Sam Erickson, un cineasta con sede en Brooklyn y fundador de 44 Pictures, comenzó a trabajar con sus amigos en Dave Matthews Band mientras se abrían camino desde pequeños pueblos hasta superestrellas multiplatino. Aunque comenzó como fotógrafo, Sam hizo la transición a la dirección y filmación de videos en 1998 cuando convirtió sus fotos de archivo del seminal "Before These Crowded Streets" de la banda en un especial de MTV llamado "Dave Matthews Band:Open Wide".
Desde esos primeros años, ha trabajado con un grupo diverso de artistas, incluidos Bob Dylan, John Mayer y My Morning Jacket, así como con figuras de Nashville como Kris Kristofferson, Keith Urban y Brooks &Dunn. Se tomó el tiempo para conversar con nosotros sobre sus esfuerzos pasados y actuales.
Shutterstock:¿Cómo empezaste a tomar fotos y grabar videos?
Sam Erickson :Siempre estuve profundamente interesado en la fotografía como un medio para la autoexpresión, comenzando en la escuela secundaria. En la universidad, aunque no estaba estudiando formalmente, era el tipo que siempre sacaba la cámara. Fotografiaría a mis amigos, fotografiaría la decadencia industrial en Filadelfia y cualquier otra cosa que me interesara. Mi carrera profesional comenzó con un buen descanso en la forma en que mis compañeros de Charlottesvillians, Dave Matthews Band, necesitaban a alguien que les hiciera algunas fotos antes de conseguir su contrato discográfico. Conocía a varios miembros de esa banda desde mis días de escuela secundaria, y cuando comenzaron a llamar la atención, necesitaban fotos y otro tipo de documentación y yo era (uno de) los muchachos en el lugar correcto en el momento correcto. Estuve de gira con esos muchachos y estuve mucho en el estudio con ellos durante la década de 1990, y esa fue realmente mi entrada al mundo de la fotografía musical; toda una carrera se abrió frente a mí.
¿Crees que hubo ventajas en mojarte los pies y aprender tu oficio en Charlottesville, a diferencia de una ciudad más grande?
De hecho, no aprendí mi oficio en Charlottesville. Me mudé de Charlottesville en 1984 para ir a la universidad en Swarthmore en las afueras de Filadelfia y, aunque visitaba Virginia con frecuencia, nunca volví a vivir allí. Así que todo mi aprendizaje del oficio de la fotografía ocurrió en Filadelfia y luego en Nueva York, donde me mudé en 1992 y comencé a trabajar como fotógrafo en serio. Charlottesville en estos días sería un gran lugar para aprender y comenzar a practicar todo tipo de actividades artísticas, ya que es una pequeña ciudad próspera con un montón de gente talentosa, pero no puedo decir que aprendí mi oficio allí.
Después de trabajar extensamente con Dave Matthews Band, se diversificó y comenzó a fotografiar a otras bandas y artistas. ¿Qué tan bien cree que lo preparó trabajar con DMB, en el contexto de la industria en general?
Creo que la experiencia de DMB fue una gran preparación para el negocio de la música en general, porque esos muchachos tuvieron éxito en todas las esferas del negocio. No eran solo una banda de gira exitosa, aunque esa era su tarjeta de presentación definitiva. También fueron un gran éxito en la radio, en las ventas de álbumes, incluso en MTV hasta cierto punto, por lo que las oportunidades para mí de ver todos los aspectos del negocio fueron increíbles. Gracias a DMB, pude ir de gira por Europa cuando abrieron para Neil Young y Bob Dylan; Tengo que ir a los Grammy; Vi enormes espectáculos de estadios principales desde el interior; Me paré en el escenario de Woodstock 99; Grabé detrás de escena en videos musicales; y tomé fotos en algunos de los estudios de grabación más legendarios. Fue una gran e invaluable educación. Y me echó a perder un poco porque, dado que fueron la primera banda con la que trabajé y los vi pasar de ser una banda de bar desconocida a lo más grande de Estados Unidos, ¡esperaba que todas las bandas con las que trabajé hicieran algo similar!
¿Hay alguna historia detrás de escena interesante de su tiempo de trabajo en estrecha colaboración con DMB que le gustaría compartir?
Una de las mejores cosas de trabajar con DMB cuando estaban en ascenso fue toda la gente increíble que pude conocer como resultado. Una historia que nunca olvidaré es el momento en que estaba de gira con DMB en Europa y estaban abriendo para Bob Dylan por algunas noches. El equipo de avanzada de Bob nos había dicho que no debíamos tratar de hablar con él o interactuar con él, por lo que nos sorprendió cuando Bob entró al vestidor y se presentó. Él le dice a Dave:“Oye, Dave, ¿vas a tocar esa canción de 'come demasiado, bebe demasiado'? Me gusta ese." En ese momento pregunto si puedo tomar una foto de Dave y Bob juntos, lo cual hago. Al día siguiente, el road manager de Bob se me acerca y me dice:"Bob quiere que vayas a su camerino y le tomes algunas fotos".
