¿Alguna vez has sido hipnotizado? Si alguna vez has ido al cine y te has perdido por completo en la historia, lo has hecho. Una película bien editada hace exactamente eso, y no es algo malo. Captura la imaginación de una manera que prácticamente se apodera del cerebro. Nos rendimos a la historia y nos olvidamos de la realidad hasta que los créditos nos devuelven a la tierra.
De hecho, este efecto hipnótico suele ser tan poderoso que, si se interrumpe la progresión de las imágenes, si las cosas no fluyen con fluidez de una idea a la siguiente, experimentamos un shock.
Si alguna vez estás en una sala de cine y desafortunadamente la película se rompe, conocerás la sensación. De la inmersión total a una gran pantalla blanca cegadora en un instante; los gemidos que siguen son sonidos de pura frustración.
Por lo tanto, cuando comienza a editar imágenes en movimiento en su propio editor no lineal, es útil prestar atención a las técnicas que se han desarrollado a lo largo del tiempo que alientan a la audiencia a sumergirse en el flujo de la acción.
Lo básico
Muchas técnicas que fomentan el flujo visual se encuentran bajo el título de "acción de emparejamiento". En realidad, no son más que un conjunto de reglas simples que ayudan a mantener al espectador orientado y a que la acción fluya de una escena a la siguiente.
Uno de los tipos más básicos de acción de combinación es simplemente asegurarse de que cada tiro siga una progresión lógica.
Considere la secuencia tradicional de una persona que atraviesa una puerta. La progresión habitual que se usaría podría ser:
Toma 1 – Un plano general de un actor acercándose a una puerta.
Toma 2 – Un primer plano de la manija de la puerta y una mano extendiéndose para agarrarla.
Toma 3 – Un plano medio de la mano que abre la puerta y la persona que entra.
Toma 4 – Un ángulo inverso desde el interior de la puerta que muestra al personaje entrando en la nueva habitación.
Disparo 5 – Un plano general que muestra el cierre de la puerta y el carácter establecido en la nueva sala.
Esta progresión de tiro es básica. Sabemos lo que es entrar en una habitación, por lo que todos tienen la misma expectativa de qué escena sigue a cuál. Lo que marca la diferencia entre el flujo de una escena buena y mala es el momento preciso de cada escena; cuánto metraje permite antes y después de cada acción central.
Mira la secuencia en la Figura 2A. Hay un error deliberado en los puntos de entrada y salida entre las dos tomas para mostrar un error de edición común.
Observe que en el punto de salida del primer plano, la mano del personaje apenas comienza a elevarse hacia la manija de la puerta, pero en el punto de entrada de la siguiente toma, la mano ya está en la manija. Un corte recto en estos puntos en acción produciría un salto que se sentiría apresurado.
En cambio, un editor experimentado permitiría que la acción en el Plano 1 continuara hasta que la mano se acercara más a la manija de la puerta (Figuras 2B) o movería el punto de entrada del Plano 2 adelante en la acción para poner algo de amortiguación entre el escenas Cortar el pomo de la puerta antes de que la mano entre en el marco y luego dejar que la mano entre en la escena y agarrar el pomo coincidiría con la acción que espera el público, incluso si el tiempo entre esas acciones es inferior al tiempo real.
Y ese es un punto importante. Cortar entre escenas esperadas en un flujo no significa que siempre tenga que mantener una relación en tiempo real entre ellas. El público a menudo no se dará cuenta si corta el tiempo de una secuencia, siempre que la acción sea fluida y fluya lógicamente de una escena a la siguiente.
Controle su propio ritmo
El objetivo general de cada editor debe ser comprender qué necesita cada escena para contribuir al programa y asegurarse de que permanezca en la pantalla exactamente el tiempo suficiente (y ni un fotograma más) para lograr el objetivo de la escena.
Una señal clara de la edición amateur son las escenas que duran demasiado. La regla general para el ritmo de la escena es la misma que en todas las buenas películas:si no ayuda a la audiencia a seguir la acción o a hacer avanzar la historia, deshágase de él.
