Si no ha oído hablar de la técnica de stop motion, definitivamente ha visto su presencia en toda la industria cinematográfica literalmente en cada década. Desde el King Kong original de la década de 1930 hasta los Boxtrolls del año pasado, el stop motion sigue siendo una técnica muy apreciada por los animadores y los cinéfilos. Trabajar en stop motion no es fácil, pero los resultados valen la pena.
Como cualquier animación, se realiza cuadro por cuadro, pero en lugar de dibujar un nuevo cuadro, estás manipulando modelos físicos dentro de conjuntos reales. Plantea su modelo, pasa un cuadro a través de la cámara, mueve el modelo gradualmente y repite, una y otra vez. Sin duda, es un proceso lento, pero los resultados agregan un estilo y una sensación únicos a un proyecto.
Tiempo de preparación
Hay una serie de buenas razones para usar stop motion en un proyecto, pero hacerlo no es tan simple como configurar su trípode y disparar. Incluso las animaciones más básicas requieren una gran cantidad de planificación previa para ejecutarse. Como con cualquier proyecto, comienza con el guión.
Escribir para una animación no es diferente de los guiones normales, pero tienes más oportunidades para dejar que tu imaginación se abra de par en par. Sus restricciones ya no son lo que puede lograr con los actores y las ubicaciones, sino lo que puede crear. Esta libertad puede ser intoxicante, pero no debe salirse de control. Stop motion ofrece una gran cantidad de posibilidades, pero es increíblemente laborioso.
Si bien es posible tener una escena de batalla épica con miles de personajes, animar una escena de este tipo con modelos individuales llevará mucho tiempo. Por todos los medios, explora ideas únicas que de otro modo no podrías al desarrollar tu historia, pero ten en cuenta la cantidad de tiempo necesaria para animar.
Cada video debe planificarse (hojas de tomas, guiones gráficos, etc.) hasta cierto punto, pero para la animación es mucho más crucial. El stop motion requiere horas de trabajo por solo unos segundos de metraje utilizable, por lo que es necesario tener un plan de acción sólido para cada escena. Después de todo, no querrás pasar horas, o incluso días, trabajando en una toma que no necesitas. Haz tu mejor esfuerzo para componer todo como quieras antes de sumergirte en la animación.
Construyendo tus personajes
Una vez que se hayan hecho los preparativos, es hora de averiguar qué estarás animando. Los materiales que uses dependen del tipo de personajes que tengas. Dado que no hay actores tradicionales, depende de usted crear personajes que no solo resuenen con el público sino que no lo matarán para animarlos. Pruebe algunos diseños para sus personajes antes de grabarlo en piedra, porque una vez que comience la producción, no podrá realizar cambios.
La plastilina ha sido durante mucho tiempo una opción preferida para los animadores de stop motion, ya que te da la libertad de crear personajes no tradicionales, pero puedes usar casi cualquier cosa:desde figuras de acción hasta LEGO. Independientemente de lo que elija, asegúrese de que sea algo que pueda manipular fácilmente y que mantenga su posición.
Con ese fin, las armaduras son excelentes para usar con tus personajes. Los modelos de arcilla son más blandos y no podrán mantener su posición con el tiempo. Las armaduras evitan esto al ser un esqueleto sobre el cual construyes el personaje. Evitan que el modelo se hunda entre tomas y ayudan a realizar más movimientos diminutos para tu personaje.
Las armaduras no tienen que ser complicadas, ni caras compradas en tiendas. Incluso doblar el alambre en la forma básica que desees (ideal para personajes más fantásticos) y construir tu modelo alrededor de eso es preferible a nada. El uso de artículos para el hogar como juguetes puede anular la necesidad de armaduras. De cualquier manera, asegúrate de que encaje dentro del mundo o la historia que estás creando.
Haciéndolos Reales
Más que apéndices móviles, tus personajes tienen que expresarse. Necesitas diseñar las expresiones faciales de tus personajes para transmitir sus emociones. Con plastilina, es posible controlar los rasgos faciales fotograma a fotograma mientras haces cada movimiento, pero eso viene con su propio conjunto de dolores de cabeza. Como alternativa, puede ser más fácil crear múltiples cabezas para sus personajes con varias expresiones e intercambiarlas entre marcos según sea necesario.