Estaba muy emocionada y nerviosa porque siempre he sido una gran admiradora de Dylan. De todos modos, llego al vestidor y está prácticamente completamente oscuro, con una pequeña lámpara encendida. No tengo iluminación propia, así que le pregunto a Bob si le importaría salir afuera para hacer la película, pero nada. Así que tengo la oportunidad de mis sueños frente a mí, sin una forma real de lograrlo. Solo tengo una vieja cámara de caja Mamiya C330, que miras hacia abajo para enfocar, y tengo que disparar a algo así como 1/4 de segundo. El resultado de la historia es que obtuve una buena foto de Bob (compartida aquí) y una oportunidad única en la vida de pasar un rato charlando uno a uno con uno de los grandes de todos los tiempos. Ese tipo de oportunidades no surgen muy a menudo. No sé cuál es la moraleja de la historia, pero supongo que sería "estar siempre listo", porque nunca se sabe cuándo la oportunidad de tu vida te golpeará en la cara.
“Dave Matthews and Tim Reynolds:Live at Radio City” se describe regularmente como uno de los videos de conciertos en vivo imperdibles de la última década. ¿Cómo hiciste para capturar la intimidad de la actuación en un escenario tan grande?
La intimidad nunca fue el problema con esta sesión. Dave y Tim sentados en taburetes y disparando la mierda y tocando grandes canciones es íntimo por naturaleza. Encienda las cámaras y dispare, y tendrá un espectáculo íntimo. El verdadero desafío fue asegurarse de que el escenario gigante de Radio City no los absorbiera visualmente. Afortunadamente, mi codirector y viejo amigo Fenton Williams (director de iluminación y video en vivo de DMB) tenía una relación con un escenógrafo increíble (Bruce Rogers) que tenía algunos contactos con la gente de Radio City. Nos permitieron pasar por las áreas de almacenamiento en el sótano de la sala y elegir lo que quisiéramos poner en el escenario.
Así que terminamos colocando una mezcla de elementos prácticos (escaleras, andamios, cajas de carretera, etc.) y elementos decorativos antiguos de espectáculos anteriores (una luna de la década de 1930, por ejemplo) a su alrededor y disparando a través de estos elementos para dar la actuación más textura y presencia. También proyectamos un montón de fotos asombrosas (algunas de las cuales tomé y otras fueron proporcionadas por Filament, la compañía de Fenton) detrás de Dave y Tim en la pared de ladrillos desnudos del lugar, por lo que todo el efecto fue una especie de industrial con un aire de ensueño. elemento visual. Terminó siendo un gran set para el programa, y ese DVD es una de las cosas de las que estoy más orgulloso en mi carrera.
¿Cuáles han sido algunos de los shows en vivo más difíciles de filmar hasta ahora?
Los espectáculos en vivo más difíciles de filmar son los de los artistas que recién comienzan a crecer y, por lo tanto, no cuentan con el equipo experimentado y las configuraciones de iluminación que tienen los artistas más establecidos. Me enfrenté a esto en 2002 cuando dirigí la película del concierto “Un jueves cualquiera” de John Mayer. John realmente acababa de irrumpir en la escena, y su aparato de gira no había alcanzado su popularidad. Así que dependía de nosotros proporcionar mucha iluminación adicional y decoración del escenario para que el espectáculo se viera genial. Fue un revuelo, pero creo que el resultado final fue una muy buena instantánea de un artista en ascenso.
¿Puedes contarnos cómo empezaste a trabajar con My Morning Jacket?
Empecé a trabajar con MMJ porque mi buen amigo Mike Martinovich me habló de esta banda que había descubierto en una tienda de discos en Louisville y me pidió que fuera su compañero de ala en un show de ellos en Mercury Lounge en Nueva York. (Esto fue en algún momento de 2002). El plan de Mike era ir al show y decirle a la banda que realmente lo necesitaban como su manager. Pensé que era una posibilidad remota, pero acepté ir y traje mi cámara. Tomé algunas fotos en vivo y luego acompañé a Mike a reunirse con la banda. ¡Para mi sorpresa, aceptaron la oferta de Mike en el acto!
La próxima vez que trabajé con ellos, Mike se había convertido en su manager y me pidió que fuera a DC con él (sin paga, no hago eso para muchas personas, pero las bandas tan buenas como MMJ son raras), colapsar en el sofá de sus amigos y hacer una rápida sesión de fotos gratuita de la banda. Menciono todo esto porque, al final, mi voluntad de hacer lo que fuera necesario para trabajar con esta banda que me voló la cabeza me llevó a una relación larga, lucrativa y satisfactoria profesionalmente. A veces solo tienes que llevar volantes sobre cosas en las que crees. Terminé yendo directamente al estudio y dirigiendo documentales sobre la grabación de tres álbumes para ellos ("It Still Moves", "Z" y "Evil Urges"). Grabé la portada de "It Still Moves" con el oso y, lo que es más importante, dirigí su película de concierto "Okonokos", que me enorgullece decir que ha alcanzado un estatus legendario en el mundo de las películas de concierto.
