaciones de colores pueden ser monocromáticas cuando son variaciones tonales dentro de una misma tonalidad. Este enfoque tiene su lugar, pero utilizar colores complementarios es una excelente técnica para aplicar a la fotografía de alimentos.
Los colores complementarios aparecen directamente uno frente al otro en la rueda de colores, como el rojo y el verde o el azul y el naranja.
El esquema de color con el que elija trabajar será dictado, en parte, por la comida que esté fotografiando.
Tus colores también deben estar equilibrados en términos de no tener demasiados colores en un marco, lo que parecerá caótico.
Textura
Una de las mejores maneras de agregar interés a sus fotografías es con textura. Agrega contraste y detalle y realza los temas de comida.
La textura se produce de forma natural en los alimentos, pero también se puede utilizar de forma eficaz en fondos y superficies, y en los accesorios y la ropa de cama, siempre que no se exceda.
Mucha textura en la comida, la ropa de cama y los fondos compuestos juntos pueden parecer demasiado recargados y abrumar al espectador.
Editando tus imágenes
Lightroom de Adobe es un excelente programa de posprocesamiento. Es más intuitivo y fácil de aprender que Photoshop.
Recomiendo usar Lightroom para hacer los ajustes globales y luego ajustar la imagen en Photoshop si es necesario. Por ejemplo, si necesita trabajar en áreas específicas de la imagen.
Veamos las herramientas más importantes:
El histograma
Es importante tener un conocimiento básico del histograma para realizar los ajustes adecuados en la exposición y los tonos de la imagen.
Un histograma mapea el rango tonal de una imagen. El brillo se representa gráficamente en una escala de grises. A cada píxel de la imagen se le asigna un valor.
El negro está a la izquierda, mientras que el blanco está a la derecha. Puedes encontrar los tonos de gris intermedios.
La distribución de los tonos en el histograma te informará sobre la exposición general de la imagen.
Un gran pico en cualquiera de estas regiones significa que la imagen tiene muchos píxeles en esa densidad particular. Un espacio abierto en el histograma significa que no hay píxeles en esa densidad.
Compruebe si tiene un pico fuerte en el extremo blanco o negro del histograma. Si lo hace, su imagen podría estar subexpuesta o sobreexpuesta.
En general, la mayoría de las imágenes se ven mejor si contienen valores oscuros y claros. De lo contrario, pueden carecer de contraste y verse planos.
Recortar
Es una buena idea recortar y enderezar la imagen antes de comenzar a realizar ajustes globales.
Para enderezar una imagen, comience en Transformar panel y haga clic en -> Auto .
Si esto no funciona, puede probar una de las otras configuraciones o hacerlo manualmente con la herramienta de recorte. .
Para acceder a la herramienta Recortar en Lightroom, haga clic en el símbolo de cuadrícula debajo del histograma en el panel superior. O presione R para el atajo de teclado. Esto le permitirá recortar su imagen acercando las esquinas con el cursor.
Tenga en cuenta que cuando el candado está cerrado en el símbolo del candado, la herramienta recortará cada lado de la imagen de manera uniforme.
Si desea recortar de forma libre, simplemente haga clic en él para desbloquearlo.
Balance de blancos
Balance de blancos en un aspecto muy importante del procesamiento posterior de las imágenes de alimentos.
Recomiendo disparar con una tarjeta gris y ajustar el balance de blancos en el posprocesamiento. Esto elimina los tonos de color incorrectos y garantiza que sus blancos sean verdaderamente blancos.
Una tarjeta gris es una pieza de plástico gris que puedes comprar en una tienda de accesorios para cámaras. Tiene exactamente un 18 % de gris, que es lo que busca la cámara cuando mide una escena.
Toma una foto con tu tarjeta gris en la escena. En Lightroom, toma el cuentagotas White Balance y haz clic en la tarjeta gris. Leerá automáticamente el balance de blancos adecuado.
El panel básico
Este panel es donde puede terminar haciendo muchos ajustes antes de decidirse por una apariencia final.
Exposición afecta el brillo del rango de tonos en su imagen, sin embargo, jugar con sus sombras y luces, y sus blancos y negros le dará un equilibrio de tonos más preciso que simplemente confiar en el control deslizante Exposición.
Compruebe si las áreas brillantes se ven turbias o si las sombras aún necesitan más luz. Mueva los controles deslizantes a los puntos donde la imagen se ve bien en general.
Es probable que deba volver atrás y reajustar el control deslizante de exposición una vez que haya realizado ediciones con los otros controles deslizantes.
Vibración y saturación
Vibración también es un control deslizante importante en la edición de fotografías de alimentos.
Es una mejor herramienta de edición que Saturación porque es más sutil. Ajusta los colores menos saturados sin intensificar los ya saturados.
