Tienes tu historia, tu elenco, tu equipo, tu equipo e iluminación; usted tiene un conjunto o ubicación. Estás casi listo para irte. En lo que tienes que pensar ahora es en la composición de tu escena. Una buena composición puede hacer o deshacer una película porque no puedes simplemente poner a todos y todo en una habitación y dejarlo así. Donde las personas y las cosas se colocan en una escena y cómo abordas la filmación transmite mucho a la audiencia. No importa si estás filmando una entrevista reveladora o haciendo un video de baile, comprender las técnicas de composición y usarlas de manera efectiva hará que tu filmación cobre vida.
Regla de los tercios
Lo más probable es que si solo has oído hablar de 1 regla de composición, es la regla de los tercios. Esta regla divide su escena en 9 rectángulos, usando 2 líneas verticales espaciadas uniformemente a lo largo de su escena y 2 líneas horizontales a intervalos iguales a lo largo de su marco. Los 4 puntos donde se cruzan estas líneas se denominan puntos de interés o puntos de poder.
La teoría detrás de la regla de los tercios es que colocas tu sujeto de enfoque en uno de los puntos de interés y usas las líneas divisorias para líneas fuertes horizontales o verticales en tu escena . Esto crea una fuerte dinámica dentro del cuadro e introduce tensión entre los elementos de la escena. A menos que esté buscando una composición específicamente simétrica, enmarcar su sujeto en el centro de la escena puede parecer plano y sin vida. Realmente no importa qué distancia focal estás usando, aún puedes aplicar la regla de los tercios.
Puedes ver en este video cómo el sujeto está posicionado en la segunda vertical, con su cabeza en el punto de interés superior derecho.
En este videoclip, el promontorio del fondo se encuentra a lo largo de la línea horizontal superior. No pasa por el centro del marco, lo que lo cortaría por la mitad y dejaría la escena con una sensación plana.
Equilibrio y simetría
El equilibrio y la simetría son técnicas de composición diferentes. El equilibrio se presenta de muchas formas, pero asegura que una composición cinematográfica se sienta completa. Una figura con la cabeza en el punto de interés superior izquierdo puede equilibrarse con un objeto en la parte inferior derecha. No es necesario que sea del mismo tamaño, forma o color, pero proporciona un complemento. Una flor de color rosa intenso en la esquina superior derecha de una toma se puede equilibrar con un espacio negativo de color verde brillante que llena el resto de la escena. O alguien en la parte inferior derecha puede equilibrarse mirando hacia la esquina superior izquierda. Sentirás una escena desequilibrada cuando la veas, ya sea que hayas usado un teleobjetivo o un lente gran angular. Sea abierto sobre cómo reequilibrarlo:no es necesariamente la opción obvia la que funcionará mejor.
Supuestamente, cuanto más simétricas son las personas, más atractivas las encontramos. No estoy seguro de qué tan estrictamente preciso es esto, pero ayuda a explicar por qué encontramos tomas simétricas agradables a la vista, incluso si rompen la regla de los tercios. Hay una calma, uniformidad en ellos que es atractiva.
Para ciertos disparos, solo servirá la simetría, por ejemplo, con este metraje de un quad scull. Y las tomas centradas de las caras de las personas son atractivas:sientes que puedes conectarte con ellas. Son muy potentes y se pueden acentuar moviéndose hacia el sujeto o alejándolos con un disparo de plataforma rodante.
2 consejos cuando se trata de composiciones simétricas:primero, deben ser precisas. Si no son del todo correctos, irritarán a sus espectadores. En segundo lugar, no abuses de la composición simétrica. Puede volverse agotador para su audiencia o perder su impacto.
Espacio principal y espacio para la cabeza
Headroom significa dejar un espacio entre la parte superior de la cabeza del sujeto y el borde del marco. Esto evita que la escena se sienta apretada o apresurada o agresiva. Puede haber momentos en los que evocar esos sentimientos sea exactamente lo que necesitas, pero sobre todo, dale a tus sujetos espacio para respirar en la escena.
La sala principal se refiere a la posición del sujeto en su escena y la dirección en la que mira. La convención sugiere que si tiene un sujeto a la izquierda de la escena, debe estar mirando a la derecha, no a la izquierda, del marco o puede resultar confuso para la audiencia. Si lo hace con cuidado y consideración, creo que esta es una regla que es bueno romper.
Líneas principales
Empiezas en el árbol y luego sigues el camino a través de la escena.
Las líneas principales dirigen a su audiencia a su punto de enfoque o a otra cosa en su escena que es de alguna manera significativa. Las líneas principales pueden ser reales o imaginarias, rectas o curvas. Las carreteras, las vías del tren y los ríos son líneas principales obvias, pero las líneas de visión de las personas también funcionan. ¿Hacia dónde mira tu sujeto? Donde ellos miren, tu audiencia también mirará.
Inicialmente, puedes mirar al cineasta en el acantilado, pero luego seguirás su línea de visión hasta el mar.
Es posible componer una toma utilizando varias líneas principales que lo dibujen a través de la escena y lo ayuden a contar su historia. Un camino podría conducir a su sujeto, mientras que su línea de visión podría conducir a un árbol a un pájaro.
Profundidad de campo
La cantidad de una escena que está enfocada nítidamente y la cantidad borrosa ayuda a contar su historia al mostrarle a su audiencia dónde concentrarse y qué es importante.
Una profundidad de campo reducida es excelente para concentrar la atención de tu audiencia, pero no funcionará para una toma de establecimiento en la que intentas establecer el contexto. Incluso con una lente gran angular y una gran profundidad de campo, puede asegurarse de que su audiencia reconozca su sujeto. Al hacer que el sujeto sea más pequeño o más grande en la escena, puedes sugerir si alguien también está abrumado o tiene el control de una situación.
Aprender a enfocar o enfocar en bastidor es una gran habilidad para ayudar a cambiar lo que está enfocado en una escena. Ya sea que esté utilizando una lente principal o de zoom, deberá tener un enfoque manual para el enfoque de bastidor.
regla de 180º
Cuando tienes 2 o más personajes comunicándose dentro de una escena o un personaje interactuando con un objeto clave, siempre deben permanecer en el mismo lado de la pantalla mientras la audiencia los mira. Esto se llama la regla de 180º y ayuda a mantener la coherencia para su audiencia. Puede cruzar la línea de 180º, pero esto debe hacerse con mucho cuidado y con un propósito, de lo contrario, confundirá a la audiencia y puede perder la trama.
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Los ángulos de la cámara cambian la forma en que la audiencia se siente acerca de los sujetos en la pantalla. Si te acercas a alguien a la altura de los ojos, tu audiencia se sentirá igual y conectada con ellos. Filma desde abajo y el público se sentirá sumiso al personaje. Invierta la posición de filmación y el personaje se verá sumiso. Recuerde, a medida que cambia los ángulos de disparo, lo que aparece en primer plano y en segundo plano también cambiará. Debes considerar lo que quieres que sea visible y cuán significativo debe ser.
Comparado con
Conoce las reglas para poder romperlas
Es posible que le digan que la diferencia entre una buena composición y una mala composición es cumplir con las reglas de composición. Esto no es cierto. Cuando comprende las reglas de composición, le brinda una comprensión más profunda de cómo su audiencia interactuará con su metraje. Y esto te da la libertad de ir y romper las reglas para lograr tus objetivos cinematográficos. La diferencia entre una buena composición de escenas y una mala composición de fotogramas es si puede o no contar su historia de una manera convincente que atrape a la audiencia y no la distraiga ni la irrite. Sé audaz. Conozca las reglas de composición y luego podrá romperlas adecuadamente.