Esto ahorra un tiempo valioso y solo requiere un esfuerzo adicional en la parte delantera para crear y organizar las esculturas. Son especialmente útiles cuando se trata de diálogos, que deben grabarse antes de animar.
En el plató
Tus personajes necesitan un lugar adonde ir. Colocarlos en un vacío no genera una narración o imágenes interesantes, por lo que deberá construir escenarios. Al igual que tus personajes, la forma en que creas los escenarios depende totalmente de ti y del guión. Solo asegúrese de que sean lo suficientemente grandes para sostener sus modelos y darle libertad para filmar desde una variedad de ángulos.
Cuando trabajas con decorados en miniatura, es fácil olvidar los detalles, así que ten en cuenta las pequeñas cosas. Por ejemplo, al construir un juego de dormitorio, es importante recordar qué constituye un dormitorio. Las camas necesitan sábanas y almohadas, los armarios suelen estar llenos de ropa, la mayoría de las cómodas tienen chucherías, etc. Estos detalles a menudo se pasan por alto en el proceso de creación de decorados, pero añaden una gran cantidad de estilo visual a tus escenas. Estilísticamente, hay buenas razones para pasarlas por alto, pero hacerlo debe ser una decisión consciente, no porque lo hayas olvidado.
Al igual que con cualquier cosa que filmes, la iluminación es un elemento crucial, pero cuando usas miniaturas requiere más reflexión. No solo estás iluminando para filmar, sino que tienes que iluminar tu escenario de una manera realista. Para los interiores, como el juego de dormitorio, debes pensar de dónde viene la luz. Si se ve una lámpara en su toma, pero la luz incide desde el lado opuesto del personaje, hay una desconexión visual que los espectadores reconocerán rápidamente.
Poner manos a la obra
Los escenarios están hechos, los modelos están listos y las tomas están planeadas. Es casi la hora de comenzar a disparar. Al igual que con cualquier proyecto, el equipo que utiliza para capturar imágenes es una consideración importante. Para detener el movimiento, es posible usar una videocámara o una cámara fija. La decisión es tuya. Si ya tiene una cámara con la que está familiarizado, probablemente sea una buena idea quedarse con ella.
Independientemente de la cámara que utilice, una cosa es crucial:debe estar totalmente inmóvil. Nada interfiere más con tu animación que la cámara moviéndose cuando no se supone que debe hacerlo. Tener un trípode sólido es un gran comienzo, pero fijarlo una vez que hayas establecido tu punto de disparo no es una mala idea.
Una de las cosas que puede hacer su vida mucho más fácil en stop motion es conectar su cámara a un programa en su computadora (es decir, AnimatorHD, Dragonframe, iStopMotion, StopMotionPro) para que pueda usar la técnica de la piel de cebolla. Esta práctica herramienta crea una imagen semitransparente del cuadro anterior capturado, para que pueda ver, a través de la perspectiva de la cámara, exactamente cuánto necesita mover su modelo. Es una guía útil en la que normalmente todo lo que tienes son tus propios ojos para confiar.
Mantenga sus principios
Stop motion es una forma de animación y, como tal, debe tener en cuenta los principios básicos de la animación. Estas ideas han existido desde la llegada del medio y son cruciales para hacer que cualquier animación se sienta realista para que el público la disfrute.
Esto no tiene nada que ver con el estilo o el tono, que pueden ser poco realistas, sino más bien con la física en el mundo real y la forma en que las personas perciben el movimiento. Estirar y aplastar es el ejemplo más sencillo, y la idea detrás de esto es dar "peso" a personajes u objetos. Imagina rebotar una pelota. Cuando toque el suelo, se aplastará y luego se estirará hacia afuera a medida que vuelve a subir.
Esta misma idea se puede aplicar a los personajes que saltan arriba y abajo (haciendo que las piernas se flexionen y extiendan) o que entren en contacto con otros elementos de la escena. Los personajes y escenarios necesitan reaccionar físicamente de manera apropiada. No cumplir con los conceptos básicos puede hacer que las audiencias se sientan incómodas, evitando que se concentren en el contenido de su video o que dejen de verlo por completo.
Postproducción
Cuando se trata de posproducción, la buena noticia es que sus programas de edición normales funcionarán bien para stop motion. De lo que debe preocuparse más es de cómo se capturan las imágenes. Ya mencionamos algunos programas con respecto al papel cebolla, pero también funcionan para capturar su metraje y guardarlo en un formato que es fácil de editar.
