Pulido del corte áspero
Su objetivo con su corte preliminar es establecer sus tomas en el orden en que desea contar su historia. Lo más probable es que, si está produciendo una narración, decidió el orden de sus escenas en la preproducción, y ahora solo necesita seguir su guión gráfico como si fuera una receta y ensamblar los clips en consecuencia, eligiendo la "mejor" toma. para cada escena. Muchos documentales “se escriben solos”, ya que los personajes describen el tema. De cualquier manera, en el corte preliminar, colocas el video y el audio asociado en el orden en que deseas contar la historia, cortando todo lo que no hace avanzar la historia.
Ahora es el momento de pulir el corte áspero en un producto terminado suave y brillante. A diferencia del corte preliminar, en el que estaba agrupando material de archivo para ver cómo la yuxtaposición y el tiempo de los clips funcionaban juntos, el pulido requiere que saque su "lupa digital" y trabaje en un nivel de ajuste más de cuadro por cuadro. .
Veamos siete aspectos de la edición final que llamaremos Edición polaca.
1. El piso de la sala de edición
Comenzaremos con uno de los pasos más difíciles:matar a tus favoritos. Esto no es técnicamente difícil, pero es psicológicamente difícil. La regla general es que debes cortar todo lo que no haga avanzar la historia. Pero, ¿qué pasa con esa toma no planificada del raro pájaro carpintero de pico de marfil que salió volando de la jungla y aterrizó en la cabeza del tigre de Bengala que entró en escena durante la hora mágica mientras tu cámara estaba grabando? ¡Córtalo! Es difícil ser objetivo con estas ediciones, especialmente si eres tú quien grabó el video. Muchas veces necesitas escuchar a otros que te dicen que algo no funciona. Es interesante ver en DVD los cortes extendidos del director de las principales películas de Hollywood para ver escenas recortadas de los estrenos teatrales originales. Nueve veces y media de cada diez, encontrará que fue apropiado eliminar esas escenas.
2. Tiempo total de funcionamiento
La mayoría de las veces, especialmente para un trabajo de edición pagado, tendrá una limitación de TRT o Tiempo total de ejecución que debe observar. El ejemplo más estricto de esto podría ser un segmento para televisión. Si hace un programa de una hora para el Servicio de Radiodifusión Pública (PBS), no será de 60 minutos, sino de 52 minutos y treinta segundos, ni un cuadro más largo o más corto. Si filma un video de boda o un video corto para un festival de cine, es posible que tenga más libertad de acción. De lo contrario, debe conocer sus parámetros y tenerlos en cuenta a medida que avanza hacia el corte final.
3. Continuidad y Transiciones
Estamos juntando la continuidad y las transiciones porque, a medida que verifica la continuidad entre sus clips, puede decidir usar una transición u otra para ayudar con la continuidad. Como hemos dicho muchas, muchas veces antes, en las páginas de la revista y el sitio web de Videomaker, su transición más utilizada será un corte recto. Pero si está editando un documental y necesita dividir una entrevista cerrada con la cabeza parlante (toma estática, montada en un trípode, primer plano medio), es posible que necesite usar disoluciones cruzadas, especialmente si no No tiene muchos cortes ni B roll. Además, cuando use transiciones renderizadas como disoluciones cruzadas, recuerde que puede ajustar la duración de las transiciones, si tiene muchas cabezas y colas en los clips que está afectando. No utilice siempre la disolución cruzada predeterminada de 30 fotogramas/un segundo. Tal vez una disolución cruzada larga de tres segundos se sume a la emoción de la escena. O tal vez un barrido de diez fotogramas a la velocidad del rayo haga que su punto se entienda mejor. Usa tantos fotogramas como necesites para lograr la mejor transición entre tus clips.
4. Efectos de audio realistas
Es posible que haya agregado algunos efectos de sonido durante el proceso de corte preliminar, pero los efectos de sonido, ADR (Reemplazo de diálogo automático o automático, también conocido como bucle), Foley (recreación y sincronización de sonidos incidentales como pasos) y otros sonidos no naturales generalmente ocurren después "bloqueo de imagen", cuando se completa la edición visual. No tiene mucho sentido perder tiempo insertando elementos de sonido en escenas que podría cortar, por lo que generalmente comienza a enriquecer el audio después de tener un corte preliminar bastante sólido, como mínimo. Aquí, el viejo adagio "menos es más" todavía se aplica. No son los sonidos "grandes", como explosiones y disparos, los que harán que su trabajo sea excelente; son los sonidos sutiles. Es posible que los espectadores ni siquiera noten sonidos de fondo como pájaros, viento, tráfico y perros ladrando en la distancia, pero notarán si no están allí. Estos pequeños sonidos nos rodean naturalmente en todas partes, todos los días. Deténgase por un momento y simplemente escuche su entorno audible. Ahora piensa en poner esos sonidos en tu trabajo. ¿Tienes una escena en un barrio urbano poco fiable? Bueno, haz que la sirena de la policía parezca venir desde lejos, no al frente, y tendrás el comienzo de un rico paisaje sonoro.
5. Endulza tu sonido
El endulzamiento del sonido es un proceso lento y quizás incluso doloroso, pero es muy importante. La mayoría de las películas insoportables en los festivales de cine pueden atribuir su desaparición a un sonido deficiente. El buen sonido, por supuesto, comienza en el lugar, pero termina endulzándose. ¿Son perfectos los niveles de cada elemento de sonido? Su medidor de VU (unidad de volumen) o audiómetro es su amigo aquí, pero no la autoridad final. El oído de un editor y el sentido común deben determinar el mejor nivel de decibelios para cada elemento de audio. El punto principal es examinar cada unidad de sonido individualmente y luego junto con los demás sonidos de la escena, para asegurarse de que los niveles sean perfectos.
6. Editar con ritmo
Esta sección no aparece hacia el final de este artículo porque se promulgó en último lugar; un buen editor está pensando en el ritmo incluso antes de sentarse por primera vez en el área de edición. Un editor siempre debe ser consciente del ritmo. El productor/director Jim Jarmusch a menudo escucha diferentes tipos de música antes y durante una edición para ponerlo en el “estado de ánimo rítmico” que desea para la edición. Los buenos editores a menudo reducen o agregan tan solo un cuadro, un treintavo (o un veinticuatro) de segundo para mantener el ritmo. Este es un procedimiento cuadro por cuadro. El ritmo perfecto puede hacer o deshacer la atención de la audiencia.
7. Obtenga la calificación con color
La corrección de color es deliberadamente la última. Este debería ser el paso final por un par de razones. Al igual que con los efectos de sonido, no tiene mucho sentido ajustar el color de un clip si solo lo editará más tarde. Además, los nuevos correctores de color de gama alta o las aplicaciones de gradación de color, como Color de Apple, son aplicaciones independientes, no complementos ni efectos que funcionan dentro del editor. La gradación es a la imagen lo que el endulzamiento al sonido. Se merece una gran cantidad de tiempo para ser ajustado correctamente. No es un ajuste de un solo clic. Una buena calificación puede marcar la diferencia entre tener un buen video y un gran video.
El editor colaborador Morgan Paar es un productor, fotógrafo y
editor nómada que actualmente enseña producción de videos en la escuela secundaria.