Ver películas es un salón de clases en sí mismo, pero realmente debes tener las herramientas adecuadas para convertirte en un espectador crítico.
Todos los buenos directores son estudiantes de cine. Devoran el cine, observando la forma en que sus compañeros eligieron presentar el guión:su elección de planos, transiciones, música y forma. Para aprovechar al máximo la visualización de películas y descubrir nuevas formas de filmar escenas y presentar ideas, debe comenzar con los elementos básicos que conforman cualquier producción de película o video. En esta columna, veremos estos diversos elementos y brindaremos una guía simple que puede usar para comenzar su viaje hacia el aula de cine.
Antes de empezar
Para realmente darle a una película toda tu atención crítica, debes distanciarte y convertirte en un espectador totalmente objetivo. Esto puede ser difícil de hacer, especialmente si la película está bien hecha y te mete en la historia con personajes que empiezan a interesarte, empujados a una situación que parece insuperable. ¿Se escaparán? Se enamorarán? Encontrar la respuesta lo aleja de su tarea principal, que es estudiar los diversos aspectos de la película, para que pueda crecer en su propia realización cinematográfica. Hay una solución muy fácil, aunque algo lenta:ver la película dos veces, una para disfrutar y otra para estudiar. Pronto, podrá hacer ambas cosas al mismo tiempo, aunque tiende a reducir su disfrute general de la película.
Cuando vea la película por segunda vez para estudiarla, divídala en sus diversas escenas, utilice la cámara lenta y avance paso a paso para recorrerla, y estudie los puntos de edición y las transiciones. Observe cómo el movimiento de la escena fluye de una acción a la siguiente. Tome nota de las elecciones de plano del director, el bloqueo de los actores, la iluminación del director de fotografía. Estudie cuidadosamente la película y obtenga de ella tantas ideas nuevas como sea posible.
Prepárese para su estudio grabando sus programas y películas favoritas en una cinta o yendo a la tienda de videos local y alquilando algunos clásicos del cine en DVD. Ya sea que use video o DVD, podrá ver cómo se creó la película recorriéndola cuadro por cuadro.
El libro de texto de cine
Como cualquier buena clase, una película tiene una serie de capítulos o elementos fáciles de entender. Cuando Videomaker los editores critican un proyecto de video usando su proceso Take 20, miran la iluminación; edición, incluido el ritmo y la continuidad; audio:microfonía, diálogo, música, efectos de sonido, claridad y consistencia general; historia; trabajo de cámara:composición, uso de ángulos, elección de planos y dirección de la pantalla; y finalmente, los efectos y gráficos. A lo largo del proceso, discuten y critican las elecciones del director. Puede usar el mismo formato para revisar críticamente una película. También puede agregar elementos como diseño visual, actuación y técnicas generales de dirección. Echemos un vistazo a cada uno de estos elementos.
La cámara
Al mirar el trabajo de cámara de la película, debes ser consciente del rodaje de las diferentes escenas. ¿Se filmó la escena con cámara en mano o Steadicam, en trípode o plataforma rodante? Pregúntese por qué el director eligió ese tipo particular de soporte de cámara. ¿El movimiento de la cámara coincidía con el estilo y el tono de la escena, o distraía? El movimiento de la cámara agrega profundidad y fluidez a una escena, pero si el movimiento se realiza al ritmo o tiempo incorrecto o en el estilo incorrecto, puede distraer mucho. No querrías filmar una escena de amor suave con una cámara de mano muy temblorosa y de movimiento rápido, y definitivamente no filmarías una toma de punto de vista subjetivo de personas corriendo por su vida a través del bosque con una cámara de movimiento lento montada en una plataforma rodante.
Tome una mirada seria a la composición de la toma. ¿El tirador usó la regla de los tercios? ¿Hay mucho espacio para mirar y caminar? ¿Son los tamaños de toma apropiados para el nivel de participación y emoción? Muchos nuevos directores y fotógrafos olvidan el tamaño de la toma cuando filman un proyecto. Recuerde siempre que cuanto más apego emocional desee en la escena, más ajustada será la toma. Los planos generales son menos emotivos y más objetivos que los planos cerrados.
¿Qué ángulos de cámara usó el director? El ángulo de la cámara dice mucho sobre el sujeto. Una toma de ángulo alto, mirando hacia abajo al sujeto, hace que el sujeto parezca pequeño e insignificante, mientras que una toma de ángulo bajo le da al sujeto una sensación de poder y autoridad. A menudo llamamos a las tomas con ángulos laterales de unos 45 grados "ángulos holandeses", y generalmente le dicen al espectador que las cosas no están del todo bien en el mundo. El uso de objetos para enmarcar al sujeto y la combinación de movimientos de cámara interesantes con los ángulos apropiados puede agregar un tremendo poder a una escena.
