El primer plano es el arma secreta de un director, pero requiere conocimientos técnicos y tiempo narrativo. Esto es lo que necesita saber.
Hay una escena en Five Easy Pieces donde Bobby Dupea (Jack Nicholson) lleva a su padre enfermo (William Challee) afuera en el frío para ver la puesta de sol, confesar, exponer y disculparse por su alejamiento de la familia. Es una secuencia poderosa y una revelación cruda y emocional para nuestro personaje principal.
La escena requiere intimidad, y Bob Rafelson sabía que requería un primer plano, pero uno que sirviera a la historia y al personaje. Estos hombres han tenido una relación turbulenta, fría y distante. La secuencia comienza reflejando el pasado con un plano general de Nicholson y Challee contra una espectacular puesta de sol. Ambos son pequeños e insignificantes contra el cielo majestuoso.
Se detienen en el centro del cuadro y, a esta distancia de la cámara, Nicholson coloca la manta en el regazo del anciano y le dice "Tienes frío" a alguien que está demasiado enfermo para hablar. Es el primer paso en la conexión, y en la acción, cuando Nicholson se inclina a su nivel, Rafelson corta a dos tomas medianas. Sostiene esta toma durante unos 40 segundos, hasta que Nicholson gana su primer plano — hasta que el personaje esté listo para revelar algo. E incluso entonces, Rafelson encuadra la toma por debajo de sus hombros para no ser demasiado intrusivo. Permite que su actor determine el marco.
Rafelson no controla la actuación:si Nicholson necesitaba bajar la cabeza, la cámara se movía con él. Cuando Nicholson se inclina y casi se sale del marco, Rafelson corta rápidamente a una toma de reacción de Challee y luego regresa a Nicholson balanceándose hacia adentro. Es en ese momento exacto cuando Nicholson pierde los estribos emocionalmente y se vuelve más vulnerable. Todo esto es por diseño, no por suerte o espontaneidad. Las personas en la sala de edición eligieron estos momentos precisamente para reflejar la visión del director sobre el resultado emocional de la escena.
La recompensa
Al igual que el material de origen, el primer plano (por diseño) es la toma de recompensa. Una línea como "Francamente, querida, me importa un carajo" en Lo que el viento se llevó solo tiene poder debido a las casi cuatro horas que pasamos viendo a Rhett Butler perseguir, sacrificarse y sufrir por Scarlett O'Hara. Cuando dice esa línea, es una liberación para el personaje y el final de su historia.
El mismo principio se aplica al tiro. El primer plano es una ventana al personaje. Puede revelar el momento de crecimiento del personaje (la confesión de John McClane a Powell de que nunca le dijo a su esposa que lo sentía en Die Hard ); puede representar a un personaje que descubre algo importante (Gene Hackman desentrañando la verdad en The Conversation) ) o crear tensión entre los personajes (el enfrentamiento en El bueno, el feo y el malo ). Puede ser todo esto y mucho más. Es una herramienta que utiliza el director para que la audiencia sepa que un momento en particular es importante.
Si lo usas en exceso, corres el riesgo de fatigar al espectador y socavar los momentos verdaderamente importantes. Si lo evita por completo, puede estar perdiendo oportunidades para revelar el personaje y correr el riesgo de alienar emocionalmente la historia.
Consideraciones técnicas
Querrá usar una lente más larga (70 mm-100 mm) para un primer plano. Una lente más larga reduce la profundidad de campo y desenfoca el fondo. Una lente más ancha tiende a distorsionar las caras, haciéndolas lucir anormales. Los lentes más largos reducen ese efecto. Si tuviera que usar una lente de 24 mm, tendría que mover la cámara muy cerca del sujeto para encuadrar al actor en un primer plano y lidiar con mucho más fondo que si usara una lente de 70 u 85 mm.
En términos de narración, abusar del primer plano podría socavar la visión artística. Si destaca cada escena como especial, entonces nada es particularmente especial. Además, abusar del primer plano puede desorientar al espectador. Si no hay tomas de establecimiento o tomas maestras o intermedias que muestren al espectador dónde se encuentra en el contexto de los eventos de la película, puedes crear una experiencia frustrante que no servirá para la historia.
La continuidad también es una consideración importante. Es posible que esté tan concentrado en la profundidad de campo que se pierdan aspectos sutiles de la continuidad. Por ejemplo, si estaba filmando en el exterior, ¿había una brisa en el plano general o en el plano general que luego, cuando está filmando el primer plano, falta? ¿Ha cambiado drásticamente la luz natural y necesitará emparejarla artificialmente con la maestra? ¿La temperatura? Si es así, presta atención para que el actor no parezca frío en el maestro pero cómodo en el primer plano.
De cerca y personal
El primer plano es una poderosa herramienta de diseño para el director. Debe surgir del guión, brindando al espectador pistas e información sobre la historia y los personajes.
Trata de imaginar la poderosa historia de Ellen Burstyn sobre usar el vestido rojo en Requiem for a Dream desde el otro lado de la habitación. Y mira lo que transmite el director (Aronofsky) al salir del primer plano en cuanto el personaje de Jared Leto empieza a mentir. Se pone de pie, se aleja y termina enmarcado en el mismo borde. Está tan alejado de la intimidad anterior que prácticamente está fuera de marco. Eso es el cine que sirve a la historia y resuena con la audiencia.