Vibrance aumentará primero la saturación de los colores apagados y luego los demás colores.
El uso real del control deslizante de saturación depende de la imagen. En general, un enfoque conservador es lo que funciona mejor al editar fotografías de alimentos.
Si decide utilizar este control deslizante, súbalo un poco, hasta aproximadamente +5 o +6.
Curva de tono
Los nuevos usuarios a menudo encuentran la Curva de tonos desafiante, pero es una de las herramientas más poderosas que se encuentran en Lightroom.
La curva de tonos es un gráfico que muestra dónde se encuentran los tonos de las imágenes. El eje inferior de la Curva de tono comienza con Sombras en el extremo izquierdo. Termina con Highlights en el extremo derecho. Los tonos medios caen en el medio, en un rango de más oscuro a más claro. Se oscurecen a medida que se mueve hacia abajo y se vuelven más brillantes a medida que se mueve hacia arriba en el eje.
Puedes controlar la claridad y la oscuridad de tus tonos. Ajustar la curva de puntos mismo o la Curva de Región .
La región tiene controles deslizantes para cada parte del rango tonal. A medida que arrastra cada control deslizante, la curva y la imagen cambian.
Para hacer ajustes con la curva de puntos, haga clic en el área que desea afectar. Esto creará un punto de anclaje en el que controlar el tono.
Arrastrar la punta hacia arriba aclara ese tono; arrastrarlo hacia abajo lo oscurece.
Evalúe los tonos medios de su imagen para ver si ya son brillantes. De lo contrario, haga clic en el centro de la curva de tono y suba el punto.
Si son demasiado brillantes, baje la curva. Revisa las otras partes de tu imagen.
Si recién está comenzando a aprender la curva de tono, primero juegue con los controles deslizantes de región. Tome nota de cómo los distintos controles deslizantes afectan la curva.
Cualquiera que sea el enfoque que elija, asegúrese de observar el histograma a medida que realiza cambios. De esta manera te asegurarás de no perder detalles importantes.
HSL
HSL significa Tono , Saturación y Luminancia . Aquí es donde equilibras los colores en Lightroom.
Los ajustes de color suelen ser más subjetivos que los ajustes tonales. Esto se debe a que el color le da a la fotografía una sensación de estado de ánimo.
Hay dos formas de hacer ajustes de color en este panel. Puede ajustarlos todos a la vez en HSL/All . O cada color individualmente bajo el Color pestaña en la parte superior del panel.
El tono La pestaña o sección en la parte superior del panel es donde elige qué tan cálido o frío desea que sea cada color en su imagen.
Por ejemplo, encuentro que los verdes casi siempre se ven mal. Deslizo los greens un poco más hacia la izquierda o hacia la derecha para que se vean más realistas.
Para agregar más calidez, es decir, más amarillo, a sus greens, deslícelo hacia la izquierda. Para obtener un tono más frío, deslizarlo hacia la derecha agrega más azul.
La saturación El control deslizante en el panel básico ajusta el color de toda la imagen. Pero los controles deslizantes de saturación aquí ajustan cada color individualmente.
Si ajusta un color para que esté más saturado, esto afectará la saturación de ese color en particular en toda la foto.
Ya sea que esté trabajando en el panel básico o en el panel HSL, la saturación requiere una mano ligera.
Por último, Luminancia afecta el brillo del color. Estos controles deslizantes son más valiosos que los controles deslizantes de saturación, así que trabaje con estos primero.
La edición en Lightroom tiene que ver con el equilibrio. Lo mismo ocurre cuando se trabaja con ajustes de Tono, Saturación y Luminancia.
Afilado
La nitidez debe ser el último paso de edición. Agrega contraste entre píxeles y bordes, lo que crea definición y una apariencia más refinada.
Sin embargo, no es necesario aplicar enfoque a toda la imagen porque, en la fotografía de alimentos, no tiene mucho sentido enfocar los accesorios y el fondo.
El foco está en la comida, así que eso es lo que agudizas.
Para hacer esto en Lightroom, enmascare la imagen para seleccionar las áreas de la imagen que desea enfocar. Mantenga presionada la Alt/Opción mientras hace clic en Enmascaramiento en el Afilado tablero.
Lightroom le mostrará dónde se aplica la nitidez en blanco. Su imagen se verá como una radiografía.
Deslízalo hacia la derecha. Cuanto más a la derecha vaya, menos nítida será la imagen.
You will find that you will be in the +70-80 range for sharpening for food photography.
En Conclusión
There is a lot to learn when it comes to shooting food, but hopefully, this guide has given you an overview of what’s involved and some ideas about how you can improve your images.
The more information you have, the more empowered you can be in your creative decisions.
Above all, lots of practice is what is going to take you to the next level in your food photography.