Finalmente, ¿mantuvo el director una buena dirección en pantalla y continuidad en las imágenes? La dirección de la pantalla es muy importante; le permite a su audiencia seguir la acción sin perderse. Seguir la regla de los 180 grados y mantener un buen sentido del tiempo y la continuidad permite que el público se convierta en parte de la acción y se sumerja en la experiencia cinematográfica.
Iluminación
La iluminación no solo nos permite ver la acción, sino que también ayuda a establecer el estado de ánimo, el tiempo y la ubicación de la escena. Observa cómo el director de fotografía o director eligió iluminar la escena. ¿Las sombras y la luz realzan la escena, o hay puntos oscuros o brillantes que distraen? ¿El balance de color de la luz es apropiado para la escena? ¿Parece que la luz principal proviene de una fuente natural en la escena o es una luz misteriosa? Desplazarse con cuidado por la escena responderá a estas preguntas y le mostrará los cambios sutiles que el director hizo en la iluminación al filmar primeros planos en lugar de planos generales. La iluminación es un arte fino que debe realzar la producción. Cada vez que ve una película nueva, las lecciones de iluminación que encuentra son invaluables para mejorar sus habilidades y diseño de iluminación.
Edición
El ritmo de las ediciones, la ubicación de los cortes y el uso de las transiciones se encuentran quizás entre las lecciones más fáciles y valiosas que puede aprender al ver una película clásica. Mire cuidadosamente la película cuadro por cuadro y vea dónde el editor colocó el corte entre dos tomas. ¿Podría el editor haber cortado tarde o temprano? ¿Por qué eligió hacer el corte en ese punto preciso? ¿El editor ocultó el corte en una secuencia de acción combinada bien diseñada?
Al ver una película secuencia a secuencia, plano a plano, puede que te sorprenda la cantidad de cortes que encuentres. Un buen editor oculta los cortes en secuencias de acción combinada bien filmadas, siempre cortando en movimiento y manteniendo un flujo fluido de toma a toma. Este fluir conduce a una sensación de continuidad que hace creíble la escena y razonable el paso del tiempo. Observe este flujo y lleve sus lecciones a su próxima sesión de edición.
Sonido
Desafortunadamente, los nuevos cineastas a menudo pasan por alto el audio. Al estudiar películas, escuche el audio sin mirar la imagen. ¿El audio transmite la historia y proporciona una idea de lo que está sucediendo? ¿El audio es limpio y consistente, y muestra un buen rango dinámico? ¿Hay algún punto en el que el audio esté sobremodulado y borroso? ¿El diálogo es claro y conciso?
Ahora mire la película con audio e imagen presentes. ¿La música funciona con la imagen? ¿Los elementos de sonido del diálogo y los efectos suenan naturales en el paisaje auditivo y coinciden con el paisaje físico? Mire cuidadosamente la película para tratar de determinar cómo el director de audio microfoneó a los actores.
Una de las cosas más difíciles de hacer en la producción de audio es crear un paisaje sonoro tridimensional que coincida con el nivel y el tono del audio con el espacio físico en el que se crea. Por ejemplo, un micrófono de lava colocado sobre un actor que ve a la distancia sonará muy poco natural. Usa una escopeta y colócala a cierta distancia del actor, de manera que la voz coincida con la distancia que vemos. Estos no serán iguales. El micrófono estará mucho más cerca del actor de lo que piensas. Para practicar la colocación del micrófono, elija una escena favorita de una película e intente duplicar el sonido que escucha.
Efectos y Gráficos
Los efectos y gráficos son solo una pequeña parte de la mayoría de las películas. Mira cómo el cineasta usó los créditos iniciales para representar el estado de ánimo de las piezas, así como para dar crédito a quienes lo merecen. Preste mucha atención a los efectos especiales, revíselos cuadro por cuadro para ver cómo se filmaron e intente identificar la tecnología detrás de ellos. Si la toma fue generada por computadora, ¿parece real y encaja a la perfección con las secuencias de acción real? ¿Puedes decir cuándo el director está usando una pintura mate, un fondo generado por computadora, un doble o un modelo? Al examinar detenidamente la película, puede comenzar su educación en el mundo de los efectos especiales.
Examen final
La historia, por supuesto, es el último punto de estudio para cualquier espectador crítico. ¿La historia tiene un personaje que te importa y que se encuentra en una situación de la que será difícil salir? ¿La actuación y la dirección funcionan con el personaje y la historia, o parecen estar en desacuerdo entre sí, llamando la atención sobre su oficio en lugar de mejorar la historia? Haz tu mejor esfuerzo por mantenerte alejado de la historia y sus personajes, para que puedas ser un observador objetivo. Divida el video en sus elementos esenciales y disfrute de los descubrimientos que hará al ingresar al aula de video.
El editor colaborador Robert G. Nulph, Ph.D., es un productor/director independiente de videos/películas e imparte cursos de producción de videos a nivel universitario.