Cada semana tengo que salir de mi estudio e ir a la tienda de comestibles local para reabastecer el refrigerador de mi cliente con refrescos fríos. Cada semana compraba la misma variedad de productos. Previsible. Rutina. Una obviedad. Entonces un día escuché de una tienda –más lejos– algo más difícil de llegar, pero un lugar dedicado exclusivamente a refrescos. Tienen un millón de marcas de las que nunca había oído hablar. Empecé a probar su gama más amplia de productos. Algunos de ellos eran, francamente, horribles. Otros no eran mejores que los que solía comprar. Pero algunos de ellos fueron sobresalientes y mis clientes parecían disfrutar de las nuevas opciones. Ahora me encuentro dividiendo mis compras entre las dos tiendas, pero cuando miro el refrigerador de mi estudio hoy, me sorprende que, si bien algunas de las marcas o sabores han cambiado, realmente tengo la misma cantidad total de "opciones" que Lo hice antes de expandir mis compras. Me recuerda un poco cómo me siento acerca de la edición de transiciones.
Al principio, cuando el software NLE recién comenzaba, los primeros paquetes tenían un paladar bastante limitado de opciones de transición. Algunas disoluciones engañosas, un puñado de toallitas y tal vez algunos giros falsos en 3D. Entonces, de repente, cada software de edición estaba repleto de miles de opciones. Formas de girar, torcer, fracturar y cambiar de forma para pasar de la imagen A a la imagen B, incluida una toallita llamada "Oveja que cae".
Hoy, en mi escritorio, puedo elegir entre mil transiciones, cada una con variaciones, todo con el clic de un mouse. ¿Quieres adivinar cuántos uso regularmente? Sí, casi tantos como los que usaba cuando estaba atrapado con un software más simple. ¿Eso hace que mi video tenga un sabor aburrido y menos que aventurero? ¿Mis videos serían mejores si usara más de las opciones de transición que ofrece mi software? Quizás.
Pero considera esto. Quizás más del noventa y cinco por ciento de las transiciones que verá entre las escenas en cualquier video profesional, programa de televisión o película serán cortes simples. Esto se debe a que casi el 95 % del tiempo el narrador simplemente necesita pasar de un personaje al siguiente o de la escena actual a la siguiente sin distraer la atención de la audiencia.
El Corte
Cuando se ejecuta correctamente, el corte es prácticamente invisible. Y las transiciones invisibles son una herramienta excelente cuando desea mantener a la audiencia enfocada en el contenido de su programa, en lugar de alejarlos del contenido para admirar cuán "geniales" se ven sus transiciones.
El corte más desagradable... Ocasionalmente, sin embargo, usar un corte entre dos escenas simplemente no, bueno... lo cortará (juego de palabras intencionado). Probablemente haya escuchado el término "corte de salto" si ha estado en el mundo del video por mucho tiempo. Un corte de salto es el resultado de cortar entre dos escenas casi idénticas, por ejemplo, cortar una tos de una toma continua de una sola cámara de una persona hablando. Este tipo de corte casi siempre provoca un salto en el tiempo inaceptablemente discordante. Es una distracción porque en la vida real, el tiempo no salta así. En la vida real, vemos a la persona que habla en el podio y sufrimos con el pobre desgraciado hasta que se le pasa el ataque de tos. En video, esto es aburrido. Queremos eliminar las toses que distraen, así que las cortamos, pero a menos que hayamos cambiado el encuadre o usemos un plano cortado u otra técnica de parcheo de escena, tenemos que hacer algo para ocultar ese salto en el tiempo.
Transiciones
Las transiciones son útiles para esto. Un pelado de página, una diapositiva de empuje, un marco de flash:hay muchas transiciones útiles para cubrir un corte de salto. Pero, ¿cuántos necesitas en un video? Para mi gusto, siempre parece más inteligente elegir un estilo de transición y mantenerlo durante todo el programa. Así que, por ejemplo, si usé un pelado de página para cubrir el primer corte de salto, ¿por qué no usar la misma transición para cada otra edición que distraiga? Muy pronto, la audiencia comienza a aceptar la transición como una rutina y luego son libres de volver a pensar en el contenido en lugar de si aparecerá una transición de vórtice giratorio en 3D o una transición de "lluvia que gotea" igualmente desconcertante.