En términos generales, se aplican los mismos principios de edición, con la diferencia clave de que no tendrá tanto metraje adicional para jugar. Una de las cosas más importantes que debe abordar, además de corregir los problemas de tiempo, será el diseño de sonido. El diálogo se graba por separado y el metraje se captura MOS (Motor Only Sync, o "Mit Out Sound" si cree en algunas leyendas), lo que significa que no tiene ningún ruido ambiental con el que trabajar.
Depende completamente de usted crear los sonidos del mundo dentro de su historia, y todo, desde pasos hasta ruidos de fondo, debe tenerse en cuenta. Esto contribuye en gran medida a que su creación se sienta real. Un diseño de sonido deficiente en su animación puede ser tan desagradable como no adherirse a los principios de animación.
Repase su animación varias veces en la bahía de edición. Haga varios cortes, pruebe cosas y conviértalo en la mejor presentación posible antes de exportarlo al formato de su elección. Dedicas mucho tiempo y esfuerzo a la animación en sí, pero no tomas atajos en la edición por eso. Tómese su tiempo y hágalo nítido.
Barra lateral:Avances tecnológicos
El arte del stop motion es una técnica más antigua, pero las nuevas tecnologías continúan brindando excelentes formas de expandir el medio y hacerlo más accesible para los recién llegados. ¿Te imaginas lo útil que habría sido el papel cebolla hace décadas? Uno de los avances más recientes que ha ayudado mucho a los animadores es la impresión 3D. Una impresora 3D convierte un modelo generado por computadora en algo tangible. Si bien la tecnología tiene usos generalizados, es lo último en ahorro de tiempo para stop motion.
El modelado manual es un esfuerzo que requiere mucho tiempo, pero hacerlo en la computadora con software es un proceso mucho más sencillo que permite una mayor cantidad de experimentación. Donde cambiar algo en una escultura física requiere la pérdida de horas de trabajo, puede hacer cambios y regresar con solo presionar una tecla en la computadora.
Más importante aún, la impresión 3D ayuda cuando está haciendo múltiples expresiones faciales para intercambiar mientras anima. En lugar de hacer que cada cabeza sea esculpida a mano, puede modificar rápidamente el diseño en la computadora e imprimirlo. Si bien detener el movimiento aún requerirá mucho trabajo duro, el acceso a una impresora 3D puede ser un salvavidas en la preproducción.
Barra lateral:una visión animada
El director y animador Josh Funk creó "The Spaceman" como una expresión divertida de su imaginación infantil. efectos prácticos posibles.” La película se creó con animación stop motion, decorados en miniatura, grandes decorados de cartón, animatrónicos y CGI, y representa el segundo esfuerzo de Josh en stop motion. Su película anterior, Wormholes, fue creada utilizando exclusivamente técnicas de stop motion.
Aunque el stop motion a veces se considera un proceso prohibitivamente intensivo en mano de obra, Josh tiene un cariño especial por el medio:"Siempre he sido un fanático de la animación stop motion y estoy asombrado por la cantidad de dedicación que implica terminar un proyecto en este medio." Es a través de este impresionante nivel de dedicación que los animadores stop motion como Josh obtienen un control absoluto sobre sus proyectos. “Puedo crear escenarios elaborados que serían costosos para una película de acción real”, dice Josh, “no hay actores con los que preocuparse por la programación, y cualquier cosa que pueda imaginar se puede crear a través de títeres. Realmente se siente como arte en movimiento”.
Aún así, el control total no siempre equivale a la máxima perfección, pero esto no molesta a Josh:“Disfruto las fallas en esta forma de animación. Por ejemplo, si miras de cerca a The Spaceman, ocasionalmente puedes ver que la piel se mueve desde donde mis dedos estaban ajustando la marioneta. Hay una actuación entre los fotogramas”.
“The Spaceman” ha obtenido hasta ahora dos premios en las competencias IndieFEST y Best Shorts y se dirigirá a varios festivales más a finales de año.
Queremos para agradecer especialmente a Josh por darnos un vistazo detrás de escena de su trabajo en las imágenes que aparecen en este artículo. Mira “The Spaceman” y mantente al día con los últimos proyectos de Josh en www.joshfunk.com
Jordan Maison es un editor y artista de efectos visuales que ejerció su talento en contenido web para Disney Studios, así como en sitios web de películas y videojuegos.