¿Qué es exactamente lo que hace que la música suene tan aterradora? Sumerjámonos en la teoría detrás de las partituras de terror para descubrir por qué causan miedo.
Todos estamos familiarizados con el tipo de música que plaga las películas de terror. En el momento en que comienza a sonar una partitura retorcida, sabemos que el destino de los personajes en pantalla no se ve muy bien. Pero, ¿alguna vez te has preguntado qué es exactamente lo que hace que las bandas sonoras sean tan inquietantes?
Como compositor, escribir música que incomode al público y tenga un tono inquietante es algo que disfruto muchísimo. Tomemos un momento para explorar las técnicas que usan los compositores para lograr este mundo sonoro particular y cómo usar estas teorías para su beneficio al agregar partituras a su propia película de terror.
El poder de la disonancia
La disonancia se refiere a la falta de armonía en la música . La disonancia en la música hará que tu audiencia se sienta incómoda y ayuda a crear tensión y una sensación de movimiento en las composiciones. Por lo general, tiene Mayor y Menores tonalidades en la música. Major comúnmente proporciona un estado de ánimo positivo y feliz, mientras que minor se asocia con un sentimiento de tristeza u oscuridad.
Todo esto tiene que ver con los intervalos entre cada una de las notas en cualquier tonalidad dada:en una clave menor, las notas se reducen, lo que cambia en gran medida el ambiente general.
Disonancia es una técnica básica utilizada en las bandas sonoras de terror para elevar esa incomodidad y miedo. Esto se logra tocando dos o más tonos juntos, que no suenan muy agradables al oído. En la Teoría de la Música Clásica Occidental, la disonancia generalmente se resuelve para levantar la tensión, pero en este caso, está permanentemente allí, persistiendo.
Un ejemplo de disonancia se encuentra en la banda sonora de Bobby Krlic para la película Midsommar. . La banda sonora “Gassed” comienza con una nota de violín largamente sostenida mientras entra otra, moviéndose alrededor de la nota de inicio en completa disonancia. ¡¿Discordante verdad?!
Contraste y Transición
El principio de contraste establece que las canciones deben presentar ideas opuestas a medida que avanza. Mientras que Midsommar tiene su mundo sonoro oscuro y aterrador, Bobby Krlic también usa tonalidades que suenan más esperanzadoras pero aún tienen un trasfondo inquietante. Esto se logra mediante la transición entre pasajes contrastantes. Hacia el final de la película hay tanto una sensación de alivio como una gran perturbación; la música lo transmite perfectamente.
La pieza “Templo del Fuego” es inicialmente tranquilo, con cuerdas suaves tocando acordes lentos. Si bien tiene una larga preparación, se vuelve amargo con la introducción del trémolo (repetición rápida de notas) y cuerdas altas que suenan como gritos. Esta mezcla entre dos mundos sonoros opuestos deja una sensación angustiante, tal como lo ves en la pantalla.
Texturas Ásperas y Ritmos Pulsantes
La textura musical es cómo se construyen las capas de sonido y cómo interactúan entre sí. Es muy similar a cómo sentirías un objeto táctil con tus manos. La suavidad de una manta suave es reconfortante, pero la textura de una cama de clavos es mucho menos acogedora. Esto es lo mismo en el sonido.
La combinación de texturas incluye drones bajos con susurros espeluznantes de otros sonidos, texturas de acordes más gruesas con progresiones de acordes que suenan más ásperas y chirridos instrumentales agudos. Muchas bandas sonoras tendrán arrebatos repentinos para complementar los sustos de salto.
La más famosa es la partitura de Bernard Herrmann para la escena de la ducha en Psycho. Las cuerdas de tono alto no solo suenan en completa disonancia, sino que también tocan cada nota acentuada, en una dinámica fuerte, muy probablemente tocada en el talón del arco para un sonido más arenoso y retorcido. El ritmo constante imita el efecto punzante, ¡otra forma de implementar el miedo indefinido!
Una de las técnicas de composición más populares que se utilizan son los drones bajos. . El desarrollo lento y bajo da una textura ambiental oscura, lo que contribuye a generar tensión. Para mejorar aún más esto, poner un ritmo pulsante en la parte superior también puede agregar anticipación y también da el efecto de un latido del corazón.
Los compositores pueden jugar con esta idea alterando el ritmo; tener un ritmo cardíaco irregular podría aumentar la ansiedad, pero también mantener un ritmo constante también puede hacer lo mismo. Howard Shore, que compuso la partitura de El silencio de los inocentes, utiliza esta técnica. El lenguaje armónico no solo da miedo con su naturaleza disonante, sino que la adición de los timbales sobre la secuencia de acordes resalta la angustia de lo que sucede en la pantalla.
El ritmo pulsante también se puede interpretar en las mandíbulas tema. John Williams compuso un motivo cromático básico, alternando entre dos notas a medio paso de distancia entre sí, acelerando gradualmente como si un tiburón gigante estuviera a punto de atacar.
Instrumentación
Entre todas las características técnicas musicales ya comentadas, no olvidemos la elección de los instrumentos. Si bien hay una gran cantidad de opciones de instrumentación, una opción popular es la familia de cuerdas. . Ofrece una paleta muy versátil de tonos, texturas, timbres y dinámicas para incitar al miedo. Las cuerdas inferiores (contrabajo y violonchelo) pueden tocar drones con un estruendo muy bajo, con la capacidad de construir dinámicamente agregando más presión al arco.
Las cuerdas más altas (violines y violas) pueden tocar pasajes alarmantes, imitar chirridos, gritos e incluso puñaladas. El uso del arco puede cambiar el sonido de muchas maneras:tocar más cerca del talón del arco para obtener un timbre más agudo, tocar más cerca del puente para obtener un sonido similar al del cristal (conocido como sul ponticello) y golpes de arco repetidos rápidamente para obtener un sonido tembloroso. sonido (conocido como trémolo ).
No solo se utilizan instrumentos acústicos, sino que las maravillas de la tecnología musical han ampliado aún más las posibilidades de encontrar otros sonidos para crear una atmósfera aterradora. La creación de DAW (estaciones de trabajo de audio digital) permite a los compositores mejorar la experiencia del oyente al incluir mundos sonoros más inmersivos. Los métodos de edición de audio han hecho que el proceso de composición sea mucho más emocionante, ya que crear ese paisaje sonoro de terror con más parámetros disponibles puede, en última instancia, llevar al oyente a ese otro mundo.
Volviendo a Midsommar, la pista "Hålsingland" tiene este increíble zumbido pulsante lento, acompañado de siniestras ondas de sonido, que solo fue posible gracias a la tecnología musical actual.
Sintetizadores proporcionó una gama más amplia de sonidos para explorar. John Carpenter, que marcó Halloween y La Cosa, muestra la versatilidad del sintetizador para crear bandas sonoras espeluznantes. Más recientemente, Stranger Things ha resucitado ese sonido de sintetizador temprano en la escena del terror, no solo llevándonos de regreso a los años 80, sino también logrando esa sensación espeluznante.
Entonces, la próxima vez que decidas tener una noche de películas de terror, escucha esos riffs disonantes, las texturas discordantes y los ritmos palpitantes, y permíteles inspirar el tema musical perfecto para tu próxima película o cortometraje de terror. Estudia cómo te hacen sentir incómodo y cómo funcionan dentro de la edición y la historia. Esto sin duda llevará tu escena espeluznante al siguiente nivel.
Si desea explorar la variedad de música inspirada en Midsommar de PremiumBeat, consulte esta lista de reproducción.
Imagen de portada por jesadaphorn
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