Otras transiciones estándar como la disolución (también conocida como disolución cruzada o fundido cruzado según su software) se han convertido en estándares de la industria porque en el lenguaje tradicional del video, a menudo se han utilizado para un propósito específico. Una disolución en el vocabulario cinematográfico tradicional implica un paso del tiempo. Pero no siempre. Tal vez la naturaleza "soñadora" de una disolución lenta encaje mejor con el estado de ánimo que un video está tratando de lograr. El punto es tener una razón para elegir el tipo de transiciones que usa para que pueda construir un vocabulario visual que su audiencia llegue a entender.
Compartir idioma con una audiencia
Desde hace mucho tiempo propongo que las transiciones que usas en tus videos signifiquen algo. De nuevo, piensa en tu motivación. En los videos de capacitación, me gusta vincular las transiciones (empujar la diapositiva hacia la izquierda significa que estamos dejando una lección para un ejemplo, empujar la diapositiva hacia la derecha significa que estamos regresando del ejemplo a la lección, la separación de la página separa las lecciones, etc.) para crear una Vocabulario visual específico, porque una vez que la audiencia se da cuenta, les resulta más fácil seguir el programa.
Y bien. Estoy de acuerdo en que, en algunos casos, las transiciones pueden estar ahí simplemente porque se ven geniales. Si está trabajando en un video musical para una banda de hard rock y está ansioso por usar la transición de explosión de partículas hiperespaciales, hágalo. Pero comprenda que, al final, el vocabulario visual se parece mucho al vocabulario real. La forma en que "hablas" a tu audiencia revela mucho sobre ti.
¿No sería genial tener la capacidad de "hablar" en el vocabulario visual de video clásico cuando está trabajando en un video de negocios para un gran cliente corporativo? ¿Estás trabajando en algo más vanguardista? Y, oye, si estás haciendo el equivalente en video de un concierto de rock and roll psicodélico de los años 60, entonces esa burbujeante transición de explosión de amebas chartreuse en cámara lenta está bien. En realidad. Bueno, a veces. Quizás. Pero nunca encontré una manera de usar ese trabajo de transición de "Falling Sheep" en 20 años de edición.
El editor colaborador Bill Davis escribe, filma, edita
y realiza trabajos de doblaje para una variedad de clientes corporativos e industriales.
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El corte – Cuando el primer cuadro de una nueva toma sigue directamente al último cuadro de la toma anterior, tiene la edición más común, el corte. Esta edición generalmente no implica ningún cambio en el tiempo o el lugar. En el modelo clásico de "Hollywood", esta edición sería invisible para el espectador. Si se ejecuta incorrectamente, se convierte en un corte de salto (ver más abajo).
El Cross Dissolve (o Cross Fade) – Cuando el final de la toma saliente se desvanece mientras que la toma entrante se desvanece, tenemos una disolución cruzada. Un grupo de los fotogramas finales del primer clip se componen con un grupo de fotogramas del frente del segundo clip durante la disolución (un valor predeterminado en algunos sistemas de edición es quince fotogramas de cada lado). Otra forma de describir esta transición tan utilizada sería que la opacidad del clip saliente pasa del 100 % al 0 %, mientras que la opacidad de la toma siguiente y superpuesta hace lo contrario. Esto indica un cambio de tiempo o lugar o ambos.
La toallita – La limpieza es una transición muy notable que no se usa con frecuencia en Hollywood o la televisión. Un clip empuja al clip anterior "fuera de la pantalla", hacia la derecha, izquierda, arriba o abajo. George Lucas lo usó en la serie Star Wars. Por lo general, indica un breve lapso de tiempo, pero implica que los dos clips están relacionados.
Fundido a negro – Un desvanecimiento a negro se puede considerar como un desvanecimiento cruzado en el que el segundo "clip" es una imagen completamente negra, generalmente sin sonido. Un fundido a negro generalmente indica el final del programa o quizás el final de un "capítulo" en la historia.
El corte de salto – La definición más básica de un corte de salto es una edición que rompe la continuidad del tiempo (y/o, a veces, del lugar). Esto sucede a menudo cuando se saca una sección del metraje en medio de una toma, por ejemplo, una entrevista con un personaje parlante, lo que hace que el sujeto salte mientras el fondo permanece igual. Aunque la New Wave francesa lo hizo a propósito (y Deconstructing Harry de 1997 de Woody Allen), generalmente se considera un error y sacude a la audiencia, distrayéndolos de la historia.