Si observa a los editores de primera clase en el trabajo, notará su obsesión por recortar las escenas a la perfección. Por lo general, establecerán un punto de edición inicial y luego configurarán un bucle de reproducción que se ejecuta a través del punto de edición. Luego, reproducirán la transición una y otra vez mientras usan los comandos del teclado Trim Edit para eliminar fotogramas de la cabeza y la cola hasta que la edición se sienta perfecta y todos los fotogramas innecesarios desaparezcan.
Recortar la acción
Este es otro lugar donde los editores modernos tienen las cosas mucho más fáciles que en los viejos tiempos, cuando recortar fotogramas significaba cortar tiras de película de celuloide. Hoy en día, un par de toques en el teclado pueden manipular los puntos de entrada y salida y recortar cuadros individuales en una escena para que realmente no haya excusas para no marcar sus ediciones.
Muchos de los principales paquetes de software de hoy en día van aún más allá y ofrecen pantallas de doble ventana, de modo que el editor puede ver vistas previas de las tomas entrantes y salientes que se ejecutan en tiempo real. Esta es una característica excelente cuando desea ver cómo afecta el recorte a las tomas en ambos lados de un punto de edición.
Si miras las grandes películas de ayer y de hoy, descubrirás que todas tienen algo en común. Ya sea que el ritmo de las escenas sea rápido o lento, los editores de películas utilizan estas técnicas de acción coincidentes para que sus historias sigan avanzando. Alinean el estado de ánimo de las actuaciones con el ritmo de las ediciones para dar a cada escena (o secuencia de escenas) su propio ritmo natural.
Reconocer y encontrar el ritmo visual ideal para una secuencia de tomas y editarlo para que fluya sin problemas de una escena a otra es la diferencia entre alguien que simplemente une escenas y un verdadero narrador visual.
[Sidebar:Breaking the Line]
Otro elemento de la acción de igualar es la comprensión de que los movimientos que tienen lugar en la pantalla siempre tendrán una dirección percibida.
Si la película viola esa noción, nuestros cerebros tienen problemas para conectar las cosas . Imagina que tú y tu club de video están grabando una obra de teatro escolar titulada Los vegetales son nuestros amigos. Como hay muchos voluntarios, decides que además de las cámaras de video en la audiencia, colocarás una cámara en el fondo del escenario, detrás del escenario, apuntando hacia la audiencia.
Es hora de la gran entrada del Sr. Tomate. Entra por la izquierda y se mueve hacia la derecha. Las cámaras de la parte superior e inferior del escenario están rodando y muestran al Sr. Tomate en un primer plano suelto.
En la posproducción, notará que si corta entre esos dos planos, el Sr. Tomate se movería de izquierda a derecha en el tomas de la audiencia, pero moviéndose de derecha a izquierda en las tomas de la cámara del fondo del escenario.
Eso es lo que se llama "romper la línea". Los espectadores esperan que las acciones en pantalla tengan un flujo direccional. Mantener la perspectiva de la cámara en un lado de una línea imaginaria que corre paralela a la acción mantiene esa sensación de flujo.
Si necesita romper la línea, use una toma neutral con el personaje mirando directamente hacia la cámara o en dirección opuesta. como un búfer, para que el flujo direccional de la escena se detenga momentáneamente.
[Barra lateral:Cortes]
Otra técnica que le permite a un editor mantener el programa en movimiento es el uso de tomas cortadas o B-roll.
En nuestro ejemplo anterior, en lugar de cortar desde el primer plano de la mano hasta la toma de ángulo inverso del personaje que ingresa la habitación, le vendría bien un corte. Una toma en corte de una persona sentada en un escritorio en la habitación y mirando hacia la puerta podría mantener la escena en movimiento, al tiempo que presenta de manera eficiente a un nuevo personaje. Usar el corte nuevamente le permite acortar la duración de la escena, ya que la audiencia esperará que la acción de abrir la puerta haya continuado durante el corte.
El ritmo de la escena siempre depende del contenido de la escena en sí. Si estuviera cortando una escena de una madre meciendo a un bebé recién nacido para que se duerma, el ritmo de la escena normalmente sería mucho más lento que si estuviera cortando una secuencia de persecución de automóviles.
Los editores experimentados tienen mucho cuidado con el ritmo de la escena , entendiendo que puede ser la diferencia entre una audiencia que está completamente involucrada con la historia y una que está inquieta en sus asientos.