Finn O'Hara es un fotógrafo establecido que, a pesar de las dudas y vacilaciones que a menudo persisten en una mente creativa, dio un gran salto a la dirección de películas. De hecho, fue su trabajo fotográfico lo que primero lo impulsó a contar historias en dimensiones más amplias. Ya sea fija o de acción en vivo, el trabajo de O'Hara es muy cinematográfico y se centra en la narrativa, y se guía constantemente por la intuición artística y el "ojo de una mente creativa".
La fotografía de O'Hara ha aparecido en publicaciones nacionales e internacionales, incluido Esquire. y Vogue India , y también ha dirigido anuncios y cortometrajes para grandes jugadores como Budweiser y Sport Chek. Tuvimos la oportunidad de hablar con O'Hara sobre cómo encontrar la "confianza creativa" propia, el poder de la comunicación abierta y la fluidez durante todo el proceso creativo.
Shutterstock:Estamos en 2014 y te has establecido como un fotógrafo de referencia para las principales marcas mundiales y puntos de venta destacados como Esquire y El Tiempos de Nueva York — ¿Qué ha sido crucial para su éxito?
Finn O'Hara: Experiencia de vida. Llegué a la fotografía más tarde en mi vida, a finales de mis 20, y fue parte de una reestructuración general en mi vida en la que, simplemente, no quería vivir la vida con arrepentimiento. Admiraba mucho y estaba enamorado de la fotografía. Quería dejar de fantasear con ser fotógrafo y simplemente poner las cosas en juego. Quería comenzar a disparar, así que comencé a preguntar.
Lo que pude aportar a mis fotografías fue una comprensión más general de cómo funcionaban las cosas. He viajado un poco, me he mudado y pude darle un fondo más maduro a mi lente. Eso ayudó. Inmediatamente tuve que empezar a comercializarme y resolverlo desde el primer momento.
Como creativo, ¿qué es importante tener en cuenta al representar una marca?
Tienes que sacarte de eso. Creo que cuando trabajas con una marca, realmente estás trabajando con una celebridad; es similar en el sentido de que está trabajando con una identidad administrada. Solo necesitas ser muy consciente de eso todo el camino. No se trata de ti, en realidad se trata de ellos. Entonces, lo que estás aportando a esa marca o a ese individuo es realmente un sentido del estilo y un sentido de esa comprensión de cómo quieren ser retratados y cómo quieres retratarlos, y mantener un diálogo muy abierto al respecto. Comprender cuál es su plan y comprender cómo puede servir esa es la clave más importante.
¿Cómo decides, artísticamente, qué mensaje transmitir y cómo transmitirlo?
Cuando se trata de marcas, tienen una idea muy específica de lo que quieren. No recibo demasiadas marcas que digan:"No sabemos, ¿puedes ayudarnos?" Tengo mucha suerte de poder trabajar con algunas marcas importantes que tienen una idea muy clara de cómo les gusta ser retratadas. Entonces, en realidad, se trata de tomar todas esas piezas y darles una lente muy específica. En fotografía, recortas mucho y realmente te enfocas.
Hay mucha confianza involucrada. A veces necesitas ser muy expresivo en cómo lo vas a tratar, lo cual se hace a través de procesos, documentación y reuniones de preproducción. Eso generalmente ayuda a identificar los puntos artísticos. No querrás que se confundan acerca de cómo se verá, por lo que explicarlo con todos los detalles, ya sea con palabras o imágenes, lo mejor que puedas, es la mejor manera de evitarlo.
Muchas personas pueden aprender técnicas de fotografía y trucos del oficio, pero ¿es la intuición y el conocimiento de las señales visuales lo que hace a un gran fotógrafo?
Para mí, diría que sí. Después de una profunda reflexión, creo que me doy cuenta de que he sido un observador toda mi vida y la fotografía me ha permitido actuar en consecuencia:ser un observador entusiasta y muy detallado. A través del ejercicio y la adopción de la fotografía, y al ir a rincones oscuros y salir con imágenes, al confiarme tareas, he desarrollado confianza creativa. Esa es una forma muy comercial de hablar sobre la creatividad, pero eso es esencialmente lo que es:una combinación de confianza creativa y resolución de problemas.
Cuando hiciste la transición a la dirección de comerciales y cortometrajes, dijiste que tu fotografía te ayudó a dar el salto. ¿Cómo te preparó el ser fotógrafo para el papel?
Dirigir es como el ajedrez en 3D; esa es la única forma en que puedo describirlo. Implica muchos más niveles de lenguaje visual. Es gracioso, porque me encontré creando fotografías que tenían una narrativa, y quería que la narrativa fuera una que el observador o el espectador tuviera que explorar un poco. Me encontré desarrollando estas narrativas y luego se encendió una pequeña bombilla. Pensé:“Sabes, esto es lo que es el cine. Esto es la acción en vivo”.
Lo mismo pasó con la dirección. No fui a la escuela para eso, pero con una buena tutoría y un poco de ánimo, de repente fue algo que comencé a ejercitar. La mejor analogía es que era como estar fuera de forma y pensar:"No hay forma de que pueda hacer eso". Y lleva tiempo explorarlo, pero con el tiempo, y con concentración y buenos hábitos de trabajo, se desarrolla.
También ha descrito sus métodos de filmación y fotografía como "un proceso crudo y en constante mejora". ¿Puedes dar más detalles sobre lo que quieres decir?
"Crudo" en el sentido de que nunca estoy completamente comprometido con ninguna forma de tomar una imagen; 'crudo' en el sentido de que mis conceptos son completamente manipulables o transformacionales. Cuando recibo una tarea, tengo una idea bastante clara de lo que me gustaría hacer, pero a veces, cuando llego allí, mis ideas se transforman. Es posible que la idea no funcione en ese entorno específico.
Veo muchas formas de resolver un problema creativo y muchas formas de entregar imágenes y trabajos de acción en vivo, pero me gusta ser abierto y no creo que haya un marco de tiempo para decidir una dirección creativa. Me di cuenta de que está bien estar abierto a tantas ideas y técnicas como sea posible.
Para alguien que busca hacer la transición de ser fotógrafo a director, ¿qué es crucial tener en cuenta?
Creo que una de las mayores luchas que tuve fue que no entendía completamente el trabajo. Pensé que la idea del director era muy hermosa, pero no tenía idea de qué era realmente el trabajo. Y nadie fue muy explícito con la idea hasta que conocí (productor ejecutivo) Geoff Cornish en Suneeva. Fue una conversación mucho más lenta con una visión que miraba al horizonte, en lugar de lo que estaba sucediendo justo en frente de tu cara o diez minutos antes de tiempo.
Comprender el trabajo, para mí, fue más crucial en ese momento. Entender cuál era la parte del día a día del trabajo. La parte más importante es realmente entender cómo hacer algo convincente. Comprender el "anuncio de 30 segundos" y destilarlo por lo que es me ayudó mucho a comprender la narración breve. Para mí, fue crucial ampliar la dimensión narrativa que ya estaba haciendo en fotografía, pero que ahora podía ir más allá. Ese fue el mayor desafío al dar el salto a la dirección.
Explore más del trabajo de Finn O'Hara en su sitio web en finnohara.com.