En ese caso, Jim James, el líder de MMJ, me pidió que creara un bosque en el escenario del Fillmore en San Francisco, para recrear un escenario que tocaron en el Fuji Rock Festival en Japón. El escenario se llamaba "El campo del cielo" y Jim quería que la película de su concierto se desarrollara en un entorno mágico como ese. Así que contraté a un escenógrafo increíble (Ethan Tobman) para diseñar un bosque de árboles de fibra de vidrio, fondos pintados y hojas y ramas reales. También contratamos a Marc Brickman, el principal diseñador de iluminación de Pink Floyd, para crear una apariencia de iluminación lateral de otro mundo (que MMJ todavía emplea hoy, me enorgullece decir). ¡Tuvimos que construir todo esto el mismo día del espectáculo! Fue una lucha, pero los resultados hablan por sí mismos. Es fácilmente la cosa más genial de la que he sido parte.
Si tuviera que enumerar sus 3 mejores consejos o trucos para alguien que acaba de empezar a filmar música en vivo, ¿cuáles serían?
1. Encuentra músicos cuya música admires y haz todo lo posible para fotografiarlos o filmarlos. Encuentre sus compañías de gestión, envíeles las fotos, haga lo que pueda para entrar con ellos, porque si tiene suerte, valdrá la pena a lo grande
2. En fotografía, asegúrese de tener los lentes correctos para el concierto:explore el lugar, conozca las líneas de visión y los ángulos desde los que disparará, y sepa las distancias, para que pueda tener el equipo adecuado para tomar la foto.
3. Siempre diviértete. Si no te diviertes filmando música en vivo, estás en el lugar equivocado.
La industria de la música ha cambiado drásticamente desde que empezaste a rodar. ¿Cuáles han sido los ajustes más difíciles?
Lo más desafiante que ha cambiado es la existencia de Internet y su efecto en la forma en que las personas consumen música en vivo. Internet crea simultáneamente un número incalculable de nuevas oportunidades para alguien como yo y aplasta los presupuestos para dichas oportunidades. La gente en estos días quiere que la música en vivo sea algo que experimenten a través de una transmisión:inmediata y gratuita. Esto es excelente si desea seguir a su banda favorita de gira desde la comodidad de su hogar, pero realmente reduce el arte de todo el negocio. Nadie en estos días gastaría $250,000 en construir un bosque en el escenario del Fillmore y luego filmarlo y tomar tres meses para editarlo y mezclarlo para que se vea y suene tan bien como sea posible.
Ahora la gente ve conciertos en transmisiones en vivo, donde se amplifican todos los errores en vivo y el audio inestable. Artistas como Jim James de My Morning Jacket preferirían que les sacaran los dientes a que sus presentaciones en vivo (verrugas y todo) se transmitieran por todo el mundo, pero ese es el mundo en el que vivimos. Y porque nadie quiere gastar dinero haciendo cosas artísticas geniales. , la paga de las personas que graban música en vivo está bajando y bajando. Todos los que tienen un teléfono piensan que son fotógrafos, y los blogs suelen publicar fotos tomadas por fanáticos con teléfonos. Así que ser un fotógrafo o un cineasta que trabaja predominantemente en el negocio de la música se está volviendo casi imposible. Odio sonar sombrío, pero así son las cosas, y aprecio el hecho de haber captado el final de lo que resultó ser la edad de oro de la documentación musical.
¿Qué nuevos equipos/software te han parecido más emocionantes en los últimos años? ¿Hay algo en el horizonte que no puedes esperar para ver?
Dado que llegué bastante tarde a la fotografía digital (todavía lloro por los días de la película), recién ahora me estoy volviendo experto en el increíble nuevo software disponible para el procesamiento de fotografías. Estoy aprendiendo a amar la inmediatez de la fotografía digital y la increíble libertad que tiene para ajustar la apariencia de las fotos. Ahora soy competente en Aperture, que es un programa increíble. Aprendí, para mi deleite, a usar la fotografía HDR para algunas cosas (otro consejo que le daría a la gente es que no abusen de este truco), y proceso HDR con un programa llamado Photomatix, que recomiendo encarecidamente. También estoy interesado en ver las cámaras que pueden cambiar el punto de enfoque de sus imágenes después del hecho. Pero en realidad, soy un poco ludista y no soy un primer adaptador a la tecnología fotográfica, ¡así que esta pregunta es un poco inútil para mí!
Mucho más del trabajo de Sam está disponible en www.44pictures.com.